Images: Elmgreen & Dragset, Han, 2012
31 de mayo de 2012
Michael Elmgreen e Ingar Dragset @ Elsinore
Sharon Hayes @ Museo Reina Sofía
Utilizando estrategias metodológicas y conceptuales
procedentes de ámbitos discursivos como el teatro, la danza, la antropología,
el trabajo con archivos o el periodismo, los proyectos de Sharon Hayes
(Baltimore, EE.UU., 1970) exploran las relaciones, no exentas de tensiones,
entre historia, política y lenguaje, e intentan diseccionar los mecanismos
simbólicos y narrativos a través de los cuales se va construyendo el imaginario
colectivo. En sus performances, vídeos e instalaciones, Hayes muestra
cómo el proceso de documentación de un hecho histórico termina condicionando la
mirada que tenemos del mismo y propone una reflexión crítica en torno a temas
como las fricciones que se generan entre lo público y lo privado -entre lo
personal y lo colectivo- en una sociedad mediatizada o el efecto catártico y de
empoderamiento que proporciona la acción de tomar la palabra y de ocupar el
espacio urbano.
En muchas de sus obras, Sharon Hayes, que siempre ha
estado interesada en la naturaleza performativa del lenguaje, reutiliza textos
y declaraciones públicas de diversos actores políticos ligados a
acontecimientos históricos recientes, por ejemplo, los discursos presidenciales
de Ronald Reagan o los comunicados que envió Patty Hearst tras integrarse en el
Ejército Simbionés de Liberación que le había secuestrado . Al volver a poner
en escena estos textos (que la artista suele recitar de memoria y, casi siempre,
en primera persona), es decir, al recrearlos y (re)presentarlos en un contexto
nuevo, Hayes lleva a cabo lo que ella describe como un acto de "traducción
oral" que nos ayuda a repensar y reinterpretar tanto el momento histórico
en el que se formularon como nuestro propio presente.
Para dar título a esta exposición, que reúne diez de sus
proyectos más significativos e incluye una pieza que ha realizado expresamente
para la muestra en colaboración con el artista y escritor mexicano Pablo Sigg,
Sharon Hayes ha recurrido a un texto, Curso de Lingüística General de
Ferdinand de Saussure, que ha ejercido una gran influencia en su trabajo. Hay
que tener en cuenta que la palabra española "habla" es el equivalente
más preciso al término francés parole, noción que desempeñó un papel clave en
el proyecto teórico de este lingüista suizo. Hayes ha querido jugar con la
potencialidad polisémica de esta palabra que además de designar la capacidad
inherente de cada individuo para hacer uso del sistema de la lengua, también
alude a la dimensión social del proceso comunicativo y, en ciertas condiciones
contextuales, puede tener un sentido imperativo.
http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/actuales/hayes.html
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24 de mayo de 2012
23 de mayo de 2012
Rosemarie Trockel @ Reina Sofía
Rosemarie Trockel (Schwerte, Alemania, 1952) irrumpe en la escena artística alemana,
dominada por figuras masculinas, en los 70. Su obra explora formas y materiales
de trabajo diversos eludiendo encasillarse estilísticamente. Sus creaciones
cuestionan las categorías legitimadoras del arte, el orden social, las
identidades de género; explorando constantes como las concepciones opuestas del
feminismo, la metamorfosis del sujeto, la interrelación entre humanos y
animales y el impacto medioambiental de nuestra especie, los fenómenos de la
moda, la celebridad, la belleza y los íconos sociales, el cuerpo o la
construcción social del sujeto.
“Kosmos” titula Alexander von Humboldt (1769-1859) su
libro sobre el descubrimiento de América. Al atribuir Humboldt el mérito del
descubrimiento a Colón, se fundamenta en el argumento del progreso, como
resultado del conocimiento acumulado. La artista, admiradora de la
independencia y lo intrépido de sus estudios, sitúa la figura de Humboldt junto
a otros autores que considera espíritus afines.
