27 de febrero de 2010

Thomas Schütte @ Reina Sofía





Como título de una retrospectiva de Thomas Schütte, la palabra “retrospección” posee múltiples significados. Ante todo, se refiere al hecho de que la exposición ofrece una visión de conjunto de una carrera que abarca ya más de treinta años. Pero alude también a que el artista, sobre todo en la última década, ha vuelto la mirada al pasado buscando inspiración tanto en sus primeras obras como en la escultura de épocas históricas anteriores. Schütte ha recurrido al arte del pasado en diversas ocasiones y siempre de manera fructífera: le ha servido de fuente de inspiración para obras individuales y, en los últimos años, ha sido un punto de referencia crucial para afinar su estética. Concebida en un principio como un encargo para un espacio público, la obra Die Fremden(Los extraños), 1992, por ejemplo, ilustra cómo funciona este diálogo recursivo. Con su vocabulario de sencillas formas compactas y colores llamativos, estas esculturas rinden homenaje a dos precursores modernos: a los prototipos que ideó Oskar Schlemmer para su Ballet triádico y a una serie de pinturas tardías de Kasimir Malevich que ofrecen una imagen heroica del estoico campesinado ruso. La alusión a estos precedentes icónicos dignifica el linaje de las figuras de Schütte. Sin embargo, según el artista, el profundo aire de seriedad que domina la obra se debe además a las circunstancias sociales que determinaron su génesis. En 1989, después de la caída del muro de Berlín, la falta de trabajo y la crisis de la vivienda transformaron a los extranjeros, sobre todo a los Gastarbeiter –trabajadores extranjeros que residían en el país desde hacía tiempo–, en chivos expiatorios. Al situar las figuras por encima del punto de vista del espectador, Schütte subraya la distancia insalvable que nos separa de ellas una vez que asumen el papel del Otro.
Aunque desde que empezó a exponer internacionalmente Schütte ha sido considerado ante todo escultor, sus primeros pasos los dio en el terreno pictórico. En 1975, tras terminar el curso de orientación de la Academia de Arte de Düsseldorf, se apuntó a las clases de pintura de Gerhard Richter. Allí no sólo conoció las incisivas investigaciones de su profesor sobre la problemática de la pintura como discurso pictórico, sino también los planteamientos radicales que utilizaban algunos de los colegas de Richter para criticar la identidad y la autonomía de este medio: Daniel Buren, Niele Toroni y, sobre todo, Blinky Palermo, ofrecieron al precoz estudiante un abanico de opciones para subvertir los modelos pictóricos convencionales1. Desafiando con astucia la lógica subyacente a las obras de su mentor, Schütte aprovechó el compromiso con lo decorativo que ya se advertía en ellas para alumbrar una memorable serie de obras in situ que incluye Ringe (Anillas), 1977-1990, Girlande (Guirnaldas), 1980 y Große Mauer (Gran pared), 1977. En Große Mauer, obra compuesta por unos 1.200 “ladrillos”, pequeñas pinturas abstractas realizadas en un lenguaje gestual, el soporte arquitectónico es una parte integral de la identidad y la función de la pieza, mientras que el efecto ilusorio enmascara ingeniosamente la noción de arte relacionado con el lugar. Sin embargo, la travesura conceptual que sustenta esta extraordinaria obra de formación pronto se oscurecería y daría paso al tono profundamente amargo que ejemplifica la heterogénea serie de memoriales que el artista inauguró a principios de los años ochenta con una tumba que conmemoraba su propia y prematura muerte (1981), y que prosiguió con una cáustica propuesta para un monumento en honor de Alain Colas, el navegante solitario francés que se perdió en el mar (1989), y con una hipotética sede para la tumba del monstruo fantasmal Adolf Hitler (1991). De hecho, el espíritu inconformista que comparten estas propuestas es la clave que permite explicar el proteico compromiso que el artista ha adquirido a lo largo de su carrera con una miríada de modos, estilos, formas, técnicas y materiales escultóricos.
Cortesía , Museo Reina Sofía.

Bienal de Estambul 2011

Adriano Pedrosa and Jens Hoffmann appointed curators of the 12th International Istanbul Biennial.
The 12th International Istanbul Biennial is set for 17 September-13 November 2011, under the curatorship of Adriano Pedrosa and Jens Hoffmann.
fuente:http://centrefortheaestheticrevolution.blogspot.com/

