21 de julio de 2010

Jessica Stockholder en Palacio de Cristal


Los juegos de palabras, visuales y verbales, y las rimas abundan en el arte vibrante de Jessica Stockholder. Los objetos que alguna vez parecieron corrientes y familiares cobran nueva vida, espejándose, resonando y dialogando entre sí al asumir nuevos roles insólitos y ganar una presencia imponente, enérgicos, descarados, tímidos, burlones, seductores, volubles y mucho más, pero nunca rutinariamente vulgares. El mundo de Stockholder está construido más por asociación que por formas convencionales de análisis. Sus obras proponen que, si se quiere examinar algo, se necesita indagar, probar y escudriñar en un intento de leer lo que está más allá de la mera visión y contemplación: así, atisbando, podríamos ver más de lo que habíamos planeado: pudiera ser que acabáramos “caminando por la tabla”, suspendidos en una plataforma sobre los abismos, arrojados a lo desconocido, en un muelle más allá del mar. Deslizándose suavemente desde lo literal a lo metafórico, de lo físico a lo figurativo, como se entrama un tejido de conexiones disyuntivas, la seductora forma de interpretación de Stockholder se ha convertido en un sello distintivo de una práctica que hoy abarca alrededor de tres décadas. Profundamente formal y, sin embargo, desenfadado, ingenioso aun siendo pleno, su toque lúdico seduce, requiere, persuade, invita con señas y cautiva a sus audiencias, que a menudo se encuentran atrapadas y, súbitamente, sobre un escenario, sin haber sido conscientes de su transición de observadores pasivos a participantes activos. Tan desarmante aproximación permite a su arte “deslizarse a través de la superficie por las rutas sintagmáticas más improbables, arrastrando una carga nebulosa de significados aparentes a su paso”, como sagazmente señala el crítico americano Jack Bankowsky(1).

Para la artista, este método participa de ambas esferas: conceptualizar y construir. “Mi trabajo a menudo irrumpe en el mundo igual que una idea brota en la mente. Nunca sabes realmente de dónde viene o cuándo ha conseguido formarse. Sin embargo, es posible desmontarla y comprobar que tiene una lógica interna”, escribe, “Estoy intentando acercarme a los procesos de pensamiento, tal y como existen, antes de que la idea se haya formado completamente”(2). Asociaciones inesperadas de lo abstracto (vívidos colores y ricas texturas) y lo identificable (materiales domésticos e industriales) conforman el conjunto del que están hechas ambas, sus esculturas autónomas y sus instalaciones para un lugar específico. A propósito sin propósito, todas parecen diseñadas para facilitar, relajar, ayudar, clarificar o, de alguna manera, aliviar las limitaciones de su condición, que, aunque pueden estar no identificables precisamente, son evidentes en sí mismas: las acogemos como objetos de nuestro entorno cotidiano o que podrían integrarse sin esfuerzo en nuestro ámbito local.

El toque autógrafo de Stockholder se manifiesta en las enormes situaciones comunes como formas de guiarnos que crea, mientras navegamos hacia un ámbito compartido a través de su puesta en escena, cuidadosamente coreografiada. El pasaje a sus sendas se manifiesta siempre estimulante: intriga en lugar de sosegar, vigoriza antes que producir sopor. Este efecto deriva del hecho de que los contextos desde los cuales, y para los cuales, trabaja in situ han sido creados bajo una apariencia asumida de novela, una inesperada dimensión, como consecuencia de su intervención: cambios en la escala, contracción de proporciones, elisión de espacios, disminución de la profundidad, magnificación de sonidos y disolución de la luz, que blanquea o inunda cualquier cosa que se agita bajo su compás.

