19 de abril de 2013

Sandra Gamarra en Juana de Aizpuru, Madrid

“Esta exposición de Sandra Gamarra (Lima, Perú, 1972) presenta un conjunto de obras que hacen un híbrido de pintura, escultura, video, textos e instalación especifica en torno al cubo blanco y su supuesta neutralidad. Gamarra utiliza la pintura como herramienta para extraer información a partir de la sedimentación del contenedor y sus contenidos, colocando al espectador como un intruso más que un visitante. La artista cuestiona la posibilidad del vacío y de la ausencia camuflándose en el blanco de la galería.

Las paredes y el suelo de la galería están reconstituidos en una puesta en escena de la escena. Entre los trampantojos, unas cortinas de pinceladas desvían la luz. A diferencia de las ventanas ciegas de los edificios esculpidos en las montañas de Petra, aquí las ventanas han sido suprimidas.
En el piso de mármol se puede jugar al ajedrez pero hay que calcular bien los movimientos ya que todas las losas son cebradas. De repente los pasos crepitan como la arena o como un periódico que se dobla y se tira a la basura.
Hay brechas alrededor del zócalo. La pared inclinada ya no cuadra. Si uno se acerca, puede ver una luz cegadora salir de la casa de la vecina. Ella aparece y desaparece entre salas blancas. Quiere colgar un monocromo pero no tiene clavos, una crucifixión menos. El cuadrado blanco esta suspendido por sus manos y sus curvas, que a veces se estiran como “Alba”, la escultura de Georg Kolbe que amanece en el Pabellón Alemán de Mies van der Rohe en Barcelona.
Sobre las paredes cuelgan colecciones de imágenes blancas, rescatadas del ruido del color, barridas por la luz del espacio, protegidas por un leve cristal, luchan por no disolverse en el blanco.
Una historia titulada “Un desierto2 acompaña las salas. Ximena Briceño la escribió para la exposición y se inspiró en el documental “Nostalgia de la luz” de Patricio Guzmán que se desarrolla en Atacama, el desierto más árido del mundo. Allí, hace décadas que personas encuentran pedazos de huesos de familiares, diseminados por la dictadura chilena entre la arena. No tan lejos, una armada de astrónomos de diferentes lugares viven cerca de sus telescopios. Cada día se transportan al vacío guiándose por los parpadeos estelares del pasado.
El espacio blanco se parece a un desierto. Es un lugar de paso y como el de Atacama, un lugar de encuentro. Su aislamiento del mundo exterior hace visible una ausencia. Trasladadas a otro lugar, estas pinturas podrían parecer incompletas, como huesos sin cuerpo. Pero lo cierto es que pertenecen a cualquier otro desierto”.
Fuente: Galería Juana de Aizpuru / texto : Antoine Henry-Jonquères / http://www.juanadeaizpuru.com/

17 de abril de 2013

Christian Lacroix @ Elsa Schiaparelli


Esta mañana, Diego Della Valle, presidente y CEO de Tod, anunció que Christian Lacroix será el que diseñará una "colección cápsula" homenaje a Schiaparelli, como parte del relanzamiento de la marca legendaria fundada por la diseñadora y artista surrealista Elsa Schiaparelli.  Aunque se rumorea que Marco Zanini, actual diseñador de Rochas podría entrar en el papel de director creativo.
Lacroix, que ha estado fuera de la atención en los últimos años después de que su empresa quebrara, mostrará las nuevas creaciones durante los "shows" de alta costura de París en el mes de julio. Schiaparelli nombrará a una nueva estrella de la moda o del arte de cada temporada. ¿Funcionará? Quién sabe, pero es algo nuevo.


