28 de diciembre de 2012

Mark Morris Dance Group, en el Teatro Real , Madrid


El bailarín y coreógrafo Mark Morris, conocido mundialmente por su trabajo en diversas compañías, tanto de danza como de ópera fundó en 1980 Mark Morris Dance Group (MMDG). La compañía, que debutó aquel mismo año en Nueva York, lleva estrenadas más de 130 coreografías de su creador, quien ha logrado importantes galardones en reconocimiento a su entraga y difusión de la danza. Mark Morris, además de director de danza del Teatro de La Monnaie en Bruselas -donde fue invitado por Gerard Mortier para sustituir a Maurice Béjart- fue fundador también de White Oak Dance Project con Mijail Baryshnikov.

www.teatro-real.com

26 de diciembre de 2012

Adel Abdessemed / Centre Pompidou

ENTREVISTA REALIZADA POR PHILIPPE-ALAIN MICHAUD, CONSERVADOR DEL MUSÉE NATIONAL D'ART MODERNE, COMISARIO DE LA EXPOSICIÓN
Desde su aparición en la escena artística, en torno a 2000, la obra de Adel Abdessemed se nutre del desastre de la historia contemporánea. El artista utiliza el lenguaje del arte para apropiarse de la potencia de la violencia y la destrucción: los aviones trenzados de Telle mère tel fils (De tal madre, tal hija; 2008) o la carlinga plegada de Bourek (2005) recuerdan el traumatismo del 11 de septiembre de 2001, que inauguraba el siglo; las carcasas de coches moldeados y cocidos en el horno de Practice ZERO TOLERANCE (Práctica ZERO TOLERANCE, 2006), son los vestigios de las revueltas urbanas que agitaron los suburbios de Francia en la primavera de 2005; las filas de alambre de espino jalonadas de dobles hojas cortantes y de puntas afiladas de Wall drawing (2006) remiten a la lógica del encarcelamiento (el campo de Guantánamo) y a las divisiones territoriales... Instalaciones, performances, dibujos, esculturas, vídeos, fotografías... sea cual sea el medio que emplea, Adel Abdessemed capta en sus piezas el rumor de la historia para ponerla en imágenes.
Abdessemed recoge los signos de violencia que atraviesan el mundo para transformarlos en sintagmas cósmicos, construyendo un relato mitológico profano y compuesto, hecho de infinidad de correspondencias, que narra el interminable nacimiento del orden y la armonía a partir del caos. Fusiones, desplazamientos, fragmentaciones, disposición radial de motivos, imágenes y temas dispares: la ambivalencia y la ambigüedad del mundo encuentran traducción en el estallido de la obra, en efectos de montaje extáticos y violentos. De este trabajo de deconstrucción rítmica, formal o cromático, nace una fragmentación de imágenes y conceptos que remite a la generalización de intercambios entre culturas y mercancías, a la instauración de territorios sin centro ni fronteras, que obedece a jerarquías flexibles, hechos de innumerables unidades, con configuraciones parciales y cambiantes.
Sin embargo, si bien Abdessemed se nutre del material histórico, utiliza el ornamento como el instrumento de su transfiguración o su estilización: los aviones de Telle mère telle fils se transforman en lazos, la carlinga de Bourek se enrolla en sí misma en volutas; los alambres de espino de Wall drawing mutan en círculos perfectos ajustados conforme a la talla del cuerpo humano... La obra de Abdessemed de despliega a la manera de un ornamento, dibujando trayectorias cuyo sentido y orientación solo se revelan en un sistema de repeticiones, de variaciones e inflexiones simétricas o asimétricas. Sus obras están atravesadas por un sistema de referencias complejas que escapa a la estricta contemporaneidad: referencias al minimalismo con los Wall drawings de Sol LeWitt, o de forma más lejana, a Géricault, al pesimismo trágico y burlesco de Goya o a Mathias Grünewald, en el cual se inspira Abdessemed muy explícitamente en los cuatro Christ de décor (Cristo de decorado).
Por último, las piezas de Adel Abdessemed tienen el impulso de un poder onírico. De la misma manera que, en la teoría freudiana, el día anterior proporciona al que duerme el material de sus sueños —lo que Freud llamó «el día del sueño»—, la actualidad proporciona a Abdessemed el material de sus piezas, que será después sometido a un trabajo de transformación.
¿Por qué se llama la exposición «Adel Abdessemed. Soy inocente»?
Adel Abdessemed – Porque no me siento culpable. Y estoy seguro de ello. Por otro lado, el Centre Pompidou se construyó sobre el cementerio de los inocentes... (Cimetière des Innocents)
¿Concibes la exposición como una prolongación de la obra? ¿Constituye por sí misma una propuesta artística? 
AA – No es la prolongación de mis obras, sino más bien una propuesta artística nueva, autónoma y múltiple. Soy un artista del cuerpo, en el sentido que Deleuze da a la palabra cuerpo: no un cuerpo inerte sino un cuerpo lleno, abierto, liberado de la parálisis, sin lazos de subordinación o jerarquización entre los órganos. El cuerpo no está hecho de una sola pieza, se trata de un ordenamiento rizómico que cambia de naturaleza en función de nuevas conexiones. La exposición es un gesto, un acto, con una articulación que no destruye la autonomía de las obras. Construye relaciones polisémicas entre estas, incluso cuando las afirma de manera más bien discreta... La exposición pretende mostrar la complejidad del mundo, su multilinearidad; revelar sus zonas de luz y sombra. Con rincones secretos y rincones perdidos. Con presencias y espacios vacíos que son al mismo tiempo espacios de libertad. Aunque yo haya creado un entorno con objetos que pueden ser mis obras, yo nunca seré el demiurgo de este mundo, seré solo su primer habitante, o el último, si se quiere...
Para ti, la exposición no debe contar una historia, no debe transformarse en relato... 
AA – Yo me veo como un constructor, un albañil, más que un narrador. Un albañil inocente... Como decía Khalil Gibran, en El profeta: «La piedra angular del templo no es más alta que la piedra más baja de sus cimientos».
¿Se trata de una retrospectiva o de una propuesta inédita? ¿Cuáles son piezas antiguas y cuáles obras nuevas en la exposición?
AA – Siendo cínico, diría que soy demasiado joven para una retrospectiva. Mi época es el presente y el futuro, no el pasado. Te pondré el ejemplo de una historia que siempre me ha fascinado: la del arca de Noé. Me costaba creer que Noé hubiera hecho realmente subir a todos los animales a un solo barco... Pues verás, ¡no se pueden meter todas las obras en el mismo espacio! Y la buena noticia es que no tengo piezas antiguas. Lo inédito, aún no lo vemos... Lo inédito está por hacer... Creo...

