Heimo Zobernig en el Reina Sofía

Heimo Zobernig (Mauthen, Austria, 1958) aborda con aspecto crítico diversos medios como la pintura, la escultura, el vídeo, la instalación, la intervención arquitectónica y la performance. En sus obras cuestiona el relato del arte en medios como la arquitectura, el diseño y el teatro al remover posiciones ideológicas subyacentes, reinterpretándolas con una característica economía de medios, materiales y metodologías.

Para este artista la reflexión sobre el propio modelo expositivo y su contexto adquieren un interés central en sus creaciones. Con motivo de esta retrospectiva a él dedicada en el Palacio de Velázquez el propio espacio expositivo adquiere relevancia como instalación contendor; Zobernig subvierte la función habitual de la obra de arte al descabalgarla de su aura, anulando el boato que rodea una exposición, y la distancia entre obra y público.

Así, los propios mecanismos expositivos toman el lugar de las obras y el espacio pasa a ser parte esencial de la muestra. El palacio se convierte en un lugar diáfano, quedando solamente algunos tabiques removibles procedentes de la exposición temporal anterior que suscitan un antagonismo entre permanencia-obsolescencia. Zobernig, mediante su alineación, convierte estos muros en obras escultóricas, al tiempo que denuncia su temporalidad. La estructura del palacio se viste con telones, configurando una escenografía grandilocuente e íntima en la que se exponen algunas de sus esculturas de menor formato.

La puesta en escena del arte constituye una reflexión patente en la obra del artista: telones, pantallas en blanco y elementos arquitectónicos como paredes temporales y suelos enmoquetados semejan una obra de arte minimalista que a la vez desempeña su función como soporte de otras obras. Se evidencia la escenificación del arte como motor del mismo. El público debería participar cuestionando su propio ser, además de como simple espectador, como vínculo entre objeto y discurso, de tal modo que se dé de en el espectador un fenómeno de apropiación y reflexión sobre la creación de significado dentro y fuera de las artes. Finalmente el espectador, así enfrentado a estas cuestiones sobre los métodos y formas de representación y exposición, deviene protagonista plural del proceso de resignificación del arte.

Photography © Joaquín Cortés / Román Lores. Image courtesy of Museo Nacional de Arte Reina Sofía. 2012.
www.museoreinasofia.es/

Charles Ray en Matthew Marks Chelsea

Charles Ray,  ha producido una precisa y admirado cuerpo de trabajo en una variedad de medios utilizando formas abstractas y figurativas, en los últimos treinta años. 

Ahora muestra tres nuevas esculturas  en Matthew Marks, donde incluye un autorretrato desnudo  atándose un  zapato invisible.  Cada una de las esculturas de acero inoxidable sólido, están realizadas con un procedimiento industrial utilizado para moldes de inyección y un peso que alcanza casi una tonelada, pulidas posteriormente a mano, ofrece un aspecto realmente suave al tacto, que le otorga solidez. 

Ray suele comenzar sus obras, utilizando  fotografías de sus asistentes, que él utiliza para hacer un modelo de arcilla, las escanea en un ordenador, remodelandolas mas tarde,  utilizando una máquina para cortar un modelo de espuma, cubriéndolas  mas tarde con  arcilla, terminado el proceso, estas  obras  se analiza de nuevo, utilizando un material similar al yeso llamado Forton para hacer moldes que sirven como "faros para que pueda ver el camino de vuelta si me voy en una dirección demasiado lejos". En un proceso complicado, él y sus ayudantes trabajaban  las superficies de las esculturas  para que tengan el aspecto suave de la arcilla en algunos lugares,  buscando la perfección técnica en algunos otros  bordes  de las esculturas. Con estas variaciones de acabado procesual,  la mirada parece deslizarse dentro y fuera de foco a medida que se contemplan. 

Debido al proceso laborioso de su producción , son contadas ocasiones las que podemos ver nuestro trabajos de Ray. Quizás el escultor mas notable de su generación por su inventiva incansable y su capacidad de burlarse de las convenciones .

http://www.matthewmarks.com/new-york/exhibitions/2012-11-10_charles-ray/ 
(© Charles Ray, courtesy Matthew Marks Gallery)

Anish Kapoor's Gangnam Style tributo a Ai Weiwei

El artista angloindio Anish Kapoor,  retoma  Gangnam Style en  homenaje a Ai WeiWei, debido a la retirada del video de este en internet chino, para ello reunió a  numerosos artistas en su estudio donde se filmó la nueva versión, que espera no sea censurada de nuevo.

