La Colección JUMEX en el Bass Museum , Miami

Una selección de la magnífica colección JUMEX, se presenta en el museo Bass de Miami, en el mismo periodo que se organiza la mas prestigiosa feria de arte Art Basel Miami. La colección se centra en el desarrollo del arte contemporáneo en México, incluyendo su relación con la escena del arte internacional. Sin duda es una de las colecciones privadas más importantes del arte contemporáneo en América Latina, propiedad de Eugenio López . La fundación se encuentra en una de las fábricas de zumos del Grupo Jumex ubicada en Ecatepec, a 45 minutos de la Ciudad de México y consta de más de 2000 piezas de artistas mexicanos e internacionales.

Where Do We Go From Here? , examina el arte como un índice cultural por medio de diferentes focos temáticos que yuxtaponen a los artistas de una manera inter-generacional, así como artistas de México o con base allí con sus homólogos internacionales. La exposición tiene cuatro núcleos que se encuentran abiertos, y que mantienen diálogo entre sí: el arte por el arte, el arte y la antropología urbana; los textos en el arte, y una serie de breves biografías de los artistas.

Estas agrupaciones conceptuales se relacionan con cuestiones planteadas por los artistas, revisando momentos clave en la modernidad, el examen de la ciudad como un laboratorio, una reflexión sobre el Pop y el legado conceptual alrededor del texto en el arte. Destacan los artistas seleccionados, cuya contribución es importante para la producción contemporánea y las ideas que sugieren una lectura abierta.

03 Diciembre, 2009 - 14 Marzo, 2010
Where Do We Go From Here? Selections from La Colección Jumex.

http://www.bassmuseum.org/

JOHANNES WOHNSEIFER, @ Praz-Delavallade, Paris

Gelitin @ Meyer Kainer, Viena

Nov. 2009 – Enero 2010

http://www.meyerkainer.com

Art Basel Miami Beach Preview

http://www.artbaselmiamibeach.com

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Raymond Pettibon @ Sadie Coles gallery, Londres

Sadie Coles HQ Gallery presenta en su nuevo espacio del barrio londinense de Mayfair, una nueva serie de dibujos del artista de Tucson afincado en Los Angeles Raymond Pettibon, dibujos, la mayoría monocromos aderezados con los muy interesantes textos de Aldous Huxley.

Desde sus primeros dibujos, relativos a la escena punk-rock de Los Angeles (formó parte de la banda  Black Flag), el trabajo de Raymond Pettibon (1957) se ha caracterizado por todo tipo de disonancias histórico-estilísticas e influencias culturales Pop que se mezclan con las de Goya y Blake; exagerados dibujos animados y  perspectivas en conflicto que se yuxtaponen con delicadas variaciones tonales, cacofonías de  transcripción y  reformulación de textos, dado que la literatura se convierte en su principal influencia.  "En algunas ocasiones, el texto de mis obras está tomado o robado de diversas fuentes, Henry James, William Blake o Fernando Pessoa". En cualquier caso, Pettibon concibe su obra de manera integral, “No creo que convenga separar el dibujo del texto a la hora de analizar mis obras. El uno depende del otro. Siempre hay una imagen implícita en mi escritura, y casi siempre que hago un dibujo acaba llevando un texto. Pero bueno, esto empieza a sonar como si estuviera disculpándome por el texto, como si fuera una impureza impuesta sobre la imagen visual; en el arte la impureza no es un pecado mortal, es un espacio a través del cual debes moverte”. 

Trabajados en su mayoría en tinta sobre papel,  monocromáticos, aunque a veces se presentan en color mediante el uso de barras de cera, gouache o acuarela. Dibujos contudentes y sutiles que destilan un lenguaje juvenil y contracultural que han permanecido intacto a lo largo de su carrera, conservando la frescura e ironía Pop tan característica de Pettibon, mezclada con el constumbrismo de la costa este americana. 