25 de febrero de 2010

Wangechi Mutu & Deutsche Bank





Wangechi Mutu (1972), artista nacida en Nairobi que ahora vive en Nueva York, ha sido nombrada artista del año por el Deutsche Bank, según informa el Wall Street Journal. En lugar de una subvención, el banco dijo hoy que planea una exposición individual de la última obra de Mutu en elDeutsche Guggenheim de Berlín. La exposición se abrirá 30 de abril.Mutu es conocida por la exploración de los estereotipos de la belleza femenina en la sociedad y el exotismo de la creación en retratos de mujeres cuyos ojos y los labios a menudo han sido recortadas de revistas de moda. Fue elegida para la adjudicación del premio por curadores como Okwui Enwezor, Nancy Spector y Hou Hanru, de acuerdo con Friedhelm Hütte, jefe global de dicho banco .En una entrevista telefónica, Mutu dijo que planea crear un "lugar íntimo, cálido" en el museo cubriendo sus paredes y ventanas con gruesas mantas grises, utilizadas habitualmente por los trabajadores pobres de Kenya, o por las compañías en Occidente como material de embalaje. Un muro doble cubierto, como una pantalla para su nuevo vídeo, que dijo que representa a una mujer desnuda en un espacio pequeño, a modo de mazmorra, gimiendo.

23 de febrero de 2010

Banks-Violette @ Gladstone Gallery





Dibujos de grafito inquietantes exquisitamente prestados junto a las instalaciones escultóricas de yeso, luz y sonido. Banks-Violette (1973) con trabajos que sondean la degradación y la acumulación simultánea de significados a través del proceso de la mitología, a menudo encarnado en las formas fuertemente asociadas con sub-comunidades culturales, monumentos a lo personal o imprecisiones históricas.
El espectáculo en blanco y negro con composiciones cargadas de alusiones inquietes e imágenes correctas y formas deconstruidas. Para esta nueva instalación, Violette utiliza los materiales y formas asociadas con el arte minimalista y conceptual como plataformas de teatro a modo de performances decadentes. Grandes lámparas de araña compuestas de varios tubos fluorescentes con un muro negro que parece fundirse con la reflexión de la luz. Ambos aspectos de la instalación recuerdan el tono monocromático y el uso de los materiales industriales comunes en los escultores minimalistas y conceptuales como Donald Judd y Dan Flavin, sin embargo, las obras de Violette parecen conscientemente construida y teatrales. Cables de caída en cascada junto a la lámpara mientras tubos de acero y sacos de arena apoyando la pared permanecen a la vista. Al exponer estas necesidades técnicas más banales, Violette aumenta el espectáculo artificial de su instalación, como si quisiera que esos dos movimientos históricos del arte danzaran juntos.

22 de febrero de 2010

ARCOmadrid 2010





ARCO se terminó una vez mas, quizás la edición mas gris de todas las que recuerdo que ya son muchas, falta de riesgo, de artistas importantes e interesantes, galerías internacionales ausentes y nacionales sin interés, salvo honrosas excepciones claro está.
La ciudad invitada Los Angeles, no dio la talla parecía que la feria no iba con ella, simplemente aceptaron la invitación, salvamos a la galería Regen Projects además de Peres Projects , poco mas.
Caótico planteamiento espacial, los ejes cartesianos pasaron a mejor vida, la nueva reestructuración no encaja con el tamaño de los pabellones, tres en esta edición que fatigaban a los paseantes (no compradores), que dificultan una buena visión de los stands; Quizás debemos plantearnos definitivamente que la feria es de galerías y sus artistas y que las hordas de curiosos, que durante el resto del año no pisan una galería son demasiados, esto se ha convertido en mas social que otra cosa.
Los solo projects trufaban el pabellón diez en la plaza central, lo que hacia el pabellón aún mas enrevesado no había modo de verlos, acentuado por su bajo perfil de calidad.
Buenos stand nacionales nos parecieron Marta Cervera, muy precisa en su montaje, NoguerasBlanchard con alto riesgo artístico, buenas piezas en Pilar Parra, Casado Santapau el mas interesante y audaz de ARCO40, sección que debería ser revisada, bien gestionada debería ser fundamental en la próxima edición , aunque hay que eliminarla de galerías caducas que no deberían volver a la feria. También nos gustó projectesd , siempre en su línea, no queremos olvidar a Estrany de la Mota, Heinrich Ehrhardt, Travesía Cuatro . De las internacionales destacamos, las brasileñas Casa Triangulo y Leme, Mai36, Ropac sin duda, y el espectacular montaje de Haunch of Venison.
Leemos artículos en la prensa no especializada contradictorios y afirmaciones que dan miedo, perdidos no saben como relatar la feria, océanos de datos equivocados para un público general desconcertados que poco ayuda a tener una visión real del asunto ...

Lo mas llamativo la desaparición de los coleccionistas profesionales internacionales por arte de Birli Birloque, hacia una excursión de 48 horas hacía Ceutí; Murcia y su "Conservera", ver para creer . Por no hablar de las desastrosas compras de la Fundación Coca-Cola España, su falta de rigor e interés deberían ser objeto de estudio.
2011 será otro año !

