30 de junio de 2011

Serpentine Gallery Pavillion 2011




Con la llegada del verano la Serpentine Gallery londinesa, revela sus planes para su Pabellón 2001 , en este caso realizado por el afamado arquitecto de Basilea Peter Zumthor.
Este nuevo pabellón efímero , número 11 en la serie anual de la galería, convierte al programa , como uno de los mas ambiciosos relacionados con la arquitectura, primero del este arquitecto finalizado en Inglaterra, y cuewnta con un jardín creado especialmente por el influyente diseñador holandés Piet Oudolf.
El concepto para el pabellón de este año es un hortus conclusus, una sala de contemplación y un jardín en el jardín. Uno entra en el edificio por el jardín y comienza la transición hacia el jardín central, un lugar aislado del mundo del ruido, el tráfico y los olores de Londres, un espacio interior en el que sentarse, caminar , observar las flores.
Con este pabellón, al igual que las estructuras anteriores, como los famosos baños termales de Vals en Suiza, o la capilla Bruder Klaus en Mechernich, Alemania, Zumthor ha hecho hincapié en los aspectos sensoriales y espirituales de la experiencia arquitectónica, a partir de la composición precisa y sencilla y la presencia de los materiales , para el manejo de la escala y el efecto de la luz. En el Corazón de la práctica de Peter Zumthor es una refinada selección de los materiales utilizados para crear espacios contemplativos que evocan la dimensión espiritual de nuestro entorno físico. Como siempre, el objetivo estético es personal el edificio, precisamente, su objetivo como un cuerpo físico y un objeto de la experiencia emocional.

"Un jardín es el conjunto del paisaje más íntimo que conozco. Está cerca de nosotros. Hay que cultivar las plantas que necesitan. Un jardín requiere de cuidado y protección. Y por lo que lo rodean, lo defendemos y valerse por sí mismo. Le damos refugio. El jardín se convierte en un lugar.
Los Jardines cerrados me fascinan. Un precursor de esta fascinación es mi amor por la huerta cercada en las granjas en los Alpes, donde las esposas de los agricultores con frecuencia plantan flores. Me encanta la imagen de estos pequeños rectángulos recortados de gran praderas alpinas, la valla de mantiene a los animales alejados. Hay otra cosa que me llama la atención en esta imagen de un jardín vallado dentro del paisaje general alrededor de él: algo pequeño ha encontrado refugio en algo grande.
El hortus conclusus que sueño es cerrado por todas partes y abierto al cielo. Cada vez que me imagino un jardín en un marco arquitectónico, se convierte en un lugar mágico. Creo que de los jardines que he visto, que yo creo que he visto, que me largo a ver, rodeado de paredes simples, columnas, arcos o las fachadas de los edificios - lugares protegidos de gran intimidad donde me quiero quedar por mucho tiempo ".
http://www.serpentinegallery.org/

Roni Horn at FLAG Art Foundation

La exposición, doble Mobius, incluye una selección de obras del multi-disciplinario Roni Horn, esculturas, obras sobre papel, fotografías y libros. Con frecuencia, el trabajo de Horn, se ocupa de cuestiones de género, identidad y androgínia, creando elaboradas y complejas relaciones entre el espectador y su obra. Los materiales, a menudo se utiliza con una extraordinaria virtuosidad y la sensibilidad, donde asumen cualidades metafóricas, relacionando los temas clave a los espectadores con su enorme poder visual.
Tal es el caso de doble Mobius, la obra de la cual la exposición toma su título. A pesar de que ha estado fascinado por la tremenda significación mitológica y económica del oro desde su infancia, sólo ha hecho tres esculturas con este material en su carrera que abarca cuatro décadas: Campo de Oro, 1980-82; pares tapetes de oro, de Ross y Félix, 1994-1995, y doble Mobius, de 2009, se muestra aquí. En Mobius , a diferencia de sus esculturas de oro anteriores, el artista coloca el oro en el nivel de los ojos, por lo que el espectador puede experimentar el material de cerca o de su "realidad física sencilla". La instalación de la escultura a la luz del día expone el trabajo a los cambios de la luz y el clima.
El emparejamiento de los dos objetos que pueden ser idénticos ha sido un tema central en la obra del artista desde hace muchos años. Doble Mobius, toma el aspecto de duplicar a otro nivel, ya que estas cintas están dispuestas en forma de una cinta de Moebius, una forma geométrica que parece tener dos caras, pero sólo tiene una confusión, dando una impresión simultánea de la intimidad y el infinito.
http://www.flagartfoundation.org/

