26 de diciembre de 2013

Perez Art Museum Miami

Pérez Art Museum de Miami existe para mejorar la calidad de vida de los residentes individuales y visitantes del Condado de Miami-Dade, así como la vida social en las comunidades que representan, facilitando compromisos catalíticos con las artes visuales más avanzados de nuestro tiempo.

www.pamm.org

19 de diciembre de 2013

20 de noviembre de 2013

15 de noviembre de 2013

Alexander McQueen & Damien Hirst Scarf Collaboration

Con motivo de la  celebración del 10 º aniversario del pañuelo "Skull" de Alexander McQueen , la casa de moda,presenta una exclusiva colaboración con Damien Hirst.
El pañuelo y su  icónica calavera ha sido un accesorio indispensables de la firma, presentandose por primera vez en la colección Irere  de 2003.
La serie ideada por Damien Hirst compone de 30 diseños únicos. Cada una de ellas, es una adaptación de la serie  Entomología, mariposas,  arañas y otros insectos, trabajados para crear formas geométricas caleidoscópicas, diseñadaen exclusiva para la firma McQueen. La colaboración desempeña perfectamente  la visión estética compartida de Hirst y McQueen, en la que un interés en el diseño simétrico se combina con fuertes referencias al mundo natural.


http://www.alexandermcqueen.com

13 de noviembre de 2013

Adrián Villar Rojas en Serpentine Gallery

www.serpentinegallery.org

Museo JUMEX, D.F,

http://www.museojumex.org
El Museo Jumex anunció que abrirá sus puertas el próximo 19 de noviembre.
El edificio del museo es el primero que David Chipperfield construye en Latinoamérica. Con 2500 metros cuadrados y cinco plantas, el edificio está diseñado especialmente para experimentar y conocer el arte actual. El museo se convertirá en el principal sitio de exposición de la Fundación Jumex Arte Contemporáneo, que cuenta con uno de los acervos más destacados de México.

La Fundación inaugura el nuevo museo con tres proyectos:
01. James Lee Byars-1/2 an Autobiography
James Lee Byars (Detroit 1932 – El Cairo 1997) es un artista conceptual, una figura paradigmática de su generación. La muestra revisa su trayectoria a través de esculturas, performance, filmes, documentación y ephemera producidos entre los años 50 y los 80. “Detrás de sus excéntricas vestimentas y disfraces, Byars abrió el camino a la posibilidad de un evento como una experiencia estética.”
02. Cosmogonía doméstica de Damian Ortega
Esta obra, comisionada por la Fundación para el patio del museo, es la primera de un programa de comisiones y adquisiciones destinadas a ese espacio. El movimiento perpetuo y la coreografía siempre cambiante de la pieza motivan asociaciones entre ella y el público para reconsiderar a cada momento el espacio que nos rodea.
03. Libro Las ideas de Gamboa
A partir de su investigación en el Archivo Fernando Gamboa, Mauricio Marcín reunió en este proyecto editorial casos específicos en los que Gamboa ejecutó maniobras curatoriales para poner en pie exposiciones, eventos y procesos para enriquecer los acervos de los museos en México. Su actividad contribuyó a profesionalizar la actividad museográfica en el país. La publicación incluye textos de Alfonso Reyes, Michel Onfray y Carlos Molina.

31 de octubre de 2013

Alexandre Arrechea en Galería Casado Santapau · Madrid.