“Tiendo a pensar que algunos de mis primeros trabajos son mejores de lo que se esperaba de mí entonces, o incluso ahora. A veces pienso que mi obra está perdiendo algunas de las ventajas que ofrece el dibujo: su sencillez, o su capacidad para representar las cosas con unos pocos trazos del pincel, sin trabajarlas una y otra vez, sin probar distintas versiones, sin borrar y pintar encima... Desde luego, no está mejorando. A veces me gustaría poder volver atrás, a mis primeros dibujos, pero no creo que eso sea posible”. Otros medios “Hay veces que te quedas físicamente sin espacio. Te das cuenta de que en la parte inferior las letras son cada vez más pequeñas. Cuando escribo, veo el poco espacio que tengo y a veces el texto casi no se puede leer. En ocasiones se vuelve demasiado complicado para la viñeta, para el dibujo. Cuando la cosa sigue, tengo que hacer un vídeo, un libro, una versión artística en forma de secuencia o un collage”.

http://www.sadiecoles.com/

Paper Planes Magazine @ BCN

Artists, photographers, stylists, designers, models, make-up artists, pr agencies.

Haunch of Venison’s New York

Si usted visitó la galería Haunch of Venison en Nueva York y encontró sus cinco salas de exhibición, inteligentemente diseñadas, los Premios de Arquitectura de América (American Architecture Awards) están de acuerdo con usted. Consideran a la galería, inaugurada en 2008, "como edificio distinguido por su interior , su planificación urbana y como proyecto de arquitectura del paisaje".

La galería, diseñada por Steven Learner Studio,  forma parte de un imperio de arte que también incluye espacios en Londres y Berlín, además de una muy interesante cartera de artistas internacionales. La galería de Nueva York cuenta con 600 metros cuadrados de espacio entre los pisos 20 y 21 de 1230 Avenida de las Américas (6ª Avenida), que forma parte del complejo del Rockefeller Center.

David Hockney en Tate Gallery

David Hockney (1937), presenta "grandes árboles junto al agua", primera de sus pinturas elaborada a partir de su iPhone y una pantalla digital en la Tate Gallery. La obra, realizada con la aplicación Brush, fue cedida a la Tate por el artista hace dos años y aunque ésta no es la primera vez que se muestra, -ya se expuso en la Royal Academy-, sí es la primera vez que se la ve con las dos versiones fotográficas. .Hockney es un firme defensor de la nueva tecnología según sus palabras "la pintura está viva y bien, es la fotografía quien se está muriendo".

Nuevos Comisarios en el Whitney Museum NY

El Museo Whitney de Arte Americano anunció el día 20 de noviembre, el nombramiento de Scott Rothkopf como nuevo comisario, a partir del 1 de diciembre, y la promoción de Dana Miller, como comisaria de la colección permanente. 
 "Estos nombramientos se producen mientras nos preparamos para nuestra expansión en el centro, un momento decisivo de crecimiento y de transformación para la institución ", dijo Adam Weinberg, director del museo, en un comunicado.

Rothkopf llega al Whitney desde la revista Artforum, donde ha sido redactor jefe desde enero de 2004. Miller comenzó en el Whitney en 1996 y ha sido comisaria asociada de la colección permanente durante los últimos siete años.

Como frecuente colaborador de la revista Artforum, Rothkopf ha escrito sobre exposiciones como la Bienal de Venecia y la Bienal del Whitney, y sobre temas que van desde el arte y la crítica arquitectónica de la década de 1980. Ha sido comisario invitado en la Universidad de Harvard Fogg Art Museum. Miller ha trabajado en relación a adquisiciones, préstamos y proyectos de conservación, así como el comisariado de exposiciones procedentes de la colección.