En esta muestra, Trockel presta atención a artistas poco
reconocidos, por empatía con la franqueza e inventiva con que estos abordan
cuestiones compartidas por ella misma. Ya sea en otro campo disciplinar, o por
causas autónomas, estos inconformistas aportan modelos de dedicación
desinteresada a vocacional. Artistas autodidactas como James Castle, Judith
Scott, Morton Bartlett y Manuel Montalvo, quienes trabajaban casi en el
anonimato. Solitarios que trabajaban materiales humildes con máxima economía de
medios y comprometidos con la búsqueda de una visión singular.
Otros artefactos mostrados en esta exposición provienen
del ámbito de la historia natural como las acuarelas de María Sibylla Merian
(1647-1717) sobre ciclos metamórficos entomológicos, o trabajos del botánico
español, José Celestino Mutis (1732 –1808), cuyos estudios nunca publicados
convenientemente, postergan su reconocimiento. A finales del siglo XIX, la
familia Blaschka desarrolla fieles réplicas en cristal, de flora e invertebrados
marinos, que servían de modelo de investigación a naturalistas aficionados y
profesionales. Hoy todos estos personajes son, si cabe, más valorados por sus
cualidades estéticas y por la curiosidad que despierta su obra que por su
desempeño en diversos campos científicos.
Rosemarie Trockel se sirve de todos ellos considerándolos
ejemplares e inspiradores de su trabajo.
http://www.museoreinasofia.es
22 de mayo de 2012
Doug Aitken @ Hirshhorn Museum , Washington D.C.
El artista Doug Aitken le gusta reunir a la gente. En su libro "Broken Screen" incluyó conversaciones con 26 artistas. Con la pieza "Song1", que se ejecuta en el Museo Hirshhorn, tiene un contexto similar, el video, se proyecta en el exterior del edificio sin ventanas, diseñado por Gordon Bunshaft, desde el atardecer hasta la medianoche, la mayoría de las noches el National Mall es un lugar bastante desolado después de que el sol se ponga, pero la proyección, realizó el efecto opuesto, convirtió el Museo de adentro hacia afuera, algunas noches 3.000 personas acampan en los terrenos del Museo, todos juntos viendo la pieza en un aislamiento tranquilo.
http://www.hirshhorn.si.edu
17 de mayo de 2012
Out of Focus / Saatchi Gallery
La Saatchi gallery de Londres , retoma la fotografía después de una década , con una nueva exposición ‘Out of Focus’, que reune a 38 artistas internacionales, que sólo utilizan la fotografía como medio de trabajo, un medio rechazado y ensalzado a partes iguales, que parece haberse establecido como lenguaje y empiea a apartarse de las modas y tendencias de los últimos años. Nuevos canones, en esta exposición precavida , donde nada sale de tono, uniformidad y buen hacer, a partes iguales que se entrelazan en estos nuevos tiempos del arte contemporáneo.
Tomás Saraceno / Cloud City @ Metropolitan Museum
Photo © Kyle Chayka
El argentino, Tomás Saraceno (1973) crea una constelación de grandes módulos, interconectados por escaleras, construidos con materiales transparentes y reflectantes . Los visitantes pueden entrar y caminar a través de estos, como un hábitat, de estructuras modulares que se agrupan en una configuración lineal. Durante la última década, Saraceno ha establecido una práctica de construcción de redes habitables basadas en geometrías complejas , mezcla de arte, arquitectura y ciencia.
Anchado a la azotea del Metropolitan Museum, se asemeja a una nube esperando para despegar. La escultura de 20 metros de altura, es una masa modular de metacrilato, acero y cables en tensión, recuerda un experimento de vanguardia arquitectónica efímera; semi-habitable (los espectadores tienen la oportunidad de ascender a la estructura vertiginosa), carece de la sensación de dinamismo espacial, a pesar de su nombre, se ve y se siente pesada. Es cuando los visitantes suben hasta el centro de la pieza donde el peso se disipa. El proyecto interdisciplinario "Cloud City / Air Port City" se basa en la investigación del artista en la ampliación de las formas en las que habitan y la experiencia de nuestro medio ambiente.
