26 de febrero de 2013

Franklin D. Roosevelt four Freedoms Park por Louis Kahn

La reciente inauguración del Parque Memorial dedicado al ex presidente Franklin D. Roosevelt (FDR) en Nueva York cierra un círculo particular en la vida y la obra de Louis Kahn. La obra se completó casi 40 años después de que se diseñara el parque (Kahn falleció el 17 de marzo de 1974 y realizó los planos en 1973), y los bocetos fueron hallados en su portafolio al momento de su muerte, ocurrida en la estación Penn Station de Nueva York (su cuerpo luego pasó dos días en la morgue sin que nadie lo reconociera hasta que su esposa hizo la denuncia a la policía). El espacio de piedra y granito, enmarcado por hileras de árboles, completa así la distinguida obra de Kahn, una de las más emblemáticas de la arquitectura contemporánea.
El proyecto naufragó en su momento pero fue reimpulsado por la Fundación Roosevelt en 2005. El parque se desarrolla mediante un recorrido que comienza con una escalera que lleva al visitante hasta la parte más alta del sitio. Desde allí se ve el skyline de Manhattan, que se alza como telón de fondo de los árboles que contienen el espacio. El trayecto desemboca en un bloque que contiene un busto de bronce de Roosevelt. Frases de FDR pueden leerse en los volúmenes articulan las instancias del camino y conforman los marcos a través de los cuales se observa el río y el cielo circundante.
El Franklin D. Roosevelt Four Freedoms Park pone en juego una suerte de "silencio espacial" a través de una materialidad conciente, la concreción de una serenidad material que fue una de las marcas de fábrica de la obra de Kahn. Esta sensación, junto con un uso austero de los recursos materiales, parecieran emparentar a este parque con el Insituto Salk, un edificio construido en 1965 que es considerado uno de los puntos más altos de su carrera.


25 de febrero de 2013

El Anatsui @ Brooklyn Museum

http://www.brooklynmuseum.org/exhibitions/el_anatsui/

20 de febrero de 2013

Alexandre Arrechea @ The Fund for Park Av. NY



El artista cubano, residente en Madrid, Alexandre Arrechea, (1970) fundador del colectivo "Los Carpinteros",  presenta su primera instalación pública en Estados Unidos, dentro del programa The Fund For Park Av.  
Diez esculturas de acero inoxidable, de tamaño colosal, con mas de  cinco  metros de altura, que recorrerán la mediana de  la renombrada Park Av, entre las calles 53 y 67 desde el 1 de marzo de 2013,  las esculturas están directamente interrelacionadas con la  emblemática arquitectura neoyorquina y su propio entorno. 
La serie "No limit" de  10 esculturas de 10 edificios famosos de Nueva York, está compuesta por el edificio Chrysler, Citicorp Center, Empire State,   Flatiron,  Helmsley, MetLife, Seagram , Sherry Netherland, y  el Palacio de justicia EE.UU. 
La propuesta del artista tiene  como concepto la arquitectura elástica,  donde ajusta sus características reconocibles  de construcción con  formas que parecen flotar, rodar por el viento o  caminar por  la Avenida.  El trabajo hace reflexionar sobre la idea de desestabilizar los conceptos tradicionales que se tienen sobre los iconos y su función en la sociedad. En cada uno de estos trabajos, Arrechea remodela el concepto de verticalidad y monumentalidad en una nueva realidad: la arquitectura elástica.
"The Park Avenue proyecto presenta una forma de matrimonio entre puntos de referencia de Nueva York y los elementos arquitectónicos de diferentes orígenes. Estos elementos, creo yo, simbolizan facetas paralelas de la condición humana".
 *Se publicará un libro con todo el trabajo de Arrechea con motivo de la exposición, con textos de Holly Block, Directora del Bronx museum of Art,  que se solapará con una exposición de acuarelas en la sede de Phillips de Pury tiene en el 450 de Park Avenue
** Muy pronto podremos ver sus trabajos en la galería Casado Santapau de Madrid . www.casadosantapau.com





15 de febrero de 2013

10 de febrero de 2013

Richard Artschwager in memorian

Artschwager
1923-2013
R.I.P
Muere Richard Artschwager, tras mas de cinco décadas trabajando en arte contemporáneo.

