ARCO_madrid 2013

Richard Artschwager in memorian

Artschwager

1923-2013

R.I.P

Muere Richard Artschwager, tras mas de cinco décadas trabajando en arte contemporáneo.

Cranford Collection @ Fundación Santander

 

Un año mas, La Fundación Banco de Santander, coicidiendo con el inicio de la feria ARCO_madrid, inaugura una de sus fabulosas exposiciones, en esta ocasión, prodecente de Londres, una colección privada de arte contemporáneo muy coherente, fabulosa  y de altísima calidad.
La Colección Cranford ha sido una fuerza viva y audaz en la escena del arte londinense de la última década. Out of the House es la primera ocasión en la que se presenta la colección fuera del ámbito privado en el que habitualmente se encuentra expuesta. La muestra está centrada en el arte británico y alemán desde mediados de los años ochenta hasta nuestros días, presentando a cada artista en profundidad. Los británicos Damien Hirst, Bridget Riley, Sarah Lucas, Rachel Whiteread o Rebecca Warren y los alemanes Sigmar Polke, Franz West, Albert Oehlen, Martin Kippenberger o Rosemarie Trockel son algunos de los creadores que serán confrontados en un dinámico montaje, que pretende resaltar cómo estos artistas han revitalizado y reinventado los medios tradicionales de la pintura y la escultura.
http://www.fundacionbancosantander.com/
http://cranfordarts.org/

Cristina Iglesias en el Museo Reina Sofía

Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) inició sus estudios de arte en Barcelona explorando el campo del dibujo y la cerámica, formación que completó en la School of Arts de Londres a principios de los años ochenta. Es durante esta década cuando su carrera emergió dentro de la institución artística favorecida por la presencia en eventos como la Bienal de Venecia, en la que es seleccionada para representar a España en los años 1986 y 1993. Posteriormente, la exposición individual que le organizó el Guggenheim Museum de Nueva York en 1997 supuso su definitiva consagración en el ámbito internacional. A esta le seguirán otras muestras en significativos espacios artísticos y una atención hacia sus trabajos por parte de las colecciones de algunos de los principales museos del mundo.

La exposición organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, anteriormente, tuvo otra exposición en la misma institución, pero en la sede del "Palacio de Velázquez" , en el parque del Retiro, conformada por más de cincuenta piezas, supone la mayor retrospectiva que se ha realizado hasta la fecha de esta artista, desde sus inicios hasta la actualidad. A lo largo de estas tres décadas, Cristina Iglesias ha mostrado un decidido interés por redefinir lo escultórico como un campo expandido que sirve para cuestionar lo objetual en sus relaciones con lo espacial y lo arquitectónico. Sus esculturas se integran con la arquitectura del lugar en el que se ubican, estableciendo un juego en el que la realidad y la apariencia se entrelazan. Creaciones que generan de este modo sugerentes mundos ficticios y abandonan sus fines utilitarios para convertirse en escenografías que propician una observación reflexiva. Intersecciones entre lo natural y lo cultural, sombras, cascadas, remolinos y follajes, en las que la idea de refugio resulta la metáfora más recurrente.

La trayectoria de esta artista se caracteriza por una incesante inquietud en el estudio de una gran diversidad de materiales (alabastro, tapiz, cristal, resina, aluminio, bronce, hierro, cemento, madera, hormigón…) e incluso el agua aparece como un elemento escultórico más, protagonista de algunos de sus proyectos públicos que son recogidos en la serie de vídeos que se exhibe bajo el título de Guided Tours. La propuesta expositiva se completa con una panorámica de sus serigrafías en cobre y tela.

http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/actuales/cristina-iglesias.html