16 de mayo de 2012
Jonas Wood @ David Kordansky
Link: Jonas Wood at David Kordansky Images courtesy of David Kordansky Gallery, Los Angeles
Jonas Wood, tiene personalidad propia, el artista afincando en los Angeles, muestra su nuevo trabajo
con una visión amplia de la pintura y el dibujo, su práctica consiste en un analisis de la composición, de interiores domésticos y de su propio estudio, retratos y bodegones imaginarios que procesan un sentido profundo de la línea y el color, a menudo fruto de collages primarios realizados con una cámara básica. Todos ellos con un lenguaje evolucionado del mismo Matisse, con una aguda
atención hacia el patrón del dibujo y el tono, que se podrían indentifiar como imágenes de TV preexistentes.
En esencia, son obras figurativas que toman forma como abstracciones, y viceversa. Quizás sorprendentemente para un artista que hace amplio uso de imágenes autobiográficas,Wood logra impacto emocional por confiar únicamente en el ojo del espectador y por transformar la nostalgia en una red de relaciones puramente visuales.
13 de mayo de 2012
MONUMENTA 2012 | Daniel Buren
Nueva edición de Monumenta, en el fabuloso edifcio decimonónico Grand Palais de Paris.
Tras las intervenciones a gran escala de Anselm Kiefer, Richard Serra, Christian Boltanski y Anish Kapoor, es turno del artista francés Daniel Buren . En esta pieza in situ, "Excentrique", que significa "elíptica" o"excéntrico" , el artista ha comenzado por la entrada norte, creando un verdadero paisaje artificial, un pasillo que lleva a los visitantes bajo un dosel de pérgolas de colores en forma de círculo y que conduce a una especie de compensación bajo la gran cúpula central del espacio grande. Allí, se han instalado espejos, reflejando los colores ambientales de la instalación de una manera extraordinaria.
La obra costó 1,5 millones de euros (1,9 millones de dólares) y Buren pasó dos años diseñando, con numerosos bocetos y determinación para superar las limitaciones de espacio. Creado con la ayuda del arquitecto Patrick Bouchain, tuvo siete días para instalar.
"La característica principal es la luz, el volumen y el aire," .
"En primer lugar, me gustaría decir que este edificio, debido a su tamaño, su belleza y su historia, es uno de los lugares más difíciles para una exposición. Incluso más que su arquitectura, lo realmente sorprendente de este lugar es su atmósfera, su ligereza, la impresión de estar fuera cuando estás dentro. El espíritu del lugar es sol y luz."
Ligero y aireado, esta obra-pantalla de 377 círculos de plástico (más tres fuera el Grand Palais), diseñado a escala humana y sostenido por columnas muy delgadas, constituye una divertida obra, facilitando todo tipo de encuentros. Es un espacio íntimo, donde ves la vida en rosa, azul, verde- y gafas de color amarillo, ya la vez, también un espacio público, donde casualmente puedes pasear, sin embargo, se pierde cualquier sentido bucólico, dada la artificialidad extravagante de medio ambiente de esta obra. Los círculos dan una sensación psicodélica al edificio monumental, especialmente por la noche.
10 de mayo de 2012
Schiaparelli and Prada / Metropolitan Museum NY
El Metropolitan Museum de Nueva York inaugura, la exposición Miuccia Schiaparelli and Elsa Prada: Impossible Conversations (Miuccia Schiaparelli y Elsa Prada: Conversaciones imposibles), un proyecto que explora las afinidades entre las dos diseñadoras italianas, separadas por el tiempo pero parecidas en muchos sentidos.Inspirada en las Entrevistas imposibles que Miguel Covarrubias realizó para Vanity Fair en la década de 1930, la exposición relata conversaciones ficticias entre estas dos mujeres, iconos de la moda, para sugerir nuevas lecturas de sus creaciones. Conjuntos emblemáticos se presentan junto con vídeos de conversaciones simuladas entre Schiaparelli y Prada, dirigidos por Baz Luhrmann y centrados en cómo exploraron temas similares en su trabajo a través de enfoques muy diferentes.