 
La Galeria Casado Santapau, tiene el placer de inaugurar la quinta exposición individual de Alexandre Arrechea (Cuba 1971) en la galería.
Una vez mas Arrechea reexamina su trabajo con un nuevo punto de inflexión de vital importancia para su trabajo, en esta ocasión, además de sus formidables y reconocidas acuarelas de gran tamaño, mostrará  en la galería dos nuevas esculturas de madera y laca de pizarra, donde la escala y la proporción vuelve a ser clave en su trabajo (recordemos que empieza en los años noventa como fundador del colectivo artístico cubano "Los Carpinteros"). Ademas de su conocidas acuarelas de gran formato, donde muestra el   dibujo como obra final, no como boceto, plano o esbozo. Tres acuarelas, de factura fresca , donde demuestra su calidad técnica y artística.
El evento que nos permitió darnos cuenta de que era posible "hablar otro idioma" y, pese a ello, seguir creando un arte con sentido fue el primer readymade puro de Marcel Duchamp, recogiendo esta máxima, Arrechea, ensambla objetos cotidianos, todos ellos pertenecientes a su propia iconografía, y los lleva a un nuevo plano plástico y conceptual. Con tan solo una gama ilimitada de grises, consigue una aproximación casi fotográfica del objeto, tocado con tientes pop, ensamblaje, humor y surrealismo, propio de su lenguaje, donde los objetos toman nueva vida para convertirse en conceptos, que nos retrotraen a diferentes etapas personales del artista.
Las obras de Arrechea componen colecciones de mas de cincuenta museos y fundaciones de primera línea, destacamos MoMA NYMAM Miami, LACMA Los Angeles, MoCA Los Angeles, Brooklyn Museum NY, Daros Collection Zurich, Cisneros-Fontanals Miami, San Diego Art Museum, Thyssen-Bornemisza Contemporary, Vienna, o  Margulies Fundación Caja Burgos, Margullies Foundation, Miami, Museo Reina Sofía, Colección ARCO, Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana, entre otros.
www.casadosantapau.com 

Ryoji Ikeda en Espacio Telefonica·Madrid

Nacido en 1966, el japonés Ryoji Ikeda comenzó trabajando en el mundo de la música, campo que pronto abordaría desde el ordenador y desde el que daría el salto a la creación visual y al uso multidisciplinar de técnicas artísticas muy variadas, como la performance y la instalación. De formación autodidacta, ha conseguido con su técnica y su estética extremadamente precisas, abrir el camino hacia un nuevo mundo minimalista de música electrónica.
La composición sonora está en el centro de todo su trabajo, entre el que se incluye la producción de varios álbumes musicales, la realización de conciertos audiovisuales y la creación de instalaciones multimedia como la que se presenta en el Espacio Fundación Telefónica.
Test Pattern. Foto de Liz Hingley
Test Pattern. Foto de Liz Hingley
Inspirado en el mundo de las matemáticas, las instalaciones deIkeda, pensadas siempre en función del lugar específico para el que han sido diseñadas, combinan proyecciones audiovisuales y entornos arquitectónicos o escultóricos por los que el espectador puede transitar. Sus obras siempre tienen esa cualidad inmersiva. En ellas todos los elementos – el espacio, la luz, el sonido – se plantean como un desafío al espectador con el fin de despertar sus sentidos a través de una intensa experiencia sensorial. Con su uso de la luz y los contenidos audiovisuales, y la formulación de esa estética matemática, las obras de Ikeda buscan explorar las posibilidades sensoriales del espectador y, especialmente, la percepción que éste tiene del espacio y el tiempo que ocupa.
Para el Espacio Fundación Telefónica el artista japonés ha desarrollado data.path, una instalación que consiste en un túnel de casi 20 metros de largo cuyos muros están formados por dos enormes pantallas de vídeo. Mientras avanza por este espacio, el espectador es bombardeado por una secuencia vertiginosa de imágenes que se proyectan sincronizadas con una pieza sonora del artista. data.path es una reinterpretación dedatamatics (2006-), su aclamado concierto audiovisual, donde Ikeda indagaba sobre el potencial humano para percibir la substancia infinita e invisible de información que impregna nuestro mundo en forma de datos de todo tipo. Utilizando estos datos – códigos informáticos, coordenadas astronómicas, estructuras moleculares, visiones espaciales en 3D – como único recurso, Ikeda logra una sobrecogedora sucesión de imágenes y sonidos generados por ordenador que desafían nuestros sentidos y capacidades para percibir y procesar todo lo que ocurre a nuestro alrededor.
Ikeda ha actuado y expuesto en lugares de todo el mundo, pero nunca antes lo ha hecho en Madrid de forma individual.  En la actualidad, vive y trabaja en París. El 28 de septiembre se abrió al público su muestra en el Espacio Fundación Telefónica.
http://espacio.fundaciontelefonica.com