28 de junio de 2011

Dior Homme Men's SS 2012

Isaac julien @ Helga de Alvear



El más reciente trabajo cinematográfico de Isaac Julien (Londres, 1960) consiste en una instalación de 9 pantallas rodada en localizaciones naturales en la mítica región china de Guanxi. A lo largo de más de 4 años el artista británico ha reflexionado sobre un tema básico de su obra: la relación entre el hombre y su entorno, ya sea físico, social o cultural. El proyecto parte de un hecho real, la tragedia de Morecambe Bay, en el norte de Inglaterra, en la que perdieron la vida 23 marisqueros que provenían de la misma aldea en China. Sobre este suceso Julien comienza a desarrollar distintas líneas de pensamiento que confluyen en un resultado final combinando la tragedia de la inmigración, la fascinación por la milenaria cultura china o el viaje entendido como camino de transformación y aprendizaje.

La narración alterna, con un tono poético, distintas historias conectadas entre sí y que muestran el pasado y el presente de China. De esta forma Julien puede además reflexionar sobre los distintos lenguajes estéticos asociados a esos momentos mezclando realidad y ficción (grabaciones de cámaras de vigilancia junto con una narración cinematográfica que nos remite al cine clásico de la edad de oro de los míticos estudios de Shanghai). Narra hechos reales pero también propone un ensayo sobre la condición humana y una ficción dramática que es casi un cuento de hadas y dioses. Julien utiliza la fabula de la diosa Mazu del siglo XVI y procedente de la misma área geográfica de donde venían los marisqueros ahogados en Morecambe en Inglaterra. En el original la diosa salva de la muerte a un pescador y en su adaptación el artista la convierte en el hilo conductor de la obra y le sirve para traspasar los límites temporales y físicos.

Para este trabajo ha contado con colaboradores de excepción como la actriz Maggie Cheung. El artista plástico Yan Fudong o el calígrafo Gong Fagen y da salida a todas las obsesiones que le han acuciado durante la preparación del proyecto: la China actual con sus ciudades en perpetuo crecimiento o el peso de la cultura tradicional china, la tragedia humana y evolución espiritual.Pero sin duda el elemento fundamental de la obra es la propia narración que alterna la edición tradicional plano-contraplano con la que se establece al combinar las 9 pantallas en lo que recuerda las experiencias de Abel Gance y que, si bien Julien lleva investigando desde hace años, alcanza aquí su máximo desarrollo. Esta video instalación, co-producida por la Galería Helga de Alvear, se presentó en la pasada Bienal de Sydney y ha sido mostrada en el Bass Museum de Miami, en el Museum Brandhorst de Munich y en la Hayward Gallery de Londres.

Por cortesía de http://www.helgadealvear.com/

24 de junio de 2011

David Salle @ Maureen Paley






La galería londinense, Maureen Paley presenta los nuevos trabajos del norteamericano David Salle. Esta es su primera exposición en la galería y su primera exposición individual en Londres desde 2003. Salle, uno de los artistas mas influyentes en la década de los ochenta, ayudó a definir la sensibilidad post-moderna, combinando figuración con un lenguaje pictórico muy variado y personal. En esta ocasión traspasa su lenguaje mas allá de la pintura , para introducirnos en la imagen fotográfica muy próxima formalmente a su trabajo pictórico. Camino de doble dirección, pero de único sentido en su trayectoria, ya un clásico.