13 de febrero de 2010

Pre-ARCOmadrid

foto: V. Fernández

Abriendo boca para este evento anual, ya un clásico en la agenda madrileña, la feria de arte mas importante en España, ARCOmadrid, nuevo nombre que recibe la feria desde su pasada edición, comienza el miércoles 17. Los Angeles será la Ciudad Invitada en esta ocasión, sin duda una buena selección de galerías que aportarán calidad a la feria.
Mientras tanto, en Madrid se pueden visitar sus galerías, que aportan su importante granito de arena durante la semana que dura ARCO.

Os sugerimos :
Casado Santapau > Alexandre Arrechea
Elba Benitez > Hreinn Fridfinsson
Elvira Gonzalez > Olafur Eliasson
Heinrich Ehrhardt > André Butzer
Helga de Alvear > Spalletti & Dzama
Juana de Aizpuru > Sandra Gamarra
La Fábrica > Shirin Neshat
Marta Cervera > Changha Hwang
MasiterraValbuena > Karmelo Bermejo
Max Estrella > Abstracción Definitiva
Pepe Cobo > Gabriele di Matteo
Soledad Solrenzo > Iñigo Manglano-Ovalle
Travesia Cuatro> Conversations II
Del 17 al 21 de Febrero , pabellones 6 , 8 y 10 de IFEMA. De 12 a 20 horas .
http://www.ifema.es/web/ferias/arco/default.html

12 de febrero de 2010

Ron Arad @ Barbican Art Gallery




Primera exposición completa del audaz diseñador israelí con base en Londres Ron Arad en Gran Bretaña. Tres décadas de diseño, con un montaje espectacular de exposición, dan rienda suelta a sus escultóricos diseños de mobiliario, mezclados con la mas alta tecnología de LED, incluye además sus diseños de arquitectura.
Destacando la importancia de la experimentación, procesos y materiales en la obra de Arad, la exposición ofrece una visión oportuna en el desarrollo de los objetos desde la idea inicial hasta la fabricación de acabados en el diseño.
http://www.barbican.org.uk/ronarad > http://www.ronarad.com > imagénes cortesía Timothy Taylor Gallery

11 de febrero de 2010

Alexander McQueen In Memorian

1969-2010
He was one of the most creative, radical and brilliant contemporary designers in fashion and he will be sorely missed.
REST IN PEACE

John Baldessari @ MACBA, TATE & +






Tras mudarse a Los Angeles, la proximidad de Hollywood también repercutió en la obra de Baldessari. Abordó los procesos de trabajo de la industria cinematográfica en obras como Story with 24 Versions (1974) y Scenario: Story Board (1972-1973), en las que la trama está desarrollada escena por escena. También se apropió de las imágenes de fotogramas que encontraba en tiendas locales y que categorizaba meticulosamente según su contenido para aplicarlas en su obra. Simultáneamente empezó a crear piezas a mayor escala, utilizando las fotografías como bloques de construcción para sugerir narrativas. En Kiss/Panic (1984) hay una provocativa yuxtaposición de una pareja besándose, con una escena de una muchedumbre aparentemente caótica debajo, rodeados de fotos de pistolas apuntando.

A mediados de los años ochenta, empezaron a aparecer puntos de colores sobre los rostros de los personajes. Baldessari descubrió que el hecho de cubrirles el rostro acentuaba el carácter anónimo de los personajes, lo que obligaba al espectador a centrarse en otros aspectos de la imagen para dar sentido a la escena. Bloody Sundae (1987) consiste en dos escenas diferenciadas dispuestas de tal forma que recuerdan unos postres de helado. En la parte superior, dos hombres atacan a un tercero junto a unos cuadros amontonados, mientras que en la parte inferior una pareja retoza perezosamente en la cama. Todos los rostros están cubiertos con un círculo de color. La violencia de la imagen superior combinada con la fuerza de sugestión del título insinúa un asalto inminente a la habitación de la pareja.

En obras posteriores, las manchas de color usurpan la totalidad del personaje, lo que resta profundidad a la imagen y hace de la forma humana una abstracción. En The Duress Series: Person Climbing Exterior Wall of Tall Building/Person on Ledge of Tall Building/Person on Girders of Unfinished Tall Building (2003) aparecen tres de esas figuras en situaciones de peligro; aun así, las siluetas coloreadas añaden a la escena un toque de humor. Baldessari insiste en las partes del cuerpo que identifican la sensibilidad visual en las series Noses and Ears (2006-2007) y Arms and Legs(2007-2008), en las que estas partes se aíslan mientras que otros detalles del cuerpo y del entorno se colorean o bien se omiten, de modo que el espectador tiene que interpretar la obra a partir de unos elementos mínimos. En su serie más reciente, Furrowed Eyebrows and Raised Foreheads (2009), el artista prosigue su exploración de la expresión humana a través de las fragmentaciones.