24 de octubre de 2013

Damien Hirst & Prada en Doha

El artista británico Damien Hirst ha colaborado con la diseñadora de modas Miuccia Prada para crear un bar de zumos pop-up en Qatar. Situado en el lado norte de Doha, el Oasis Prada y  Juice Bar de Damien Hirst es una reinterpretación del proyecto original  Restaurante Farmacia, que se inauguró en Londres, en 1988.

La revisitación y su asociación  con la casa PRADA era una forma de promover la retrospectiva de Hirst "reliquias" que se muestra en el Museo de Arte Islámico de Doha.

Para el evento, Prada también diseñó una edición limitada "Entomología"  de bolsos de plexiglás que están adornados con escarabajos enjoyados. Las ganancias de las ventas,  fueron donados a una organización dedicada a mejorar la educación de los niños en Asia y el Medio Oriente.

19 de octubre de 2013

Miguel Fisac y Alejandro de la Sota, Museo ICO, Madrid


Con motivo del centenario del nacimiento de Miguel Fisac y Alejandro de la Sota, el Museo ICO está organizando una exposición conjunta de dos de los arquitectos españoles más importantes de la segunda mitad del siglo XX.
Fueron dos grandes maestros, reinventaron la arquitectura moderna española y sus importantes edificios han servido de referencia a varias generaciones de arquitectos del país. Empezaron su trabajo reivindicando el lenguaje del Movimiento Moderno frente a la arquitectura historicista del régimen, y acabaron sus vidas con exploraciones muy personales.

Nacidos ambos en 1913, Miguel Fisac y Alejandro de la Sota fueron coetáneos y empezaron sus estudios de arquitectura a mediados de la década de 1930. Manchego uno y gallego el otro, los dos establecieron su despacho en Madrid en la década de 1940, en un momento en el que el Régimen de Franco desechó el Movimiento Moderno que había prendido en Europa para imponer un clasicismo de corte imperial y una vuelta al localismo y el regionalismo en la arquitectura española del que cada uno escapó a su manera.
A través de más de 500 documentos (dibujos, maquetas, fotografías, muebles y objetos), la exposición hace un extenso recorrido por la vida y la obra de ambos maestros de la arquitectura moderna española.
                                 
http://www.fundacionico.es

18 de octubre de 2013

Ximena Garrido-Lecca en Casado Santapau



La galería Casado Santapau presenta la primera exposición en España de la artista peruana , residente en Londres, Ximena Garrido-Lecca.
Los suelos reúne elementos escultóricos y un video en dos canales que en conjunto exploran procesos transformativos del paisaje rural, así como ciclos de cambios en la cultura vernacular, surgidos a raíz de la modernización.
Evocando obras minimalistas, particularmente las esculturas metálicas de suelo de Carl André, el trabajo La trama es un tejido que representa una estera, tradicionalmente fabricada de esparto o junco, hecha con tiras delgadas de cobre. Alejándose de las características del minimalismo, como la precisión de los acabados y el énfasis en la singularidad de cada elemento, en este trabajo se presenta el material como parte de un sistema entrelazado. En el tejido se ve reflejada la calidez que caracteriza el trabajo artesanal, y proyecta una historia y un contexto social. La utilización del cobre como materia prima para la ejecución de labores tradicionales sugiere una re-apropiación de recursos naturales adquiriendo dimensión simbólica. Como si fuera un metal con memoria de forma [que regresa a su forma original al ser expuesto a cierta temperatura] se sugiere el retorno del cobre a ser material de una manifestación cultural, a través de la orfebrería y artesanía de diversas épocas.
En el video ‘Yacimientos’, la asociación de imágenes habla del abandono del espacio rural y sus actividades. Los vestigios de cultura tradicional se van extinguiendo mientras un inmenso tajo abierto, en medio de una ciudad minera, va consumiendo cada vez más espacio habitable. Asemejándose visualmente a algunas ruinas elípticas de templos astronómicos escalonados o a andenes utilizados para la agricultura, estas involuntarias intervenciones escultóricas de la tierra van borrando a su paso la historia, trayendo una nueva era, caracterizada por la creciente demanda del cobre a causa de su gran conductibilidad para usos tecnológicos. La arquitectura híbrida de la ciudad (edificios con vidrios reflectantes de colores al lado de muros de adobe derruidos) muestra la disyuntiva entre las necesidades de un crecimiento acelerado por medio de la explotación de recursos, que genera problemas ambientales, y la necesidad de una memoria histórica.
www.casadosantapau.com