Efímeros cambios en nuestra percepción requieren que reconfiguremos ideas preconcebidas y suposiciones –y así, recalibrar lo que pensábamos que sabíamos. Examinando las aguas, por ejemplo, encontraremos que no están en terreno tan sólido como suponíamos. Al encontrarnos a la deriva, en lugar de en tierra firme, estamos constantemente obligados a afrontar nuevas opciones y elecciones. Se nos demandan preferencias e inclinaciones (que son cuestionadas). Lo integral, normalmente suprimido en un proceso mental, intangible, se registra en la mente consciente, donde se presenta al análisis junto a los más tangibles intangibles, que impactan con el cuerpo, pues el aire, la luz y el sonido animan el pabellón y crean un vórtice en el centro del cual nos encontramos.

La estética de Jessica Stockholder está basada en los recursos efectivos de la escultura: lo sólido habita el espacio, los volúmenes trazan las formas, el material está sujeto a la gravedad, la inmovilidad conjura el movimiento. Aunque es evidente que se trata de parte del legado escultórico reciente de Picasso, Schwitters, Rauschenberg y otros, su obra revela la sensibilidad propia del pintor: Matisse quizá sea su referente más inmediato. Sutil, vibrante, idiosincrático pero inmediatamente identificable, el singular sentido del color de Jessica Stockholder es el principal responsable del innegable placer que irradia su obra; y eso lo separa de la obra de los incontables seguidores que han aprendido tanto de su praxis rigurosa pero pródiga y fecunda.

Stockholder, una de las más influyentes escultoras de su generación, ha creado en los últimos años instalaciones que permiten a los visitantes utilizarlas para sus propios fines. Como Atisbar para ver demuestra, estas construcciones temporales se convierten en lugares para la conversación casual entre propios y visitantes, para el juego improvisado y para lo trivial –en resumen, son lugares para pasar el tiempo y dejarse llevar por el flujo y el cambio. Tanto en el Madison Square Park de Manhattan, en 2009 (con el Flooded Chambers Maid), como en el luminoso Palacio de Cristal en el parque del Buen Retiro de Madrid, la gente deambula y pasa el rato de una manera semejante, mientras hace descubrimientos casuales e inesperados a su antojo. Hábiles exploraciones de las líneas espaciales, estructurales, sociales y culturales del entorno propuesto, las obras más ambiciosas de Stockholder dejan espacio a la miríada de necesidades de una audiencia cambiante, que probablemente nunca llegará a saber hasta qué punto es parte esencial del juego.

14 de julio de 2010 - febrero de 2011 / Palacio de Cristal, Parque del Buen Retiro

Cortesía Museo Reina Sofía.

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/actuales/jessica-stockholder.html

20 de julio de 2010

iSTANBUL MODERN | HUSSEIN CHALAYAN

From July 15th – October 24th the Istanbul Modern plays host to the most comprehensive exhibition ever held in Turkey of Hussein Chalayan’s work. The exhibition presents the artist’s fashion collections, art and film projects created between the years 1994 and 2010. It explores Chalayan’s creative approach, his sources of inspiration and ideas on genetics, technological progress, displacement, immigration and cultural identity.