Ai Weiwei does Gangnam Style

Ai Wei Wei, el artista y activista disidente chino, utiliza el fenómeno musical del momento "gangnam style", apareciendo esposado, al estilo del rapero surcoreano Psy, mezclando humor con su reivindicación  a favor de  la libertad de expresión  en China. 

Anselm Reyle en Deichtorhallen de Hamburgo

Nueva individual de alemán Anselm Reyle, 80 obras seleccionadas de diferentes series creadas en los últimos años, así como nuevas piezas concebidas especialmente para el espectáculo.
Reyle responde a este reto mediante la separación de la Sala de 3.200 metros cuadrados, en dos áreas de diferentes tamaños: como una cortina, una pared hecha de papel de aluminio, que separa una habitación iluminada con luz natural de una habitación oscura. El autor muestra una típica selección de sus pinturas, que se basan en su desarrollo conceptual, como sus pinturas a rayas, obras gestuales, diversas pinturas, láminas de metal a obras recientes , como la »pintura-por-números«.

De su obra escultórica, junto con los llamados «africanos», esculturas hechas de bronce de color , se muestran algunos de los objetos más tempranos, objetos como la carreta de heno amarillo neón, una delicada instalación de neón luz. A pesar de la amplia gama de materiales y formas, estas obras visuales oscilan entre arquitectura y escultura  combinase coherentemente.

En la sala principal, una doble reflexión,  el uso reiterado de un lenguaje formal específico y un repertorio de material artístico con objetos encontrados en las zonas urbanas, campo y basura de »baja cultura".  Él se enfrenta a esto con la historia del arte del siglo XX, tales como el Pop Art, el Minimalismo, el expresionismo abstracto, la pintura Hard Edge y los presenta, igualmente divergentes. Las viejas ideas son absorbidas, traducidas a las formulaciones actuales, por lo general mas accesibles. Anselm Reyle ha participado en varios proyectos de colaboración en los últimos años, como con el  fabricante de porcelana de Meissen o con el artista austriaco Franz West, cuyas obras, fruto  de esta colaboración también se exhiben  en Hamburgo.

La exposición se acompaña de un catálogo publicado por Distanz Verlag y cuenta con innumerables ilustraciones, incluyendo muchas imágenes de las instalaciones, y ensayos , así como una entrevista de Friedrich von Borries realizada con Reyle. Tras su paso por Hamburgo, la exposición se trasladará, en forma ligeramente adaptada, para Magasin de Grenoble, con catálogo trilingüe (en Inglés, francés y alemán).

http://www.deichtorhallen.de/

Artissima 18 - L'Arte Contemporanea in mostra a Torino

Nueva edición de Artissina Torino, la feria mas interesante de Italia, que conserva sus secciones , ya clásicas,  proyectos jóvenes además de su programa general.
De alta calidad expositiva, aunque poco comercial en principio, en un buen lugar para conocer artistas nuevos de calidad y hacer negocios entre galeristas,  algo menor entre público en general.
http://www.artissima.it/

Wade Guyton OS at the WHITNEY MUSEUM

En la última década, el  artista  Wade Guyton (1972) ha sido pionero en un innovador cuerpo de trabajo que explora las relaciones cambiantes entre imágenes de consumo y obras de arte, mediante el uso de tecnologías digitales comunes, como el ordenador personal,  escáner e impresora de inyección a tinta. El mal uso intencionado de Guyton de estas herramientas para conseguir resultados de dibujos y pinturas, crean  bellos  accidentes relacionados con la vida diaria, imagenes borrosas de pantallas de telefonos y ordenadores, así como imágenes de mala calidad. 

Compuesto por más de ochenta obras que datan desde 1999 hasta el presente, muestran características de madurez, con un  diseño  expositivo espectacular, no cronológico,  con paredes paralelas  que confrontar al espectador como  páginas de un libro o ventanas apiladas en un monitor. La exposición incluye pinturas, dibujos, fotografía y escultura y concluye con dos lienzos nuevos espectaculares, de enorme tamaño, que Guyton creado específicamente para el museo Whitney , diseñado por  Marcel Breuer.

 El título,  OS emplea la sigla común de un "sistema operativo,"  de arte, donde Guyton vincula de nuevo su trabajo  a las tecnologías de nuestro tiempo.