Sarah Lucas at Whitechapel Gallery

www.whitechapelgallery.org

17 de octubre de 2013

Frieze art fair London 2013



www.friezelondon.com
www.friezemasters.com

8 de octubre de 2013

Lady Gaga by Jeff Koons #ArtPop

Nueva simbiosis artística entre Lady Gaga y el arte contemporáneo mas relevante, tras su colaboración con Marina Abramovic, Robert Wilson e  Inez & Vinoodh, ahora le toca el turno a Jeff Koons, realizador de su portada para su nuevo albúm, ArtPop, nombre muy ad hocque incluye una escultura suya desnuda sobre un fondo collage de 'El Nacimiento de Venus' de Botticelli y unas enormes letras rosas con su nombre. Tal como su nombre lo indica, 'ARTPOP' promete ser un disco lleno de referencias al arte contemporáneo.
"One second I'm a Koons, then suddenly the Koons is me", que forma parte de la letra de su primer sencillo 'Applause' , Gaga dixit
http://www.ladygaga.com
www.jeffkoons.com

5 de octubre de 2013

Alicia Framis en Juana de Aizpuru

La galería Juana de Aizpuru comienza la temporada con la muestra de la artista Alicia Framis "Habitaciones prohibidas". La exposición presenta algunos de los últimos proyectos de la artista. "The Room to Forget" una habitación cúbica transparente llena de "Metyrapone" en polvo. Un producto químico que tiene el efecto de curar las víctimas de guerra, erradicando de la memoria todos los momentos traumáticos, no es un lugar para recordar, sino para olvidar, donde nos preguntamos, que papel tiene el dolor y la memoria.  "Screaming Room" nos muestra una caja enorme de transporte de arte de la que cuelga un micrófono, invitando al espectador a gritar. Así la acción de tomar la palabra se convierte en la propia obra de arte. A través de un programa informático,y de la mano de una impresora 3D, el grito recogido, transformará cada sonido en una taza de té única y distinta del resto. Completa la muestra,  5 inteligentes dibujos, "Departures",  realizados a lápiz donde el tema central son paneles de aeropuertos, en que los destinos de los aviones responden a ciudades del imaginario de la artista. 
http://www.juanadeaizpuru.com