Rinus van de Velde en CAC Málaga



“Debo hacer acrobacias para este trabajo. Hago cualquier cosa con lo que me encuentro, tengo que combinar todo lo que existe conmigo. (…)”, cita textualmente Rinus Van de Velde (Bélgica, 1983). El CAC Málaga presenta por primera vez en España la obra del joven artista flamenco con una selección de dibujos inéditos. La pintura se complementa con textos a modo de títulos que en esta ocasión cuestionan la propia capacidad creativa, o las etapas por las que pasa la producción artística. Las creencias y pensamientos de Rinus Van de Velde se desnudan, como si se tratara de un diario personal en el que detalla los pasos que va dando hasta crear una pieza de arte, o bien expresan deseos y anhelos que tienen que ver con el trabajo artístico.
 “El reflejo de uno mismo ante un espejo es revelador de lo que percibimos externamente de nuestro aspecto. Pero también puede llegar a traspasar y penetrar en la mirada, sacando sentimientos, miedos, fobias del interior y convertirse en un retrato de emociones en vez de rasgos físicos. Rinus Van de Velde es protagonista de todas sus obras. Sus autorretratos son precisamente un ejercicio de introspección en torno a un tema recurrente: la creación artística, pero también el anti-ego. A veces se muestra en imágenes desenfadas (Self-portrait as a tennis hero…, 2012), disgustado ante su propio trabajo (The angry sculptor: a self-portrait in which…, 2012) o en espacios reservados para la intimidad (Self-portrait of a man who has no time to waste…, 2012). Cualquier lugar es idóneo para convertir la inspiración en algo más que pensamientos. Pero también durante años él ha pintado partiendo de imágenes raptadas de revistas, libros de viajes, etc. que representan su cara oscura, su opuesto, las antípodas de su imagen y de su personalidad. Representando, como si fueran fotografías antiguas, esas imágenes, él trasmite una idea que en verdad es la opuesta a quién es realmente. Y en ese juego la intención virtual, la del engaño, funciona en toda su extensión, logrando que el señuelo pueda despistar al espectador y llevarle al escenario deseado por el artista o, metafóricamente, por el pescador ”.
En la exposición que presenta el CAC Málaga se podrán ver dibujos en blanco y negro inéditos realizados con carboncillo sobre lienzo, que a su vez están basados en fotografías captadas con anterioridad. En los lienzos, el artista flamenco recurre a imágenes existentes, como puede ser un fotograma, o bien a escenas ficticias convertidas en fotografías hechas por él mismo, que le sirve de fuente de material para realizar sus dibujos en los que el artista es el protagonista, junto a elementos variados, como plantas, animales disecados, un televisor o zapatos.
Los dibujos están acompañados por historias que para esta exposición se presentan como el título de la obra, pero que en otras ocasiones está escritas en la pared o directamente en el dibujo. Estos títulos contextualiza y enlaza directamente con la imagen. Juntos, texto y dibujo, hablan de una autobiografía ficticia y de creencias personales. Continuamente se mueve entre la realidad y la ficción en un intento por crear confusión en torno a lo que interpreta el espectador cuando ve su obra: por un lado, se puede deducir que se trata de la vida del propio artista, o bien está haciendo algo previsible, como dibujar plantas o animales. Sin embargo, a menudo la explicación que da en los textos no tiene nada que ver con la interpretación del espectador. El artista belga basa su trabajo en el juego entre imagen ficticia y realidad.
Al entrar en el espacio central del CAC Málaga, los pensamientos de Rinus Van de Velde quedan al descubierto. Cuestionar los principios del arte contemporáneo, qué se considera un trabajo artístico y dónde encontrar la inspiración son temas presentes en su trabajo. En ocasiones representado de una forma cotidiana, en acciones como viendo un partido de tenis, y otras trabajando en su estudio. Visualmente, el uso del carboncillo y el texto tiene ciertas reminiscencias al cómic. Los aspectos vitales son la razón de ser de sus dibujos y el hecho de aparecer en todos y cada una de sus pinturas se puede interpretar como una forma de enfrentarse a su propia capacidad y talento artístico, planteándose si lo que hace realmente tiene o no la talla de pieza de arte.
En trabajos anteriores ha recurrido a imágenes captadas en revistas como National Geographic, biografías de artistas y científicos o catálogos de arte. También ha reinterpretado escenas de fotografías históricas y las ha transformado, proponiendo un final inesperado y que no tiene nada que ver con el desenlace real, como por ejemplo el final de la partida de ajedrez disputada en 1972 entre Bobby Fischer y Boris Spassky (The Lost Bishop, 2012). La secuencia muestra el momento en el que Fischer sacrifica el último alfil y pierde la partida en la que también estaba en juego el título mundial. Van de Velde recreó en sus dibujos qué hubiera pasado si la partida la hubiera ganado Fischer .