Elsa Schiaparelli, Vogue, June 1, 1935 . Horst / Vogue; © Condé Nast
Miuccia Prada, spring/summer 2004Photograph © Toby McFarlan Pond
http://www.metmuseum.org/
9 de mayo de 2012
SP-Arte 2012
Brasil se desmarca como uno de los países Iberoamericanos, con mas talento del continente americano,
su bonanza económica, ha permitido la salida internacional de muchos de sus artistas, elevar sus precios casi hasta el infinito, así como la creación de nuevas galerías y plataformas jóvenes, afianzando su ya mítica bienal. Ahora en su nueva edición de SP-Arte, su feria de arte, demuestra que no todo lo que reluce es oro, no por se made in Brazil, es sinónimo de talento y calidad, como muestra un botón .
http://sp-arte.com/
7 de mayo de 2012
Frieze Art Fair New York 2012
Frieze Art Fair New York, finaliza su primera edición con el éxito que era de esperar, la versión americana de su homónima y hermana mayor inglesa, salva su principal escollo, su ubicación, en la Isla de Randal, en la orilla del East River, entre Manhattan y Queens.
Las galerías de la ciudad, han dado su apoyo incondicional, alejandose de ArmoryShow, feria de cana en Nueva York, que en la edición de este año, ha resultado mas simplona de lo habitual.
5 de mayo de 2012
4 de mayo de 2012
Pabellón Frieze Art Fair New York
Conocido por la flexibilidad de su trabajo y el rigor estético e intelectual con el que lleva a cabo sus proyectos, SO–IL es uno de los estudios de diseño y arquitectura más prometedores del momento.
El nombre del despacho —creado en 2008— es una acotación de Solid Objectives e Idenburg Liu, los apellidos de sus fundadores. Antes de iniciar su propia firma, Idenburg trabajó durante ocho años con los ganadores del premio Pritzker Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, de SANAA, y estuvo a cargo de la construcción del New Museum en Nueva York. Ha sido catedrático en Harvard, Columbia y Princeton.
Recientemente, SO–IL fue seleccionado para diseñar el pabellón de Frieze en la primera edición de esta feria en Nueva York en el mes de mayo. Uno de los factores que ha colocado a la versión londinense de Frieze como una de las ferias con mayor renombre es que el diseño del espacio suele encargarse a reconocidas firmas de arquitectos.
La estructura diseñada por SO–IL, en forma de serpiente, estará ubicada en la isla Randall, a orillas del East River. “El primer reto fue hacer que la estructura fuera un icono, que fuera más que una carpa grande. Con la ambición de relajar y abrir lo que de otro modo sería un sistema riguroso, pensamos en una carpa en forma triangular ligeramente modificada e insertamos cuñas en cinco puntos. Desde el exterior, las cuñas permiten plegar la carpa, que de otro modo sería recta, para crear una forma serpenteante y flexible”, dicen los arquitectos.
Con su diseño, Idenburg y Liu buscaron transformar la experiencia de la feria y no únicamente crear una forma visualmente atractiva. El perímetro de la carpa deja pasar la luz natural y ofrece una vista del río sin afectar la luz difusa de las galerías interiores. En los extremos del pabellón, la tela de la carpa se divide en tiras delgadas que se clavan en el suelo más adelante, formando un juego de luces y sombras que delimitan el patio frontal.
Cortesía de : http://www.revistacodigo.com
3 de mayo de 2012
2 de mayo de 2012
La Triennale de Paris “Intense Proximity”
Entre la etnografía y el Arte, la tercera Trienal de París,-antes conocida como la Force de L'Art- mezcla todo tipo de artistas , sus orígenes y sus disciplinas artísticas en 5.000 m2, creando un puente y acerca distancias, nos abre los ojos a un mundo de esperanza , pero también de miedo. 113 artistas , divididos en tres plantas, del conocido Palais de Tokyo, y siete espacios mas, asociados a el, en París una oferta mas que generosa, donde confluye la escena francesa y la creación internacional, cuyo proyecto ha sido desarrollado por el conocido Curator internacional Okwui Enwezor. Una vez mas la aportación española es inexistente y la presencia latinoamericana roza lo anecdótico.
http://www.palaisdetokyo.com
http://www.latriennale.org
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