vía >:   http://www.centrepompidou.fr

21 de diciembre de 2012

Abraham Cruzvillegas at Regen Projects L.A.


Cruzvillegas explora las economías de lo improvisado, de lo hecho a mano,  el reciclado, y con frecuencia  encuentra el lugar y los elementos de un lugar en particular en el contexto de una obra, exposición o proyecto, creando una conexión entre Ciudad de México y la ubicación en la que el artista está trabajando. Su trabajo trata sobre la historia y la construcción del yo, en referencia a las condiciones económicas, sociales, políticas e históricas. El empleo de diversos medios para crear  las estrategias abiertas  de producción y recepción, Cruzvillegas da a los objetos una nueva vida y un contexto, generando cambios en el significado y la interpretación, en tanto que demuestra cómo los conceptos y las relaciones pueden ser constantemente inversos transformándolos.
Su práctica  examina la forma en la que  construye o reconstruye historias de  información, lo que demuestra , que las ideas son a menudo una amalgama dialógica de muchas personas, lugares y tiempos. La improvisación y el montaje son aspectos centrales de su práctica,  y que se conecta a las ideas de la economía de supervivencia y las economías de mano de obra no preparada.
 Esta exploración de autorretrato ofrece una armadura para una práctica amplia y multidimensional. El concepto para su primera exposición individual en la galería Regen Project , titulada Autodestrucción 1, obras escultóricas en su mayor parte de la exposición, adornadas con objetos encontrados y construidos que se origina a partir de una narrativa que cuenta la historia de un trompetista a través del punto de vista de su instrumento, y que es una continuación del proyecto del artista Autoconstrucción.