27 de septiembre de 2013

Biennale de Lyon 2013


www.labiennaledelyon.com

ABC Art Berlin Contemporary 2013


www.artberlincontemporary.com/

20 de septiembre de 2013

Roman Ondák en Museo Reina Sofía



La trayectoria de Roman Ondák emerge en el contexto creativo del este europeo y supone una apertura hacia nuevas posibilidades en el marco de un programa conceptual que protagonizan artistas como Július Koller o Jiří Kovanda.
Los trabajos de Ondák se caracterizan por el cuestionamiento de la obra de arte en relación con las convenciones generadas por el lugar y el espacio en el cual se presentan. Ondák lleva al espectador hacia situaciones que genera, a veces casi imperceptibles, que lo desplazan desde sus expectativas previas hacia preguntas como qué hay de real en la obra de arte, cuáles son sus circunstancias o cuál es la función del propio espectador. De este modo, la interacción con sus propuestas activa la reflexión crítica sobre la ontología artística.
Sus obras se han mostrado en algunos de los museos, centros artísticos y eventos de mayor prestigio internacional, como la Documenta de Kassel del 2012 o en la Bienal de Venecia del año 2009, donde participó en representación de su país natal. Tal y como sucede en la mayoría de sus creaciones, Ondák imagina para el Palacio de Cristal un proyecto específico que en este caso tiene el nombre de Escena. Título que hace referencia al juego espacial que el artista lleva a cabo añadiendo a la arquitectura actual del Palacio una pasarela elevada que lo circunda y a la cual se accede desde el interior del edificio.
Sus intervenciones requieren un espectador que sea parte activa de las obras y que queda convertido tanto en objeto artístico como en protagonista del acto performativo. En este trabajo generado específicamente para el Palacio, Ondák busca un desvío de lo real que parta del espectador y lo sitúe en una percepción distinta. Gracias a esta intervención, el Palacio se puede ver ahora de fuera hacia dentro, de un modo inédito que no permitía su constitución previa. Además, Ondák utiliza materiales que replican los existentes en un ejercicio de camuflaje que integra la nueva construcción como si siempre hubiera estado ahí. El visitante se configura como agente activo de la propuesta, en la doble faceta del que mira pero también del que puede ser mirado, transformado en objeto artístico y en protagonista del acto performativo.
Cortesía >> http://www.museoreinasofia.es

18 de septiembre de 2013

JONATHAN MONK en CAC Málaga

“Siempre he pensado que el arte gira en torno a las ideas, y seguramente la idea de un original y una copia de un original son dos cosas muy diferentes”, explica Jonathan Monk (Leicester, Reino Unido, 1969). En COLOURS, SHAPES, WORDS (pink, blue, square, circle, etc.) [COLORES, FORMAS, PALABRAS (rosa, azul, cuadrado, círculo, etc.)], El artista británico explora y experimenta con el concepto de apropiación y reinterpretación de obras de iconos artísticos de los años 60 y 70, aunque les imprime una huella basada en su propia experiencia vital. La exposición está compuesta por una treintena de obras en las que se puede hacer un recorrido multidisciplinar por los últimos años de trabajo del artista.