17 de julio de 2010

Nobuyoshi Araki at Rat Hole





Images courtesy of Rat Hole Gallery, Tokyo
http://www.ratholegallery.com/exhibitions/2010/03araki/views.htm
「チロちゃんは春日部のおばあちゃんとこから生後4ヶ月のときにヨーコ(妻)がもらった。」 --荒木経惟 「愛しのチロ」 1990年それから22年という長い年月、荒木のモデルをつとめた愛猫チロが2010年3月2日に他界。人間の年齢で言えば105歳という大往生だった。「あんなにオレを愛してくれた女はいない」とチロのことを話す荒木にとって、チロは早世した妻ヨーコに代わり支えとなってくれた、かけがえのない存在であった。ヨーコが亡くなってから20年、再び愛するものを失う悲しみに直面した荒木は、生と死の間を流れ行く日常は「人生という旅」であることを、写真を通して語る。今回の展覧会で、荒木はチロの最後の数ヶ月を撮った作品80点を発表する。バルコニーを歩くチロ、ベッドに横たわるチロ、カメラをじっと見つめるチロ。写真に写るチロは、荒木のレンズを通した写真にもかかわらず、まるで目の前で触れているような気にさせる。鳴いたり、甘えたり、寂しがったり・・・。表情豊かなチロと風景は、ラブ・ストーリーのように流れ、荒木の深い愛情が伝わってくる。そして、チロが去ったあとの空や花の風景は、このうえなく愛しく切ないメロディーに聞こえてくる。◎ラットホールギャラリーでは、今回の展覧会にあわせて写真集『センチメンタルな旅 春の旅』を刊行いたします。ヨーコとの最後の時間を描いた写真集『センチメンタルな旅 冬の旅』(1991年)から20年近くを経た今、荒木は愛猫チロとの最後の時間を綴った写真集を発表する。「写真集は棺桶」であるという荒木にとって、今回の写真集は特別な意味をもつ。「センチメンタルな旅 春の旅」は、チロにとっての旅の終わりでもあり、また始まりでもある。この世での最後を迎えるまで、荒木のためのモデルとして常に最高の表情をみせたチロは、荒木の唯一のミューズ(女神)だったのではないだろうか。

"Mi esposa Yoko trajo a casa a Chiro Kasukabe cuando era apenas un gato de cuatro meses de edad ." Nobuyoshi Araki, Itoshi No Chiro (Chiro, My Love), 1990Hoy 20 años despues. Hoy, 20 años después de la muerte de su esposa Yoko, Araki una vez más está obligado a hacer frente a las dificultades dolorosas de perder un ser querido. A través de sus fotografías, narra una historia de cómo "la vida es un viaje", compuesto por los momentos cotidianos que fluyen entre la vida y la muerte.

15 de julio de 2010

Rivane Neuenschwander: A Day Like Any Other New Museum

Rivane Neuenschwander, una de las artistas brasileñas (1967) mas interesantes del momento, desembarca en el New Museum
de Nueva York, que ofrece la programación mas actual del momento, exposiciones que se están volviendo referencia obligada.

14 de julio de 2010

Pipilotti Rist - Be Nice To Me (Flatten 04)