www.regenprojects.com/

20 de diciembre de 2012

Eva Berendes, Julia Dault; Mathieu Mercier;Bernd Ribbeck;Pennacchio Argentato;Claudia Wieser en Casado Santapau

Impecable selección de piezas en"Algebraic Topology", la nueva exposición de la galería Casado Santapau en Madrid, seis artistas para celebrar su sexto aniversario, que definen a la perfección el perfil de la galería, sin duda una de las mas interesantes de la ciudad y por ende del país.
Han conseguido reunir a Eva Berendes y sus esculturas biombo, ya pudimos ver su individual en la galería; se suman, dos nuevos  trabajos pictóricos -nada mas y nada menos- de la interesantísima Julia Dault, una artista fundamental en este momento, que acaba de incorporar una de sus esculturas al Museo Guggemhein de Nueva York, a pesar de su juventud,  el francés Mathieu Mercier, premio Marcel Duchamp, que sigue acertando con su combinación de elementos conceptuales, el dúo napolitano Pennacchio Argentanto, con una soberbia pieza doble, a caballo entre el minimalismo y la geometría mas formal, una de las líneas mas clara de la galería, Bernd Ribbeck, con sus exquisita pinturas sobre tabla, siembre de pequeño formato y la sofistificación de Claudia Wieser, con impecables dibujos de pan de oro sobre papel. Imposible elegir cual de todos nos interesa mas, cuidada selección de artístas, nunca exhibidos en Madrid, que hace de esta una de las mejores exposiciones del año, no por ser colectiva, desmerece en absoluto, bien montada y bien comisariada, evitando esa adicción al "archivo" que últimamente inunda la ciudad, haciendo que todas las exposiciones sean la misma y que no se distinga una galería de otra. Hasta finales de enero, muy recomendable.

6 de diciembre de 2012

Art Basel Miami Beach 2012

Comienza la nueva edición de Art Basel Miami Beach, La feria de arte mas importante del continente americano. Una vez mas, mantiene su alto nivel y su interés por lo absolutamente contemporáneo, con una buena selección de galerías de todo el mundo, donde combinan calidad artística con poder geopolitico, potenciando la aportación de coleccionistas por parte de las galerías . Modelo de calidad, que se diversicará la próxima primavera con su hermana asiática Art Basel Hong Kong.
www.artbasel.com

Oscar Niemeyer in Memorian

Fallece el gran Oscar Niemeyer el arquitecto mas audaz del siglo XX.
1907_2012
R.I.P
 

5 de diciembre de 2012

Design Miami 2012



Diseñadores, galeristas, coleccionistas, críticos, amantes del diseño - todos están llegando en tropel para la apertura de Design Miami / 2012. Más de un millar de obras de los creadores más importantes del mundo de mobiliario, iluminación, joyas y objetos de arte se han reunido ...
http://www.designmiami.com/

4 de diciembre de 2012

Turner Prize 2012 winner: Elizabeth Price


 Elizabeth Price  gana el Turner Prize, por su muestra en BALTIC, Centre for Contemporary Art, en la que incluyó una videoinstalación que combina escenas de un incendio en un almacén en el que murieron 10 personas con coros de catedrales góticas para crear un ambiente inmersivo en la galería. Algunos críticos han dicho que son de los 20 minutos más estimulantes que han pasado en una galería.
http://www.tate.org.uk/whats-on/tate-britain/talks-and-lectures/turner-prize-artists-talk-elizabeth-price

2 de diciembre de 2012

Muntean/Rosenblum en CAC Málaga





 