 

http://cacmalaga.org

Ai Wei Wei en CAAC Sevilla

El Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC) presenta la primera exposición individual en un museo en España del artista, una muestra que abarca la mayor parte de formas de producción de Ai Weiwei, entre ellas instalaciones, cerámicas, vídeos y fotografías, obras que ocuparán la zona monumental, De la sala de las turbinas de la Tate, desde donde dieron la vuelta al mundo, a la antigua Capilla de Colón, en el Monasterio de la Cartuja de Sevilla, donde a partir de hoy pueden contemplarse las cinco toneladas de pipas del artista y disidente Ai Weiwei, esa obra de histórica repercusión en la que el chino buscó el contraste entre las técnicas de producción ancestrales y la producción en masa. 

Las diferentes manifestaciones comprendidas dentro de la estética de la resistencia han construido diversas vías de conocimiento en los desarrollos artísticos de las últimas décadas. Ai Weiwei podría singularizar una de las vertientes de esta estética entendida en un sentido no muy lejano a lo que Hal Foster definió como postmodernismo de resistencia: aquel que piensa políticamente las cuestiones referidas al lenguaje y a la representación. De esta forma, su trabajo parte de la tradición formal y lingüística del arte minimal y conceptual, aunque acabe conscientemente pervirtiendo sus resultados.

Por otro lado, como señaló David Harvey, culturalmente no es posible separar las ecuaciones tiempo y espacio. En este sentido, para situarse ante su obra, es necesario ser conscientes del tiempo y del espacio en los que se produce: el tiempo del capitalismo de Estado en el profundo cambio geopolítico en China durante las últimas décadas, las mismas en las que Ai Weiwei realiza su obra. La gran mayoría de sus trabajos participan, por tanto, de ese tiempo político y de ese espacio cultural y, al igual que ellos, están en continua y vertiginosa trasformación. Esta es una sus características: utilizar y pervertir la tradición cultural china y la artística occidental como actos de resistencia política, para los que se vale de todas aquellas herramientas que le son útiles, ya provengan de una u otra tradición, a las que une como singularidad la rapidez en el empleo de las redes sociales que el capitalismo informacional, por utilizar el término acuñado por Manuel Castells, ha ido proporcionando.

La exposición en el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo parte culturalmente de un tiempo y un espacio concretos. Por un lado, nuestra contemporaneidad; es decir, el convulso espacio global geopolítico en el que estamos. Por otro, nuestro propio espacio físico, el antiguo monasterio cartujo unido a la expansión colonial, que en el siglo XIX se transformó en fábrica de loza y porcelana china. Por este motivo, esta muestra tiene como protagonistas los trabajos cerámicos, en un intento de comprender lo que Roger Buergel denominó en documenta12 -la misma en la que participó activamente Ai Weiwei- como migración de las formas.

http://www.juntadeandalucia.es/cultura/caac/programa/aiweiwei13/frame.htm

Silvia Prada @ The Pacific Design Center, Los Angeles.