http://www.maureenpaley.com

22 de junio de 2011

Stephen Prina at Secession




La obra del artista, músico y compositor Stephen Prina se caracteriza por su apropiación de obras de otros artistas, que luego coloca en nuevos contextos. Este es también el enfoque adoptado en su nuevo proyecto, desarrollado especialmente para la Hauptraum en la Secession, cuatro nuevas obras de su serie de Exquisite Corpse: The Complete Paintings de Manet.
El punto de partida es un recuerdo de la década de 1980, compartido con el artista Christopher Williams, una unidad instalada por el arquitecto RM Schindler que se saca de su contexto original, pintado, y recontextualizan como un objeto independiente. Para llevar esta anécdota personal a la Hauptraum de la Secesión, Prina eligió dos casas ahora demolidas, construidas en la década de 1940 por RM Schindler en Los Ángeles.
De ahí resulta, 28 objetos que fueron utilizados como soportes para la pintura monocroma, Prina pinta de color rosa con "Honeysuckle PANTONE 2011" y monta, provisionalmente patrón cuadriculado, diseñado especialmente para la Secesión .
Si una pieza de mobiliario diseñado para un uso específico se saca de ese contexto y es trasladado a otro lugar, adquiere un nuevo valor original.
"Hemos visto esto como una atrocidad, como si se trataba de un miembro amputado de un cuerpo. Yo estaba describiendo el proeycto a un amigo mío, no hace mucho y me dijo, bueno, eso es como el miembro fantasma, ¿no es así, que uno puede encontrar en los escritos de Freud y de Merleau Ponty. Pero luego me di cuenta de que esto no es realmente así. Esto es como el cuerpo fantasma, ya que el miembro está ahí y es el cuerpo, el cuerpo que se ha ido. "(Stephen Prina).
Mediante la transferencia, que varían, y recontextualizar su material de origen en otros medios de comunicación de esta manera, Prina crea un sistema de muchos niveles de referencia en lo personal, la historia del arte, los medios de comunicación y narraciones se enriquecen mutuamente. Yendo más allá de la cita y referencia, esto le permite reflexionar también sobre el potencial del método artístico de referencia en general.
"Eso se convierte en una parte muy importante del proyecto: los principios de la traducción. No podíamos volver atrás y medir o inspeccionar las casas, así que tuvimos que empezar desde los planos originales de Schindler. En sus primeros trabajos los planos son muy detallados, continuó trabajando en los últimos años, y los planos se hicieron menos y menos detallados. No era tanto que él tenía una idea sobre un edificio y luego lo ejecutó, por lo que no se trataba de la pre-ejecución del proyecto, pero es la idea de que los planos arquitectónicos son una propuesta en una cierta dirección y en el proceso de construcción que se toman decisiones y revisiones. Por lo tanto, incluso en la forma en que acabo de describir, es que funcionan como una crítica de arte conceptual o algunos tipos de arte conceptual? Tal vez. "(Stephen Prina)

21 de junio de 2011

Richard Prince @ Gagosian Hong Kong





Primera exposición individual del artista americano Richard Prince (1949) en Asia, incluye temas recurrentes en su trabajo como la representación de la mujer en el imaginario masculino , dentro de la cultura americana, donde la ambigüedad y la provocación tienen una importancia vital. Interesante propuesta en uno de los mercados mas ávidos del planeta, Asia se perfila como nuevo caladero de coleccionistas, interesados en las grandes firmas occidentales.
http://www.gagosian.com/artists/richard-prince/

17 de junio de 2011

14 de junio de 2011

8 de junio de 2011

Le Centre Pompidou-Metz invite Daniel Buren


Le Centre Pompidou - Metz, celebra su primer aniversario con una exposición ( site-specific Installation) a cargo de Daniel Buren, sin duda uno de los artistas contemporáneos mas significativos de Francia.

7 de junio de 2011

Museo Balenciaga


El Museo Balenciaga, se ha inaugurado finalmente, con ocho años de retraso y después de los distintos escándalos y expolios que han minado su reputación.
Único en su género en España, dedicado a un único modista, como único era Cristobal Balenciaga, que junto a Gabrielle Chanel y Christian Dior, conforma la triada de modistos que revolucionaron la moda en el siglo XX, a los que mas tarde se les unirá Yves Saint Laurent, sucesor de Dior.
Tres grandes espacios, cuatro plantas, seis salas y una cuidada selección de 90 piezas componen la exposción, entre 1200 piezas en total, que conforman los fondos, que se mostrarán de forma rotatoria, bajo la tutela de la fundación, todas cedidas, donadas o depositadas de forma privada. El museo se distribuye entre el palacio Aldamar, edificio monumetal del siglo XIX y un edificio de nueva planta.