“Todos deben preocuparse si han experimentado suficientes cosas interesantes últimamente, nadie quiere que se le pille viviendo una vida aburrida”, cita textual del tándem artístico formado por Markus Muntean (Austria, 1962) y Adi Rosenblum (Israel, 1962). Y es toda una declaración de intenciones sobre cómo interpretan el entorno social actual, con un predominio masivo de las redes sociales en la vida de adolescentes y jóvenes, y en el que la influencia de las personas se mide por el número y el tipo de experiencias que se reflejan a través de las fotos y testimonios recogidos en las principales redes sociales.
A partir de ahí, Muntean/Rosenblum intentan transmitir los dos polos de la vida de cualquier persona: por un lado, el hecho de poder compartir todo tipo de experiencias con un número incontables de personas o seguidores, y por otro lado, la cada vez más acusada soledad del ser humano y falta de empatía con el resto de la sociedad. “En otras palabras, el exceso de experiencias estéticas está vinculado a una ausencia de sentido personal, lo que desemboca en un sentimiento de hartazgo y vacío”, enfatizan los artistas.
Además de la puesta en escena con un entorno estandarizado y despersonalizado, como el vestuario de un gimnasio, las pinturas son otro elemento que deja constancia de la crítica social de esta pareja artística. Los personajes son jóvenes, en escenas cotidianas, pero transmiten un mensaje a través de frases implícitas que hablan de su soledad, de la crisis social y de identidad que supone el paso de la vida adolescente a la adulta. Son frases que los artistas “coleccionan” y que tienen un significado especial. Las denominan ‘conocimiento express’, ya que en otros casos son extractos de literatura de obras conocidas. “Más allá de la explosión de los medios de comunicación, lo que en realidad compartimos paradójicamente es el dolor, que de manera intrínseca forma parte de la existencia humana”, afirman. Es este sentimiento compartido el que actúa como hilo conductor y sobre el que se invita a reflexionar mientras se contempla su obra.
En su trabajo, la pintura figurativa está influenciada por la tecnología y los dispositivos ópticos, como la fotografía o el cine. Como referencia, se fijan en modelos adolescentes de revistas de moda y en el cómic. “En un sentido muy personal, el trabajo de un artista es un intento de crear algo que tenga sentido (…). Crear arte se convierte entonces en un rito de autotransformación: pintar cada día y procurar conseguir mejorar resultados es un intento por encontrar un sentido personal a lo que haces”.
Muntean/Rosenblum no da por concluida su intervención en el CAC Málaga con esta instalación. Los espectadores literalmente formarán parte de este entorno y puesta en escena. Además, durante la inauguración, tendrá lugar una performance, que se grabará en vídeo, con alumnos del Conservatorio Superior de Danza de Málaga interpretando gestos conocidos de los personajes de “Los Sims”. Posteriormente, la performance se proyectará en el Espacio 5 del centro. El hecho de fijarse en este juego de ordenador se justifica porque alude a personajes y escenarios generales, con pocos rasgos individuales y elementos identificativos, que pueden encajar en la vida de cualquiera. El objetivo del juego es conseguir que los personajes siempre estén felices y sólo se alcanza ganando cada vez más dinero, que a su vez invierten en compras materiales, como muebles, ropa o aparatos electrónicos. De esta manera, se establece una relación entre felicidad y adquisición de artículos nuevos, algo que se ve reflejado cada día en la sociedad actual.
http://cacmalaga.org