Pipilotti Rist en La Fundación Miró


El recorrido por las salas nos sumerge en el universo lleno de color de Rist. La muestra se inicia con dos pequeñas videoinstalaciones, Porqué te vas? (nass) [¿Por qué te vas? (húmedo)] (2003) y Grabstein für RW [Lápida para RW] (2007), y continúa con una de las obras más emblemáticas de la artista, Sip My Ocean [Sorbe mi océano] (1996). Esta pieza consiste en una proyección sobre dos paredes de la sala en ángulo, que operan como macropantallas en las que se ve un fondo marino con cuerpos buceando, mientras suena la hipnótica voz de Pipilotti Rist interpretando una versión de Wicked Game, de Chris Isaak. La obra reflexiona sobre la eterna necesidad de comprensión absoluta del otro y sobre el deseo casi irrealizable de sincronicidad.
En Tyngdkraft, var min vän [Gravedad, sé mi amiga] (2007), las imágenes muestran a dos personas y hojas flotando en el espacio. El título es una invitación al visitante a reflexionar sobre la fuerza de la gravedad, mientras se tumba y contempla las proyecciones sobre dos paneles amorfos que cuelgan del techo. ¿Se ve y se siente de otra forma cuando los músculos están relajados?
La siguiente instalación que encontramos es Ginas Mobile [El móvil de Gina] (2007), un móvil formado por una rama, una esfera de cobre y una lágrima de plexiglás donde se proyectan primeros planos de vulvas; el hecho de que cueste reconocer de qué se trata despoja las imágenes de sus connotaciones habituales. Con esta obra la artista quiere cuestionar los miedos y los tabúes sociales.
Lungenflügel [Lóbulo pulmonar] (2009) es una instalación que ocupa tres paredes. El rodaje de esta pieza está relacionado con el de Pepperminta, el primer largometraje de la artista. Las imágenes nos muestran a Pepperminta (Ewelina Guzik), la protagonista de las obras recientes de Rist, interactuando con la naturaleza, a fin de establecer analogías y contradicciones entre la vida humana y la animal.
La siguiente instalación, Regenfrau (I Am Called A Plant) [Mujer de lluvia (Me llaman planta)] (1999), también aborda la temática de la unión con la naturaleza. En este caso, lo hace mostrando el contraste entre la vida orgánica, representada por un cuerpo desnudo y vulnerable echado en la calle, bajo la lluvia, y la domesticidad y esterilidad ejemplificada en la inmensa cocina sobre la que se proyecta el vídeo.
La muestra acaba con À la belle étoile [Bajo las estrellas] (2007), una proyección en el suelo del museo, y con Doble llum, la obra que se quedará en la Fundació Joan Miró.
En la Fontana d’Or, en Girona, Pipilotti presenta tres obras. En primer lugar, Ever Is Over All[Siempre está en todas partes] (1997), dos proyecciones solapadas que muestran un campo de flores rojas y una mujer paseando felizmente por la calle. Ella blande una de las flores con la que rompe los cristales de los coches aparcados en la acera, con naturalidad, como si lo hiciera cada día. La instalación reflexiona sobre las ideas estereotipadas en relación con las normas de urbanidad. Los coches simbolizan los obstáculos que habitualmente no son cuestionados.
Lap Lamp [Lámpara de regazo] (2006) es una videoinstalación formada por una lámpara de pie que proyecta imágenes de un campo lleno de árboles, leña cortada y ortigas sobre el regazo del visitante, como si le acariciara. La obra contrapone la rigidez del confinamiento físico con el deseo de libertad psicológica.
Finalmente, Deine Raumkapsel [Tu cápsula espacial] (2006) tiene la apariencia de una caja de transporte que acabase de llegar al museo. En su interior hay un dormitorio en miniatura, abandonado recientemente por su ocupante, con una luna medio incrustada que ha reventado una de las paredes, de modo que el aposento se abre a un cielo estrellado. Una videoproyección se mueve sobre las paredes y muestra secuencias de gente de varias generaciones que interactúan a cámara lenta, mientras se oye el sonido del viento y música sacra de fondo.

http://www.fundaciomiro-bcn.org

8 de julio de 2010

Gary Hume @ Sprüth Magers, Berlín




Primera exposición individual de Gary Hume en Berlín desde hace más de 15 años, presenta una selección de trabajos nuevos, entre ellos Big Bird (2010), una pintura de grandes dimensiones compuesta por seis paneles, un grupo de seis pinturas, cuatro esculturas y por primera vez, cinco obras en papel.
http://spruethmagers.com

5 de julio de 2010

2 de julio de 2010

Antony Gormley: Test Sites > White Cube Gallery

Muntean/Rosenblum @ Georg Kargl






Muntean / Rosenblum (ambos nacidos en 1962) se centran en los modos de representación de la iconografía clásica. El simbolismo del color, los gestos con las manos, y las posturas físicas se han tomado de la tradición visual cristiana, pero separadas del contexto religioso aplicado en el presente.Adolescentes y adultos jóvenes por lo general aparecen en contextos urbanos anónimos, que parecen haber sido tomados de revistas de moda o estilo de vida. Utilizan material encontrado en revistas y periódicos, medios de comunicación e imágenes de cultura de consumo orientados a la juventud, planteando cuestiones de la identidad y sujeto. Ropa contemporánea, que prometen la individualidad y la confianza en sí mismo, en fuerte contraste con los gestos y poses amanerados. Característico de sus dibujos y pinturas son subtítulos en mayúsculas sobre un fondo blanco. Declaraciones filosóficas que han sido tomadas de diversos fragmentos de revistas y de textos filosóficos clásicos. Junto a los medios de expresión clásicos como tela y papel, Muntean / Rosenblum también utilizan el cine y la instalación por su remix de la historia del arte tradicional y social.www.georgkargl.com