“En los textos, palabras y formas que ha materializado en su trabajo, el artista propone cuestiones y planteamientos que se quedan flotando como pensamientos dispersos en el espacio expositivo (Do Not Pay More Than $80.000, 2009) o bien encierran una historia o recuerdo infantil en una obra compuesta por una fotografía y una palabra en neón (A Short Story Translated by My Mother & Milk (Barbecue), 2008). De nuevo, esos recuerdos íntimos de la niñez regresan al presente mostrándose en una sala a la vista de todos. El carrusel de emociones no se detiene para el espectador que contempla la obra de Monk, porque a buen seguro que el visitante rescatará sus propias experiencias y las compartirá con el artista sin el menor pudor. Esa capacidad de dejarse llevar y sucumbir ante esta provocación es la parte más lúdica y divertida del arte, y en esta exposición queda completamente al desnudo. El espectador tiene que estar preparado para subirse a la atracción de su propia vida”.Jonathan Monk hace un análisis exhaustivo de cada aspecto del proceso creativo. Esta faceta tiene la misma importancia que el resultado final; desde que el artista concibe la idea hasta que envía la tarjeta de invitación para una inauguración, en el transcurso de ese tiempo tiene lugar una serie de situaciones y acontecimientos que el artista retrata. Monk descompone estos momentos y los estudia minuciosamente, además de recrearlos, como en las acuarelas Trying to imagine the color of my brain whilst painting’ trying to imagine the color of my brain, 2000. Otro elemento característico de su trabajo es la presencia del lenguaje visual y la ironía, que emplea como recurso de forma muy directa. En cada pieza trata de resumir con las palabras que le dan nombre lo que quiere expresar, dejando a la imaginación del espectador la interpretación final (Levitanting Reclining Nude, 2009).Las reminiscencias a obras de otros artistas, principalmente iconos de las corrientes conceptuales de los años 60 y 70, son el tema principal de otros trabajos que se podrán ver expuestas en el CAC Málaga. A menudo, recurre a piezas de artistas como Sol LeWitt, Ed Ruscha, Duchamp, Jeff Koons o Lawrence Weiner, que firma la portada del catálogo de esta exposición. Las referencias pueden producirse si se emplea la obra original, como en Deflated Sculpture, nº I, 2009, basada en la escultura Rabbit de Jeff Koons; o bien haciendo un juego simbólico que alude directamente a estos artistas, como en la  instalación de neón The Two O’s Koons Used as Eyes, 3D version 2010.Otra fuente de inspiración la encuentra en sus recuerdos y vivencias personales. Durante su infancia le marcó el hecho de que sus padres no tenían televisor ni vehículo. Como consecuencia, por aquel entonces, los libros se convirtieron en su principal entretenimiento, que con el paso de los años comenzó a guardarlos y ahora atesora una importante colección. Además, también le despertó la curiosidad e imaginación a una edad temprana. En otras piezas, son los objetos domésticos que encuentra en su entorno los que llaman la atención del artista y pasan a ser una obra de arte como en Using my daughters coulored pencils pencils to find the color of my mother lips, 2005.Otro rasgo que define el trabajo de Jonathan Monk es que colabora a menudo con otros artistas. La portada del catálogo de esta exposición ha sido diseñada por Lawrence Weiner, aunque con anterioridad destaca su trabajo con David Shrigley o Douglas Gordon.
cortesía > http://cacmalaga.org



