28 de diciembre de 2011

Rafael Cidoncha @ Unesco

André Leon Talley lidera a 30 africanos anónimos en la Unesco, todos inmortalizados por el trabajo pictórico de Rafael Cidoncha en la exposición Out of Africa. No es que el André Leon Talley sea el afroamericano más importante y relevante de los Estados Unidos, ni tan siquiera tiene que servir de ejemplo modélico. Pero es cierto que tiene un enorme mérito que, superando las barreras raciales y de sobrepeso, llegara a convertirse en el subdirector del Vogue América. Razón más que de sobra para que su físico obispal sea objeto principal de esta exposición del artista Rafael Cidoncha en la sede parisina de la Unesco, donde la institución cierra el International Year for People of African Descent con esta muestra titulada Out of Africa. Su retrato, como comenta el crítico Román Padín Otero, recuerda al que Velázquez hizo en su día al Papa Inocencio X. “En la actual exposición, Cidoncha reinterpreta el retablo poniendo en su centro a un personaje axial de la religión hipermoderna, la moda, y a su alrededor hace figurar una pléyade de personajes, en retrato de efigie de busto, que son las estaciones figuradas de la vida del principal. La moda, nos impele a usar hábitos como iconos, dentro de los que colocamos nuestras caritas anónimas”, otros 30 afroamericanos retratados por Rafael Cidoncha, vigués de 60 años residiendo en París, referente presente y futuro de la pintura figurativa.

Out of Africa: del 14 al 20 de diciembre de 2011. Maison de l’Unesco, Sala Miró III. Place de Fontenoy (Paris)

cortesía http://www.neo2.es/blog/2011/12/rafael-cidoncha-en-la-unesco/

23 de diciembre de 2011

Yasumasa Morimura @ Juana de Aizpuru, Madrid

Interesante la exposición con la galería madrileña Juana de Aizpuru, con la que despide el año. La galería, siempre en la brecha a pesar de las fechas tan desordenadas para el mundo del contemporáneo, como es diciembre.
El artista japonés Yasumasa Morimura (1951), muestra a través de sus muy afamadas apropiaciones de imágenes, fotografía y dos muy interesantws videos, la Historia , y la Historia del Arte del siglo XX, llenas de ingenio y humor, incluidas referencias familiares (tienda de té), un mundo personal que roza el su interés por el Kabuki, y su pasión por iconos reconocibles, como la imagen de Ghandy leyendo, en este caso, manga japonés. Morimura, inserta su propio rostro en las imágenes, manteniendo las propiedades básicas del mismo. La idea general trasmite un cuestionamiento de la idea de belleza, así como la exploración de diferentes géneros y las relaciones entre ellos.
Amante del Museo del Prado, visita Madrid con deleite, donde se inspira para nuevos trabajos en relación a grandes obras de la Historia del Arte español, que podremos ver en su próxima exposición.
www.juanadeaizpuru.es/