Olafur Eliasson @ MCA Sidney

10 Dec 2009 / 11 Apr 2010
MCA (Museum of Contemporary Art)

Sidney, Australia.

http://www.mca.com.au/

Andro Wekua en Wiels, Bruselas

Escribir sobre Andro Wekua (1977) no es una tarea fácil. El artista construye múltiples instalaciones con maniquíes, esculturas abstractas, pintura figurativa, dibujo, y collage, en ambientes dispersos, pero cuidadosamente concebidas siempre abrumadoras, tanto en el alcance formal como en el contenido psicológico.

Wekua sitúa su mundo visual en tierra de nadie, entre Oriente y Occidente, entre la precisión estética y la improvisación, refleja al mismo tiempo la tristeza y soledad de una infancia en la Georgia Sovietica post-comunista y el sentimiento de la trágica historia de Wekua, que explora múltiples significados en sus imágenes, los medios de comunicación y los signos de su generación.

Muchos son los elementos que aparecen en el lenguaje estético de Wekua, a lo largo de los diversos medios que emplea, siempre salpicados de momentos autobiográficos pasados. Imágenes que podrían ser fotos de familia o anuncios, conforman la base de sus collages, la mano del artista incorpora el color, atenuando los rasgos faciales, borrando la composición con incorporación de formas geométricas. La cuestión es, si lo que permanece oculto se ha perdido, o está deliberadamente oculto. Fuera de estos collages no surgen sólo imágenes recurrentes, sino también la gramática básica y fundamental del mundo visual de Wekua.

Workshop Report /23·10·2009/03·01·2010/WIELS/Bruselas.

Cy Twombly @ Gagosian Gallery NY

Eight Scultures at Gagosian Gallery

Set 15/ Dic 23

Nan Goldin @ C/O Berlin

C/O Berlín presenta cuatro pases de diapositivas de Nan Goldin (1953): "La Balada de la Dependencia Sexual", "All By Myself", "Heartbeat", "The Other Side".

Las fotografías de Nan Goldin son tan conmovedoras hoy como lo eran hace treinta años. Su fascinación no necesariamente se deriva en imágenes -que oscila entre el glamour y la cuneta, con momentos de euforia y felicidad- sino de su intimidad radical. Goldin sólo propone enfoques que están cerca de ella y de su cámara, con lo que captura con gran sensibilidad la identidad, la sexualidad, el deseo, la violencia, la enfermedad y duelo. Ella no acaba de empatizar con las dificultades y los placeres de sus amigos y familia, pero es ella misma parte esencial. Sus fotografías de inmediato se consideran como imagenes auténticas de su vida. Al mismo tiempo, imágenes llenas de tabúes con gran componente politico-social.

Como fotógrafa, Nan Goldin ha inspirado a una legión de imitadores que tienden a confundir rasgos de cierto estilo de vida con la sustancia artística, un privilegio del contenido sobre la forma, una excusa para tomar fotografías de manera descuidada. Goldin encuentra similitud entre el glamour y la aniquilación personal, de una manera accidental y autentica, a diferencia de otros mas superficiales, y con menos alma.

The Ballad of Sexual Dependency funciona como la pieza central de toda la obra de Nan Goldin. El proyecto se ha desarrollado durante los últimos 18 años y ha evolucionado hasta abarcar unas 800 fotografías. Esta pieza se presenta como un show de diapositivas con una banda de sonido que consiste de varios tipos de música, desde el soul o jazz hasta la ópera. Cada proyección es diferente, porque Nan Goldin reordena y pone al día la selección de las fotos y de la música. Este es el punto de partida para otras obras.

A modo de diario personal, uno queda impresionado por la mayoría de las fotografías que comprende la presentación en formato de diapositivas que enfatiza el discurso narrativo, en ellas, una serie de parejas capturadas en momentos de intimidad.

Es más, esta faceta de su producción "fuera de las modas" le dota de recurso de casación duradera, como los cuatro grupos de diapositiva que constituyen esta exposición .

"Mi obra proviene originalmente de la estética de las instantáneas... las instantáneas las tomo con amor para recordar gente, lugares y momentos especiales. Éstas crean historia al documentar la historia."

http://www.co-berlin.info