9 de febrero de 2013

Cranford Collection @ Fundación Santander

 
Un año mas, La Fundación Banco de Santander, coicidiendo con el inicio de la feria ARCO_madrid, inaugura una de sus fabulosas exposiciones, en esta ocasión, prodecente de Londres, una colección privada de arte contemporáneo muy coherente, fabulosa  y de altísima calidad.
La Colección Cranford ha sido una fuerza viva y audaz en la escena del arte londinense de la última década. Out of the House es la primera ocasión en la que se presenta la colección fuera del ámbito privado en el que habitualmente se encuentra expuesta. La muestra está centrada en el arte británico y alemán desde mediados de los años ochenta hasta nuestros días, presentando a cada artista en profundidad. Los británicos Damien Hirst, Bridget Riley, Sarah Lucas, Rachel Whiteread o Rebecca Warren y los alemanes Sigmar Polke, Franz West, Albert Oehlen, Martin Kippenberger o Rosemarie Trockel son algunos de los creadores que serán confrontados en un dinámico montaje, que pretende resaltar cómo estos artistas han revitalizado y reinventado los medios tradicionales de la pintura y la escultura.
http://www.fundacionbancosantander.com/
http://cranfordarts.org/

6 de febrero de 2013

Cristina Iglesias en el Museo Reina Sofía



Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) inició sus estudios de arte en Barcelona explorando el campo del dibujo y la cerámica, formación que completó en la School of Arts de Londres a principios de los años ochenta. Es durante esta década cuando su carrera emergió dentro de la institución artística favorecida por la presencia en eventos como la Bienal de Venecia, en la que es seleccionada para representar a España en los años 1986 y 1993. Posteriormente, la exposición individual que le organizó el Guggenheim Museum de Nueva York en 1997 supuso su definitiva consagración en el ámbito internacional. A esta le seguirán otras muestras en significativos espacios artísticos y una atención hacia sus trabajos por parte de las colecciones de algunos de los principales museos del mundo.
La exposición organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, anteriormente, tuvo otra exposición en la misma institución, pero en la sede del "Palacio de Velázquez" , en el parque del Retiro, conformada por más de cincuenta piezas, supone la mayor retrospectiva que se ha realizado hasta la fecha de esta artista, desde sus inicios hasta la actualidad. A lo largo de estas tres décadas, Cristina Iglesias ha mostrado un decidido interés por redefinir lo escultórico como un campo expandido que sirve para cuestionar lo objetual en sus relaciones con lo espacial y lo arquitectónico. Sus esculturas se integran con la arquitectura del lugar en el que se ubican, estableciendo un juego en el que la realidad y la apariencia se entrelazan. Creaciones que generan de este modo sugerentes mundos ficticios y abandonan sus fines utilitarios para convertirse en escenografías que propician una observación reflexiva. Intersecciones entre lo natural y lo cultural, sombras, cascadas, remolinos y follajes, en las que la idea de refugio resulta la metáfora más recurrente.
La trayectoria de esta artista se caracteriza por una incesante inquietud en el estudio de una gran diversidad de materiales (alabastro, tapiz, cristal, resina, aluminio, bronce, hierro, cemento, madera, hormigón…) e incluso el agua aparece como un elemento escultórico más, protagonista de algunos de sus proyectos públicos que son recogidos en la serie de vídeos que se exhibe bajo el título de Guided Tours. La propuesta expositiva se completa con una panorámica de sus serigrafías en cobre y tela.
http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/actuales/cristina-iglesias.html