Parece que todo el mundo tiene una opinión sobre si Guyton es un pintor, una impresora, un fotógrafo o un conceptualista. Comisariada por el escocés  Rothkopf, esta extensa muestra,  se extiende completamente  por  el tercer piso del museo, donde  se expone el  equilibrio entre los mundos,  la abstracción, núcleo duro de su trabjo, y el legado del arte conceptual, llevada a cabo a través  de productos básicos y su generación de imágenes.
http://whitney.org/Exhibitions/WadeGuyton

Oscar Tuazon at Jonathan Viner

Tercera exposición de Óscar Tuazon en Viner Gallery. La exposición presenta tres nuevos órganos de trabajo, cada uno de los cuales enfrentan las definiciones de tiempo, medio y  proceso en sus diferentes maneras.
El artista utiliza las huellas de los elementos naturales y  residuos de óxido, como pinturas, secciones de lienzo,   que formaban parte de una tela larga que sirvió  como    superficie de trabajo para Tuazon,  marcada con los restos de los metales y herramientas que utilizó al hacer esculturas en un periodo de varias semanas, con una inmediatez  que lleva semejanza a un fotograma. Las composiciones "accidentales" en la superficie de las telas son accesorias a las estructuras hechas sobre ellos, las pinturas  revelan los lapsus freudianos de una escultura.
En su producción, los lienzos estaban conectados a las esculturas móviles de  Tuazon,   gestos del cuerpo humano que interactúan físicamente . El plano de trabajo horizontal recuerda la historia de la pintura de acción, mientras que las marcas del entorno del estudio tienen estrecha relación con las prácticas de los artistas, que han relacionado la superficie de trabajo del estudio con el medio de la galería. Procedimiento utilizado en su obra fotográfica, paisajes superficiales  de las lona recogida de los escombros del atelier.

Las tres esculturas , son el  fruto de la  investigación de la ambigüedad entre el trabajo y la superficie de trabajo, mediante la incorporación de muebles de estudio en las propias esculturas. Los materiales y las formas de los elementos de las esculturas producidas se  superponen e imitan los utilizados, sobres de mesa o marcos,  entrelazados, confundiendo donde termina uno y empieza el otro. Cuestionando la frontera entre la acción intencional contra accidental.

http://www.jonathanvinergallery.com/

Ian Monroe @ Casado Santapau, Madrid

Ian Monroe(New York 1972) se  dió a conocer en 2003, cuando una obra a gran escala fue presentada en la exposición inaugural de la nueva galería Saatchi, dos años después de su graduación en Goldsmiths.

En esta ocasión, segunda exposición individual de Monroe en Madrid,  presenta un conjunto significativo de nuevos trabajos, que convierte la pintura de paisaje, en un lugar imaginario, donde la arquitectura tiene el papel protagonista.

Monroe tiene la virtud de  convertir el collage en pintura, con materiales que van desde  el papel, vinilo, formica, o moqueta, materiales utilizados para representar los objetos presentados que llaman la atención por la tendencia de la sociedad de consumo, a reemplazar modelos antiguos con los nuevos, en teoría "mejores", todo ello contribuye a recordar la estética de la década de 1970 de la América suburbana.

Su geometría fracturada, sugiere espacios de arquitectura civil, mientras que al mismo tiempo mantiene una perspectiva humana de escala renacentista. A través de este proceso de construcción Monroe transmite una sensación de solidez en  sus imágenes creadas a partir de proyectos de arquitectura utópica, literalmente, construye un espacio inexistente.

Es una forma de hacer trampa en la imagen construida, los campos  de color, a modo de readymade, están cubiertos por un  patrón dibujado a mano, creando una pintura sin representación, a medio camino entre la pintura y la escultura. Eligiendo temas que se relacionan con el espacio ilusorio y su función, construyendo trompe l'oeil, cuyo efecto se obtiene a través de la perspectiva y la textura de los  materiales en sí. En la obra de Monroe, el espacio arquitectónico se trae a un primer plano, donde la superficie de la obra y los materiales de su realización tienen máxima importancia en lo representado. El artista investiga la naturaleza del espacio idealizado en sus trabajos, ambientes híper reales de ciencia ficción o juegos de ordenador. Todos estos  nuevos espacios  proyectan en nosotros, deseos específicos o estilos de vida que mantienen ciertos tipos de mitos colectivos sociales.

 Cortesía >   www.casadosantapau.com  photo: Ian Monroe

Chelsea NY after Sandy

Chelsea, el centro del arte contemporáneo de Manhatthan, arrasada tras el paso del huracán Sandy, pasará algún tiempo hasta que volvamos a ver las galerías neoyorquinas en el punto optimo, al cual nos tienen acostumbrados, posiblemente meses, pues  aún no se puede saber el estado general de espacios y almacenes.

Además del New Museum, muchas galerías han enviado mensajes vía facebook , ya que no disponen de telefono ni correo, atrasando inauguraciones, cerrando espacios y clausurando exposiciones anticipadamente, "esperabamos agua , pero no tanta" , es la frase mas repetida en este momento.