15 de septiembre de 2013

29 de julio de 2013

When Attitudes Become Form: Bern 1969/Venice 2013 Fondazione Prada Venecia



El Proyecto "When Attitudes Become Form", ideada en Berna en 1969, por Harald Szeemann, ha sido reconstruido en la Fundación Prada de Venecia, en su sede del Palazzo Ca' Corner della Regina, un proyecto radical para su momento, centrado en el concepto del medio lingüístico. 
Comisariada por Germano Celant, quien ha cambiado la estructura de la fundación, reconstruyendo las salas de la Kunsthalle de Berna a escala 1:1.

17 de julio de 2013

NOVA Shoe by ZAHA HADID for UNITED NUDE

Ingeniería y diseño en un exterior de vinilo metálico cromado rayado con suela de caucho y fibra de vidrio. En el interior, el modelo  forrado de piel italiana de alta calidad. Nova Shoe, el espectacular modelo de edición limitada creado por Zaha Hadid en colaboración con Rem D. Koolhaas.
http://www.unitednude.com/
http://www.zaha-hadid.com/

16 de julio de 2013

11 de julio de 2013

5 de julio de 2013

SUBODH GUPTA en CAC Málaga

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta la primera exposición individual en España de Subodh Gupta The imaginary order of the thingsLa exposición, comisariada por Fernando Francés, incluye tres piezas inéditas que han viajado desde la India para esta exposición. Sus esculturas, instalaciones, vídeos y pinturas se caracterizan por mostrar elementos cotidianos, empleados en el día a día de una familia, en un contexto y con uso diferentes, lejos de los estereotipos convencionales de la India. Su obra representa la unión entre el mundo urbano y el rural, el mundo espiritual y el material, al evocar, por un lado, la idea de la emigración de las familias hacia las áreas de mayor desarrollo, y por otro lado, la tradición y los rituales relgiosos. Emplea una gran variedad de elementos y materiales en su trabajo y destaca el enorme tamaño de sus obras. Subodh Gupta vive y trabaja en Nueva Delhi desde 1990. En total se expondrán 19 piezas. Esta exposición se suma a los actos programados con motivo del décimo aniversario del CAC Málaga (2003-2013).
De alguna manera, mi trabajo está un poco teatralizado. Se puede ver que hay un casting detrás, y todo lo que se emplea es bastante teatral”, explica sobre su propio proceso creativo el artista indio Subodh Gupta (Khagaul, Bihar, la India, 1964). Estas referencias al teatro y al mundo de la interpretación no son por casualidad. El artista fue actor durante una época y con este símil compara entre los pasos que se dan para realizar una obra de teatro y para crear una pieza de arte. De hecho, emplea un gran número de materiales diferentes y medios que también evidencian la clasificación de clases sociales de su país: utensilios brillantes y modernos, que se usan en las familias acomodadas de las zonas desarrolladas, en contraste con los objetos simples y tradicionales que se emplean en las áreas rurales. Su obra persigue reflejar fielmente la realidad que le rodea, ser un puente entre la cultura de su país y el resto del mundo.
 Sin renunciar a lo material, muy al contrario, basándose en él hasta los límites de la exageración y la monumentalidad (Bombaysers de Lille, un homenaje a la memoria del tsunami de 2004), del barroquismo, consigue que la emoción, un sentimiento tan íntimo como escaso, entremezcla y derrumba todos los límites y los muros del pensamiento y la razón. Él es una especie de Robin Hood moderno que se apropia del drama indio, lo recodifica, lo dota de una carga emocional y lo devuelve como un regalo para los ojos y el pensamiento. Nada escapa a la casualidad en su obra. El mismo proceso de pensamiento es un rito, una ceremonia en la que, como un alquimista avezado, recupera todos los recuerdos de la infancia y la juventud, los símbolos, las cazuelas como si fueran objetos de deseo o de culto o, ambas cosas a la vez, las pátinas con mensaje, los bronces y los oros de lo sagrado, el metal aceroso del progreso industrial y todos para que el resultado sea una suerte equilibrada de antigüedad y vanguardia, de caos y orden, de equilibrio y turbación, de emoción y suspense. Sólo la habilidad de un poeta puede armonizar todos esos elementos en una obra de arte con la seguridad de que no hay mentira alguna en su discurso. La capacidad de convencer que posee la obra de Gupta es solo posible gracias al compromiso vital que el artista tiene con su obra (…)”.
Esta visión se ve reforzada por el cambio social sufrido en las últimas décadas en la India y que ha empujado a la emigración hacia áreas urbanas de las familias procedentes de las zonas agrarias. En The imaginary order of the things se representa esta forma de vida nómada y el artista emplea para ello elementos y utensilios que carga de simbolismo, como es el hecho de las barcas que transportan los enseres de las familias en las migraciones, y en las que hay hueco para albergar toda una vida (All in the same boat, 2012-2013). Estas familias errantes portan todas sus cacerolas, vasijas, cuencos, platos y toda clase de objeto, utensilios que lejos del entorno doméstico reflejan la vida diaria de miles de familias indias y tienen un marcado carácter cultural, en cuanto a los materiales que emplea y el modo en el que se usan (Ancestor Cupboard, 2012; Family Nest Nº 3, 2012 o The imaginary order of the things, 2012-2013).
Otra idea relacionada con el empleo de estos enseres es el significado que tiene dentro de una sociedad religiosa. La comida, la forma de cocinar, los eventos relacionados con los rituales hinduistas, hasta los horarios y toda clase de liturgia que acompaña al acto de sentarse en una mesa están implícitos en su trabajo. Subodh Gupta representa los objetos vacíos, porque aclara que la importancia de los utensilios de cocina “no es solo social, es también religiosa e ideológica”.
Cortesía :  http://cacmalaga.org