20 de diciembre de 2011

Tauba Auerbach at Bergen Kunsthall









Todas las imágenes de arriba: Tauba Auerbach, vista de la instalación de Tetrachromat, Bergen Kunsthall, Noruega, 2011. Cortesía del artista, Paula Cooper Gallery, Nueva York y estándar (OSLO), Oslo. Fotógrafo: Vegard Kleven.
Taula Auerbach (1981), se ha revelado como una joven promesa con lenguaje propio, que va ganando terreno poco a poco, a pesar de su juventud, tiene un buen reconocimiento por su buen hacer y su buen ritmo de trabajo de calidad.
Interesada por la superficie y el soporte en la pintura, tema central en sus últimos trabajos, entreteje posiciones discordantes como el desorden , el orden de la legibilidad y la abstracción , la permeabilidad y la solidez en los fenómenos que son por lo general incompatibles en las superficies pictóricas.
El título de la exposición juega con la noción de la visión "tetrachromatic". Normalmente, las personas perciben el mundo que les rodea trichromatically (en tres colores). Los seres humanos tienen tres tipos de receptores para la percepción del color con sensibilidades diferentes: rojo, verde y azul. Una nueva teoría que existe de que puede haber un pequeño porcentaje de personas (sólo mujeres) que tienen un receptor cuarto color, lo que les hace "tetrachromatic. Para poder jugar en esas ideas de un cuarto componente que, si se pudiera probar, cambiaría radicalmente nuestra visión del mundo, Auerbach utiliza dos analogías en esta exposición, el espacio (la idea de una cuarta dimensión) y el espectro ( un espectro de colores cuarto).
Desde 2009, Auerbach ha creado un cuerpo de trabajo que ella llama "fold paintings".En la medida en que oscurecen los límites entre dos y tres-dimensionalidad, estas pinturas se puede entender como una analogía que plantea la posibilidad de un concepto de cuatro dimensiones. En estas pinturas se retuerce y se pliega el lienzo, el planchado es de tal manera que los pliegues están incrustadas en el material. A continuación, el lienzo pintado gira hacia fuera , mientras que todavía tiene sus tres dimensiones del contorno. El resultado, después de la pintura se haya secado y el lienzo ha sido extendido , es un registro casi perfecto de la anterior forma tridimensional de la superficie. La superficie adquiere un trompe l'oeil, como una reproducción convincente de la forma tridimensional sobre una superficie, así, no se diferencia de la pintura mimética tradicional , pero en este caso sobre la base de la inventiva en lugar de virtuosismo pictórico.
Auerbach trabaja a menudo en serie en la que utiliza metodologías de carácter artesanal, tanto digitales como sistemas más antiguos, como signos de la pintura o el tejido, no por nostalgia, sino para lanzar ideas en torno a "tecnologías" en relieve. Por lo tanto, es quizás también una consecuencia natural de que trata la pintura como una tecnología en igualdad de condiciones con otras formas visuales de comunicación, a partir de la escritura cuneiforme de la antigua Mesopotamia a la impresión digital.
Las pinturas a veces se relacionan directamente con esta forma de entender la pintura, como la tecnología, donde se las cualidades mecánicas que son específicas para el medio son explotados, sino también la fuerza de la pintura a comporta de maneras que no asociamos con otras tecnologías. Recordando el proceso fotográfico, la pintura es "desarrollada" en el transcurso del tiempo que se tarda el spray de pintura en fijarse a la superficie, en la misma forma que una imagen se desarrolla en el papel fotográfico en el baño químico en el cuarto oscuro, o en el cine en la cámara. Los contrastes y los contornos en los cuadros de Auerbach son igualmente intensificado por una mayor "exposición" de la pintura sobre lienzo.
Además, de desarrollar esta serie de pinturas , Auerbach ha producido toda una serie de obras para la exposición en Bergen Kunsthall. Donde explota diversas técnicas de tejido cortando la tela en tiras, sólo para ser tejidas juntas otra vez,formando una serie de patrones diferentes, diseñados por la propia artista. En lugar de presentar espacialidad por medio de los colores, que se acumula a través de la superficie de la pura estructura y forma. En estas obras se Auerbach su punto de partida es la figura de la esquina, que es precisamente una condición previa de la tridimensionalidad.
Tauba Auerbach ha trabajado mucho tiempo con diferentes tipos de producción de libros. Recientemente, estos se han convertido en piezas escultóricas independientes que continúan la investigación de Auerbach en la multidimensionalidad y la importancia del color en el espacio. Ella presenta varias esculturas, a modo de nuevos libros que conforman esta exposición, y en una forma en que estos funcionan como manuales para pensar en el proyecto constantemente en torno a la pregunta "¿Cómo podemos imaginar lo que es imposible de sentir?"
Aunque Auerbach basa gran parte de su inspiración de las matemáticas y la física, sus investigaciones visuales tratar por igual con los temas básicos de la historia del arte. Sus obras plantean cuestiones fundamentales de nuevas maneras, entre ellas la representación de la realidad tridimensional en una superficie de dos dimensiones, y la relación entre la abstracción y la representación.
http://www.kunsthall.no/

19 de diciembre de 2011

La persistencia de la geometría. CaixaForum Madrid


Explendida exposición , bien organizada e impecable montaje, que facilita la compresión de la geometría a parte del público poco acostumbrado a pensar sobre ello. Artistas emblemáticos y piezas soberbias, dentro de la geometría, tema ya clásico pero que aún tiene mucho que decir. No os perdáis la pieza de james lee Byars o Donald Judd entre otros .
La persistencia de la geometría muestra conjuntamente obras de las colecciones de arte contemporáneo de la Fundación "la Caixa" y del Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA). La exposición, fruto del acuerdo de colaboración suscrito entre ambas instituciones, propone un recorrido por sendas colecciones a partir del uso que de la geometría se ha hecho en la escultura y en la instalación desde los años sesenta hasta nuestros días.
La geometría siempre ha estado presente en el arte, aunque no ha sido hasta el siglo XX cuando se ha teorizado más a fondo sobre su uso. En las primeras décadas estuvo íntimamente ligada a los conceptos de abstracción y modernidad. Su empleo facilitó el alejamiento de la representación de la realidad y alentó la aspiración de crear un nuevo lenguaje visual que encarnara las ideas de pureza y perfección. A mediados de siglo, la geometría halló un nuevo desarrollo con las formas elementales y simples que impuso la escultura, en particular la originada por el minimalismo norteamericano. Sus artífices purgaron el arte abstracto de contenidos simbólicos y lo bajaron del pedestal idealista para situarlo al mismo nivel que las cosas del mundo.
En la década de los años sesenta, las formas geométricas de la escultura se extendieron a otras prácticas ―que abarcan instalaciones, películas, vídeos y fotografías― con las que se exploraron distintos aspectos de la construcción de la obra de arte: su naturaleza performativa, el proceso, las propiedades de la luz y el carácter temporal de la percepción, entre otros. Desde entonces, la forma geométrica se ha utilizado con una nueva actitud que apela tanto a lo sensorial como a una reflexión de índole cultural, social o política. Muchos artistas contemporáneos han reutilizado el vocabulario geométrico como estilo y modelo de representación, y lo han convertido en recipiente de nuevos contenidos. Es así como la geometría abandona el concepto de abstracción y se reviste de contenido figurativo o de una intención referencial.
www.obrasocial.lacaixa.es

15 de diciembre de 2011

Azzedine Alaïa at Groninger Museum

El Museo de la ciudad holandesa de Groninger, presenta toda la fantasía del creador francés de origen argelino Azzedine Alaïa, creaciones de unos de los couturiers en activo, mas interesantes sin duda del momento, todas ellas realizadas en el sigo XXI.