4 de febrero de 2013

Rinus van de Velde en CAC Málaga






“Debo hacer acrobacias para este trabajo. Hago cualquier cosa con lo que me encuentro, tengo que combinar todo lo que existe conmigo. (…)”, cita textualmente Rinus Van de Velde (Bélgica, 1983). El CAC Málaga presenta por primera vez en España la obra del joven artista flamenco con una selección de dibujos inéditos. La pintura se complementa con textos a modo de títulos que en esta ocasión cuestionan la propia capacidad creativa, o las etapas por las que pasa la producción artística. Las creencias y pensamientos de Rinus Van de Velde se desnudan, como si se tratara de un diario personal en el que detalla los pasos que va dando hasta crear una pieza de arte, o bien expresan deseos y anhelos que tienen que ver con el trabajo artístico.
 “El reflejo de uno mismo ante un espejo es revelador de lo que percibimos externamente de nuestro aspecto. Pero también puede llegar a traspasar y penetrar en la mirada, sacando sentimientos, miedos, fobias del interior y convertirse en un retrato de emociones en vez de rasgos físicos. Rinus Van de Velde es protagonista de todas sus obras. Sus autorretratos son precisamente un ejercicio de introspección en torno a un tema recurrente: la creación artística, pero también el anti-ego. A veces se muestra en imágenes desenfadas (Self-portrait as a tennis hero…, 2012), disgustado ante su propio trabajo (The angry sculptor: a self-portrait in which…, 2012) o en espacios reservados para la intimidad (Self-portrait of a man who has no time to waste…, 2012). Cualquier lugar es idóneo para convertir la inspiración en algo más que pensamientos. Pero también durante años él ha pintado partiendo de imágenes raptadas de revistas, libros de viajes, etc. que representan su cara oscura, su opuesto, las antípodas de su imagen y de su personalidad. Representando, como si fueran fotografías antiguas, esas imágenes, él trasmite una idea que en verdad es la opuesta a quién es realmente. Y en ese juego la intención virtual, la del engaño, funciona en toda su extensión, logrando que el señuelo pueda despistar al espectador y llevarle al escenario deseado por el artista o, metafóricamente, por el pescador ”.
En la exposición que presenta el CAC Málaga se podrán ver dibujos en blanco y negro inéditos realizados con carboncillo sobre lienzo, que a su vez están basados en fotografías captadas con anterioridad. En los lienzos, el artista flamenco recurre a imágenes existentes, como puede ser un fotograma, o bien a escenas ficticias convertidas en fotografías hechas por él mismo, que le sirve de fuente de material para realizar sus dibujos en los que el artista es el protagonista, junto a elementos variados, como plantas, animales disecados, un televisor o zapatos.
Los dibujos están acompañados por historias que para esta exposición se presentan como el título de la obra, pero que en otras ocasiones está escritas en la pared o directamente en el dibujo. Estos títulos contextualiza y enlaza directamente con la imagen. Juntos, texto y dibujo, hablan de una autobiografía ficticia y de creencias personales. Continuamente se mueve entre la realidad y la ficción en un intento por crear confusión en torno a lo que interpreta el espectador cuando ve su obra: por un lado, se puede deducir que se trata de la vida del propio artista, o bien está haciendo algo previsible, como dibujar plantas o animales. Sin embargo, a menudo la explicación que da en los textos no tiene nada que ver con la interpretación del espectador. El artista belga basa su trabajo en el juego entre imagen ficticia y realidad.
Al entrar en el espacio central del CAC Málaga, los pensamientos de Rinus Van de Velde quedan al descubierto. Cuestionar los principios del arte contemporáneo, qué se considera un trabajo artístico y dónde encontrar la inspiración son temas presentes en su trabajo. En ocasiones representado de una forma cotidiana, en acciones como viendo un partido de tenis, y otras trabajando en su estudio. Visualmente, el uso del carboncillo y el texto tiene ciertas reminiscencias al cómic. Los aspectos vitales son la razón de ser de sus dibujos y el hecho de aparecer en todos y cada una de sus pinturas se puede interpretar como una forma de enfrentarse a su propia capacidad y talento artístico, planteándose si lo que hace realmente tiene o no la talla de pieza de arte.
En trabajos anteriores ha recurrido a imágenes captadas en revistas como National Geographic, biografías de artistas y científicos o catálogos de arte. También ha reinterpretado escenas de fotografías históricas y las ha transformado, proponiendo un final inesperado y que no tiene nada que ver con el desenlace real, como por ejemplo el final de la partida de ajedrez disputada en 1972 entre Bobby Fischer y Boris Spassky (The Lost Bishop, 2012). La secuencia muestra el momento en el que Fischer sacrifica el último alfil y pierde la partida en la que también estaba en juego el título mundial. Van de Velde recreó en sus dibujos qué hubiera pasado si la partida la hubiera ganado Fischer .
 