“John Baldessari: Pure Beauty,” Tate London. London, United Kingdom, October 13, 2009 –January 10, 2010. Traveling to Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona, Spain, February 10 – April 25, 2010; Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA, June 20 – September 12, 2010; Metropolitan Museum of Art, New York, NY, October 17, 2010 – January 9, 2011.

http://www.baldessari.org / Imágenes cortesía del artista

10 de febrero de 2010

Yinka Shonibare for the Fourth Plinth, Londres.




El próximo encargo de la ciudad de Londres para la plaza de Trafalgar Square, (iniciativa sostenida por la alcaldía de Londres y respaldado por el Arts Council England), es el barco de Nelson en una botella, realizado por artistas anglo-nigeriano Yinka Shonibare.
La obra de arte será el primer encargo para el cuarto pilar de la plaza, proyecto de escultura pública temporal, que nos permitirá reflexionar específicamente sobre el simbolismo histórico de la Plaza de Trafalgar, que conmemora la Batalla de Trafalgar, y vinculada directamente con la columna de Nelson. Es también la primera comisión de un artista británico negro.
El buque de grandes velas realizadas con exuberantes estampados textiles, comúnmente asociados con el vestido de África, simboliza la identidad africana y su independencia. La historia de la trama revela que fueron inspirados por el diseño del batik de Indonesia, producidos en masa por los holandeses y vendidos a las colonias en África occidental. Atando cabos históricos y mundiales, y atravesando océanos y continentes, la obra considera la complejidad de la expansión británica en el comercio y el Imperio, posible gracias a la libertad de los mares y las victorias de Nelson en ellos.
Yinka Shonibare, dice "que su obra se refleja la historia de multiculturalismo en Londres" .
Esto se dará a conocer en Trafalgar Square el lunes 24 de mayo de 2010.
http://www.london.gov.uk/fourthplinth/plinth/shonibare.jsp

9 de febrero de 2010

Matthew Barney At Sadie Coles HQ




Nueva exposición de Matthew Barney (1967), autor de la conocidas series Cremaster Cycle, en la galería londinense Sadie Coles HQ. Sobre la base del trabajo de Norman Mailer, novela de 1983 cargada de erotismo y simbolismo, reinvención mitología del antiguo Egipto y sus rituales, el trabajo está estructurada de acuerdo con las siete etapas del alma a través de la muerte y el después de esta, (Ren, Khu, Sekhem, Ba, Ka, Khaibit y Sekhu). Se traslada así el mito central de Isis y Osiris al mundo contemporáneo
Es este el trabajo más sutil que recordamos del artista, pero no por ello menos convincente, algo de esperar de uno de las verdaderas superestrellas de arte contemporáneo.
imágenes cortesía de la galería > http://www.sadiecoles.com

5 de febrero de 2010

Damien Hirst @ Gagosian Gallery N.Y.


The Hancock (Red), 2006, Oil on canvas
(121.9 x 91.4 cm)

End of an Era, 2009
Bull's head, gold, gold-plated steel, glass and formaldehyde solution with a Carrara marble plinth
84 x 67 5/16 x 38 5/16 inches overall (213.4 x 171 x 97.2 cm)
The Golden Jubilee (Green), 2008, Oil on canvas
36 x 48 inches (91.4 x 121.9 cm)
Painful Memories/Forgotten Tears, 2008, Gold plated, glass and Cubic Zirconia
Diptych: 72 3/16 x 108 3/8 x 4 inches each (183.3 x 275.3 x 10.2 cm)

Gagosian Gallery presenta "End of an Era", Nuevas pinturas y esculturas de Damien Hirst.
imágenes> cortesía Gagosian Gallery

4 de febrero de 2010

Gilbert & George @ CAC Málaga





El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta, en colaboración con el British Council, la primera gran exposición de Gilbert & George (1943 & 1942) tras diez años sin exponer en España. Jack Freak Pictures, su serie más extensa y ambiciosa realizada hasta el momento, viajará a seis países europeos siendo España, y más concretamente, Málaga, la primera capital en acoger esta impresionante selección.
Tras trabajar conjuntamente desde 1967, famosos por sus obras transgresoras, que abarcan desde el performance hasta los fotomontajes, las obras de Gilbert & George han ido siempre de la mano de la polémica, tocando temas como la sexualidad explícita o las críticas a la religión (su exposición "¿era Jesús heterosexual?" del año 2005 provocó las inmediatas iras de muchos creyentes). Tales polémicas no han evitado su reconocimiento mundial: premio Turner en 1986, representaron al Reino Unido en la Biennale de Venecia del año 2005.