13 de diciembre de 2011

Defining Contemporary Art / Phaidon

Defining Contemporary Art: 25 Years in 200 Pivotal Artworks

http://es.phaidon.com/agenda/

Tobias Rehberger at Museum Dhondt-Dhaenens

Tobias Rehberger (Esslingen, 1966, vive y trabaja en Frankfurt) es sin duda uno de los artistas alemanes más influyentes y exitosos de su generación. Desde hace veinte años, ha estado trabajando en un conjunto coherente de trabajo en el que socava los ideales artísticos como el genio y la autenticidad. El uso de estrategias desde el ámbito del diseño, donde examina el significado del arte y cuáles son las posibilidades futuras de producción de arte. Los objetos que crea son versátiles y pueden ser varias veces adaptada al contexto en el que están diseñados para funcionar. De esta manera, la obra de Rehberger evoluciona en un torbellino impredecible y juguetón de formas y colores deslumbrantes.
Para su proyecto en el Museo Dhondt-Dhaenens, Rehberger desarrolla una serie de grandes esculturas abstractas y coloridas, donde la sombra de las esculturas en las paredes circundantes son al menos tan importante como los propios objetos. Efectos especiales de iluminación y la lenta rotación de las esculturas hacen que,en determinados momentos del día, las sombras amorfas en las paredes forman un mensaje oculto.
Images courtesy of Museum Dhondt-Dhaenens, Deurle. Photos by Virginie Schreyen.
http://www.museumdd.be/

7 de diciembre de 2011

Art Basel Miami Beach / Arte+ Diseño+ Moda

Sin duda Art Basel Miami, es mucho mas que una feria de arte contemporáneo, durante esa semana, la ciudad da mucho de sí, Arte , Diseño y Moda se unen en multitud de eventos pararelos, interrelacionando esa tres disciplinas que a veces parecen ir de la mano.
El Arte marca tendencia y la sociedad de consumo se nutre de ella , solo hay que ver estos ejemplos.
El artista británico Liam Gillick, realiza su primera colección para la firma Pringle of Scotland, firma de lujo que aprovecha la estela de la feria para desplegar sus nuevos lanzamientos en el ya muy conocido design district de la ciudad. Así el nuevo matrimonio entre la maison francesa Dior y el artista Anselm Reyle, con su camión-café de camuflaje lleno de color para la ocasión, su "nails bar", y el que seguro será un éxito de ventas Reyle Dior bag . Sin olvidar el espacio temporal, muy del momento, de la joyería Cartier y sus trabajos móviles de reminiscencias caleidoscópicas, al alimón con la brasileña Beatriz Milhazes, así como el suizo Olaf Breuning, realiza una colección en objetos de piel, para la tambien suiza firma Bally. Colecciones todas ellas muy próximas a ser objetos de arte, según las describen sus autores.
Dior; Dimitrios Kambouris/Getty Images for Dior
Photographs by Cartier

5 de diciembre de 2011

Martin Boyce ganador Turner Price 2011

El artista, Martin Boyce ganó hoy el premio Turner 2011 de arte contemporáneo, uno de los más importantes del mundo, con un homenaje escultórico a la arquitectura.
Boyce se impuso a los otros tres nominados, el pintor George Shaw, la videoartista Hilary Lloyd y la creadora de instalaciones Karla Black

El escocés, de 43 años, a través de objetos cotidianos inspirados en los diseñadores modernistas, como una papelera, una mesa de trabajo o una ventanilla de ventilación, consigue crear una instalación atmosférica basada en la escultura.
Según los críticos, el gran acierto de Boyce es saber moverse entre la rudeza de los elementos urbanos y la poesía, consiguiendo crear un lenguaje propio que ha convencido a los miembros del jurado.

1 de diciembre de 2011

Art Basel Miami Beach 2011




En los últimos años , el Arte (Contemporáneo), se ha convertido en uno de los poco refugios económicos recomendables, así lo demuestra la buena marcha de la presente edición de Art Basel Miami Beach.

La feria de arte contemporáneo mas importante de Norteamérica, no solo por su facturaración, sino por el eje geoecómico donde se desarolla, sin lugar a dudas, punto efervescente con respecto a la creación artistica del momento; Colombia, Brasil, Perú, así como México, son los nuevos centros de producción del otro lado del Atlántico, una nueva generación de artístas y coleccionistas que avanzan con fuerza, no hay que perderlos de vista.