1 de febrero de 2013

Ai Wei Wei en CAAC Sevilla

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) presenta la primera exposición individual en un museo en España del artista, una muestra que abarca la mayor parte de formas de producción de Ai Weiwei, entre ellas instalaciones, cerámicas, vídeos y fotografías, obras que ocuparán la zona monumental, De la sala de las turbinas de la Tate, desde donde dieron la vuelta al mundo, a la antigua Capilla de Colón, en el Monasterio de la Cartuja de Sevilla, donde a partir de hoy pueden contemplarse las cinco toneladas de pipas del artista y disidente Ai Weiwei, esa obra de histórica repercusión en la que el chino buscó el contraste entre las técnicas de producción ancestrales y la producción en masa. 

Las diferentes manifestaciones comprendidas dentro de la estética de la resistencia han construido diversas vías de conocimiento en los desarrollos artísticos de las últimas décadas. Ai Weiwei podría singularizar una de las vertientes de esta estética entendida en un sentido no muy lejano a lo que Hal Foster definió como postmodernismo de resistencia: aquel que piensa políticamente las cuestiones referidas al lenguaje y a la representación. De esta forma, su trabajo parte de la tradición formal y lingüística del arte minimal y conceptual, aunque acabe conscientemente pervirtiendo sus resultados.
Por otro lado, como señaló David Harvey, culturalmente no es posible separar las ecuaciones tiempo y espacio. En este sentido, para situarse ante su obra, es necesario ser conscientes del tiempo y del espacio en los que se produce: el tiempo del capitalismo de Estado en el profundo cambio geopolítico en China durante las últimas décadas, las mismas en las que Ai Weiwei realiza su obra. La gran mayoría de sus trabajos participan, por tanto, de ese tiempo político y de ese espacio cultural y, al igual que ellos, están en continua y vertiginosa trasformación. Esta es una sus características: utilizar y pervertir la tradición cultural china y la artística occidental como actos de resistencia política, para los que se vale de todas aquellas herramientas que le son útiles, ya provengan de una u otra tradición, a las que une como singularidad la rapidez en el empleo de las redes sociales que el capitalismo informacional, por utilizar el término acuñado por Manuel Castells, ha ido proporcionando.
La exposición en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo parte culturalmente de un tiempo y un espacio concretos. Por un lado, nuestra contemporaneidad; es decir, el convulso espacio global geopolítico en el que estamos. Por otro, nuestro propio espacio físico, el antiguo monasterio cartujo unido a la expansión colonial, que en el siglo XIX se transformó en fábrica de loza y porcelana china. Por este motivo, esta muestra tiene como protagonistas los trabajos cerámicos, en un intento de comprender lo que Roger Buergel denominó en documenta12 -la misma en la que participó activamente Ai Weiwei- como migración de las formas.



http://www.juntadeandalucia.es/cultura/caac/programa/aiweiwei13/frame.htm