The New Modern Hair: A Styling Chart, el segundo título de la artista Silvia Prada  editado por cultureEDIT. La publicación rinde homenaje a las antiguas barberías a través de una serie de retratos y peinados masculinos, acompañados de dibujos geométricos. El estilo clásico y figurativo que define el trabajo de Prada engarza la serie de ilustraciones que se presentan en el libro. Sus dibujos reflejan los matices sutiles y las pistas visuales que definen la identidad y los modos de presentación masculinos según los parámetros de la cultura visual y popular.Los retratos —con títulos como "The Flat Top" (Corte cepillo), "The Sportsman" (El deportista) o "Executive Contour" (Flequillo ejecutivo)— muestran su simpatía por el lookretro. Cada uno de ellos está acompañado de comentarios y meticulosas instrucciones sobre cómo conseguir el aspecto de la tribu urbana representada.En diálogo con los retratos, el volumen también incluye una serie de dibujos geométricos que representan alocadas remezclas de movimientos artísticos del siglo XX como la Bauhaus, De Stijl o el constructivismo ruso. Estas formas enfatizan el estilo de los peinados a los que alude cada retrato.The New Modern Hair: A Styling Chart es un homenaje a los cortes de pelo, los rostros pulcros y la geometría. Una reivindicación a la nueva era del romanticismo en la que la artista da rienda suelta a su fascinación por la producción de la identidad, la estética y la cultura pop.

La aparición del libro coincide con su exposición en Los Angeles en The Pacific Design Center

http://www.pacificdesigncenter.com/

http://www.culture-edit.com/silviaprada/

www.silviaprada.com/

Colección Patricia Phelps de Cisneros en el Museo Reina Sofía

La exposición La invención concreta centra su atención en el desarrollo de la abstracción geométrica en Latinoamérica, abarcando un marco cronológico que se inicia en los años treinta y concluye en la década de los setenta del siglo XX.
Aunque este tipo de arte abstracto se desarrolló inicialmente en Europa, algunos artistas sudamericanos lo asumieron como lenguaje de un futuro cosmopolita y progresista desde las modernas ciudades de Montevideo, Buenos Aires, São Paulo, Río de Janeiro y Caracas. La abstracción geométrica se convierte así en un vehículo de expresión de la emergencia de un continente que exploraba a mediados del siglo XX nuevas ideas políticas y culturales.
El relato expositivo se estructura a partir de la idea de intención artística, considerando las obras como manifiestos visuales capaces de expresar diversas concepciones sobre lo que puede y debe ser el arte y el rol que este desempeña en la sociedad. Muchos de los autores de estos trabajos se ocuparon de escribir las teorías que mantenían sobre estas cuestiones en artículos, revistas y polémicos manifiestos en los que se proclamaban las características de un nuevo lenguaje artístico que, a pesar de sus aspiraciones universales, se dotaba de un significado diferente en relación con cada contexto.
Las obras que configuran esta exposición se agrupan al margen de su lugar y año de creación, atendiendo a criterios de afinidad de los autores desde los cuales entender que la cercanía en el uso del lenguaje artístico no se traduce necesariamente en una finalidad común respecto al objetivo de su arte. Todos estos trabajos proceden de la Colección Patricia Phelps de Cisneros, una de las más importantes en lo que al arte contemporáneo latinoamericano se refiere, con la que el Museo Reina Sofía ha establecido un convenio de colaboración.

El espectador interesado en la muestra también puede profundizar en estas distintas intencionalidades a través de una aplicación para iPad de descarga gratuita y de la biblioteca digital alojada en la web www.lainvencionconcreta.org.

Andrée Putman in memoriam

1925.2013

R.I.P

http://studioputman.com

Bowie + Oursler

El legendario David Bowie, cumple 66 años y nos hace un nuevo regalo, aderezado con un video del artista californiano Tony Oursler, una vez mas nos da una lección de conocimiento sobre el estado actual de la música actual y sobre todo del arte contemporáneo. Ambos no son nuevos en estas líder. Gracias maestros¡ 

http://www.tonyoursler.com/individual_work_slideshow.php?navItem=work&workId=201&startDateStr=May.%201,%201997&subSection=Collaborations&allTextFlg=true&title=Scary%20Monsters%20%7C%20Collaboration%20with%20David%20Bowie