16 de abril de 2013

Mitsuo Miura. Palacio de Cristal, Madrid





El trabajo de Mitsuo Miura (Iwate, 1946), residente en España desde 1966, 
se ha distinguido por el uso de formas cercanas a la geome­tría, de colores 
muy definidos según los temas tratados, utilizando diversos métodos, 
técnicas y disciplinas y acercándose a lenguajes propios de movimientos 
de la segunda mitad del siglo XX como el minimalismo. 
Su obra tiende a hacer dialogar los materiales expuestos con el espacio 
que los alberga, al tiempo que suscita referencias casi imperceptibles a 
elementos de la naturaleza, es­tilizados y reducidos a sus expresiones mínimas.
En Memorias imaginadas, su intervención en el Palacio de Cristal, profundiza 
en dos de las inquietudes estéticas que articulan su vocabulario artístico: 
las formas geométricas y los colores puros. Para esta sede del Museo Reina Sofía, 
su propuesta parte de lo pictórico y se extiende hacia lo espacial a través de 
círculos de colores distribuidos por el suelo y suspendidos en la cubierta del palacio. 
Además, Miura incluye en este trabajo franjas de color situadas de manera 
intermitente en el zócalo del interior del edificio. Su modo de hacer se construye 
así como una memoria en la que se reactiva un espacio de lo posible, un área 
imaginaria de existencia incierta que solo puede ser completada mentalmente. 
La propia utilización de colores desvaídos remite a la representación de situaciones difusas.
La transparencia que caracteriza el espacio expositivo y la posibilidad de que la 
luz exterior incida sobre el color, hace que su percepción se modifique 
levemente según el momento horario y las condiciones climáticas. 
Un juego visual que no se dirige hacia lo monumental y lo explícito sino hacia 
lo sugerido y lo íntimo.
La columna aparece como un elemento clave dentro de su búsqueda de 
lo esencial y la reducción de lo formal hacia sus expresiones mínimas. 
Sirve como nexo arquitectónico milenario que posee una génesis relacionada 
con el esquematismo arbóreo. Este relato se complementa con los árboles del 
propio Parque del Retiro, que sirve como telón de fondo natural del paisaje plástico, 
abstracto y estilizado que elabora el artista japonés. El contexto exterior se 
convierte en parte sustancial del sentido que adquiere el trabajo artístico que 
realiza para el Palacio de Cristal.
 Cortesía > http://www.museoreinasofia.es

7 de abril de 2013

SP Arte 2013

 
Finaliza la última edición de La feria de Sao Paulo, en un entorno economico ideal , en plena efervescencia local, revolución del mercado brasileño y nuevas galerías, donde el arte nacional se ha convertido en toda una marca,  la feria   ha perdido su frescura anterior que la caracterizaba .
Colonizada por las súper galerías europeas, se ha convertido en una feria "clon", imposible de distinguir de otras, artistas y galerías se repiten sin identidad diferenciadora, el mercado, sin duda está globalizado.
www.sp-arte.com 


5 de abril de 2013

Bowie en Victoria & Albert Museum , Londres


Siempre nos interesó la música, aunque nunca fuimos mitómanos, Sin embargo Bowie , merece un capitulo especial, es algo mas que "Rock", su carisma especial y su manera de mostrar sensibilidades, adelantandose a sus coetáneos, bien merece una exposición , así lo cree en el Museo Victoria & Albert de Londres (la ciudad que le vio crecer artísticamente) que le dedica una retrospectiva llena de detalles y fetiches de la amplia carrera del arista, que sin duda harán vibrar a sus miles de seguidores. 
http://www.vam.ac.uk/

2 de abril de 2013

Nick Cave en Grand Central Station NY

http://creativetime.org/projects/heard-ny/
A partir de su formación como artista visual y bailarín, Nick Cave trabaja en una amplia gama de medios, incluyendo la escultura, la instalación, la performance y el vídeo. Cave-Soundsuits muestra los  aspectos más destacados de la obra del artista, todos ellos  meticulosamente hechos a mano, con  objetos encontrados, restos reciclados y materiales desechados. Como fondo, siempre referencia a las vestimentas rituales de todo el mundo, en respuesta a la globalización de la identidad cultural. "Mi habilidad para hacer que los objetos canten se  encuentra dentro de las múltiples lecturas de cada obra", dice el artista.
El proyecto fue presentado por Creative Time y Artes para el Tránsito del MTA como parte de una serie de eventos para celebrar el centenario de la estación  Grand Central. Un rebaño de treinta coloridos caballos de tamaño natural que estallan en movimiento coreográfico "cruces" , dos veces al día, acompañado de música en vivo.