28 de noviembre de 2012

Dj Simpson at Helga de Alvear



Desde hace ya más de una década, el artista británico DJ Simpson ha desarrollado un singular y
notablemente consistente cuerpo de trabajo donde el proceso pictórico se convierte en el principal objetivo de sus investigaciones: a través de la técnica denominada «routing» —o «enrutamiento»—,elimina las capas de materiales que previamente selecciona y superpone meticulosamente, desvelando aluminios, maderas contrachapadas o plexiglás. En definitiva, mientras que en una pintura convencional la superficie primigenia es la tela sobre la que se añaden los diferentes materiales, Simpson, por el contrario, toma como punto de partida una superficie terminada industrialmente para luego comenzar a sustraer el material de la misma.
En sus proyectos más recientes, ha pasado de usar superficies readymade, a involucrarse cada vez más en el proceso de manufacturación del soporte, y que ha tenido como resultado su primer gran encargo público: tras una estrecha colaboración con los fabricantes de revestimientos arquitectónicos, produjo para el Olimpic Park de Londres una sorprendente superficie de aluminio anodizado perforado.
En este nuevo grupo de obras que ahora presenta en la Galería Helga de Alvear, DJ Simpson inicia una nueva fase en la evolución de sus preceptos artísticos. En ellas recubre delgadas chapas de aluminio plegadas con pintura de polvo o epoxy —utilizada generalmente para tintar las carrocerías de los coches—. Esto le permite al artista reflexionar sobre las cualidades y el comportamiento de los materiales, y finalmente entrar en diálogo con el arte moderno. No obstante, y aunque pudiera parecer evidente relacionar estas estructuras con aquellos experimentos previos del Art Process —los de Lynda Benglis con el latex o Richard Serra con el plomo—, podría ser útil servirse de la diferencias de DJ Simpson con el arte procesual de las décadas de los 60 y 70 para terminar de definir este nuevo trabajo del británico.
Robert Morris, en su ensayo de 1970 Some Notes on the Phenomenology of Making: The Search
for the Motivated [Algunas notas sobre la fenomenología de la producción: la búsqueda de lo
motivado], establecía como problema fundamental la liberación del arte de todo aquello que fuera arbitrario, y ante esto, propuso y defendió las principales ventajas del ejercicio del proceso, donde el comportamiento de los materiales cuando se les deja a su suerte o sometidos a su inercia natural y devienen en formas —o si se prefiere, «formlessnesses»—, eran supuestamente no arbitraria.
Simpson, sin embargo, no se molestará demasiado por la aparición de formas arbitrarias en la obra. Las líneas y marcas en las superficies de éstas son más un medio para indicar la ocupación espacial y la atmósfera que de enmarcar la estructura visual. Además, nunca se presentan como producto del proceso aislado sobre un material, sino como fruto de la colisión de procesos distintos sobre también distintos materiales y no relacionados habitualmente —como aquí, por un lado el plegado de la chapa de aluminio y por otro el revestimiento de epoxy—, un choque que por otra parte es constante en los intereses que circulan en la trayectoria del artista y que generalmente se nos presentan sorprendentes. Y ya por último, y en tercer lugar, no entiende el proceso como una forma de mostrar los artificios del arte, sino más bien como modo de vincular el arte con la tecnología: el proceso es para Simpson inherente a lo tecnológico y por tanto, a lo histórico.
http://www.helgadealvear.com

26 de noviembre de 2012

Cyprien Gaillard_Rubble and Revelation_Caserma XXIV Maggio_Milano 2012

 


En pocos años, Cyprien Gaillard (París, 1980) ha emergido como uno de los artistas más interesantes de su generación, tras ganar premios de gran prestigio como el Premio de arte joven de la Galería Nacional de Berlín (2011) y el Premio Marcel Duchamp Centre Georges Pompidou en París (2010); ya ha expuesto en  los museos más respetados del mundo (la Tate Modern de Londres, el Hamburger Bahnhof de Berlín, el MoMA de Nueva York y el New Museum de Nueva York); y ha participado en los principales eventos internacionales como la Bienal de Venecia, la Gwangju Biennale y la Bienal de Berlín.
El nuevo proyecto del artista francés se encuentra en la  Caserma XXIV Maggio, una fascinante joya de la arquitectura industrial construida en estilo románico en 1898; Clausurada en 2005, después de haber sido utilizada por más de un siglo para abastecer de pan a todos los complejos militares en Lombardía y después de alimentar la ciudad entera de Milán durante la II Guerra Mundial.
Concebido para la panadería militar de Caserma XXIV Maggio,  "escombros y revelación", presenta una selección de obras  recientes que reflejan  destrucción y deterioro,  llevandonos  a un viaje por el pasado y el presente, en medio de contextos que llevan las cicatrices de transformación violenta y las señas de identidad del colapso.Como arqueólogo, sondeando los restos de la modernidad, Cyprien Gaillard documenta la vida y  la gradual disminución de monumentos. Él inmortaliza estas ruinas y reliquias en fotos, videos, esculturas y collages que transmiten su obsesión con la poesía. Para rastrear las raíces de los dramáticos cambios sociales, Gaillard compila un amplio archivo de imágenes en el que cada detalle es un fragmento de la memoria colectiva, un pedazo de historia coral. Explora el poder de las imágenes y el miedo que pueden inspirar, lo iconoclasta y el vandalismo son recurrentes temas en su obra,  revelando  un profundo interés en el proceso perenne de borrado y reescritura que se someten a monumentos e iconos a lo largo de la historia,  proceso  en una época sacudida por las protestas callejeras y los desastres naturales.
La Arquitectura, con sus símbolos comerciales globalizados y sus efigies del poder, es una disciplina que fascina a Gaillard con su potencial para influir profundamente en el comportamiento humano. Edificios modernistas, ruinas en los  barrios en las afueras de la ciudad, desmoronando torres, rascacielos, fortalezas militares y bunkers, convertidos en el escenario para que una Historia Natural de la destrucción (por citar ensayos del escritor alemán W.G. Sebald sobre la devastación causada por los bombardeos durante la II Guerra Mundial). Dentro de ella, el artista pone de relieve la dinámica que rigen las interacciones sociales y las relaciones entre el individuo y el grupo.

23 de noviembre de 2012

Heimo Zobernig en el Reina Sofía







Heimo Zobernig (Mauthen, Austria, 1958) aborda con aspecto crítico diversos medios como la pintura, la escultura, el vídeo, la instalación, la intervención arquitectónica y la performance. En sus obras cuestiona el relato del arte en medios como la arquitectura, el diseño y el teatro al remover posiciones ideológicas subyacentes, reinterpretándolas con una característica economía de medios, materiales y metodologías.
Para este artista la reflexión sobre el propio modelo expositivo y su contexto adquieren un interés central en sus creaciones. Con motivo de esta retrospectiva a él dedicada en el Palacio de Velázquez el propio espacio expositivo adquiere relevancia como instalación contendor; Zobernig subvierte la función habitual de la obra de arte al descabalgarla de su aura, anulando el boato que rodea una exposición, y la distancia entre obra y público.
Así, los propios mecanismos expositivos toman el lugar de las obras y el espacio pasa a ser parte esencial de la muestra. El palacio se convierte en un lugar diáfano, quedando solamente algunos tabiques removibles procedentes de la exposición temporal anterior que suscitan un antagonismo entre permanencia-obsolescencia. Zobernig, mediante su alineación, convierte estos muros en obras escultóricas, al tiempo que denuncia su temporalidad. La estructura del palacio se viste con telones, configurando una escenografía grandilocuente e íntima en la que se exponen algunas de sus esculturas de menor formato.
La puesta en escena del arte constituye una reflexión patente en la obra del artista: telones, pantallas en blanco y elementos arquitectónicos como paredes temporales y suelos enmoquetados semejan una obra de arte minimalista que a la vez desempeña su función como soporte de otras obras. Se evidencia la escenificación del arte como motor del mismo. El público debería participar cuestionando su propio ser, además de como simple espectador, como vínculo entre objeto y discurso, de tal modo que se dé de en el espectador un fenómeno de apropiación y reflexión sobre la creación de significado dentro y fuera de las artes. Finalmente el espectador, así enfrentado a estas cuestiones sobre los métodos y formas de representación y exposición, deviene protagonista plural del proceso de resignificación del arte.
Photography © Joaquín Cortés / Román Lores. Image courtesy of Museo Nacional de Arte Reina Sofía. 2012.
www.museoreinasofia.es/