30 de septiembre de 2010

Marc Newson @ Gagosian gallery NY




Marc Newson, uno de los mas influyentes diseñadores del momento, siempre a caballo entre una multitud de diversas disciplinas, nos sorprende con una nueva incursión.
Su exposición en la relevante galería Gagosian de Nueva York, muestra una serie de diseños dedicados al transporte (Aviones monoplaza, bicicletas, coches), temática recurrente en su trabajo, donde sobresale una nueva versión de la glamurosa e icónica lancha italiana Riva, actualizando el clásico modelo de los cincuenta, que parecía imposible mejorar, en una edición limitada de 22 Aquariva by Marc Newson.
"Aquariva by Marc Newson is a natural extension of the artist’s work with planes and automobiles. The result is a brilliant blend of form and function, looking back to La Dolce Vita of the 1950's and 1960's and forward to the latest trends in nautical design," says Larry Gagosian.
http://www.gagosian.com/exhibitions/2010-09-14_marc-newson/ www.marc-newson.com/

28 de septiembre de 2010

Maurizio Cattelan en Milán .

EPA/MILO SCIAKY.
La nueva escultura de Maurizio Cattelan , ha provocado una vez mas un animado debate en la capital financiera Italiana, la escultura en mármol de 11 metros, situada frente a la Bolsa milanesa, titulada L.O.V.E, forma parte de la restrospectiva del artista en el Palacio Real de Milán.
Consultado sobre el significado de la obra, Cattelan dijo "que su trabajo fue más un acto de amor que un comentario sobre el mundo financiero".
La instalación ha provocado críticas entre los políticos locales e intelectuales sobre los aciertos y errores de mostrar una obra provocadora en un espacio público, como la plaza de Bolsa.

26 de septiembre de 2010

Sperone Westwater Gallery Bowery






El uno de noviembre de 2008, la galería neoyoriquina Sperone Westwater anunciaba el cambio de sede y su traslado al barrio de Bowery, junto al New Museum, conformando una respuesta audaz de diseño y emplazamiento, en una nueva zona que se revaloriza día a día y que conforma el nuevo tejido cultural de Manhattan.
El diseño minimo-futurista ha sido realizado por el estudio de arquitectrura Foster & Partners, un único edificio de múltiples plantas que otorga un caracter singular a las galerías de Nueva York, y por ende al resto de occidente. Coronado por una biblioteca, el edificio está comunicado por un ascensor en que luce con toda elegancia una conocida pieza del artísta argentino Guillermo Kuitka, uno de sus muchos artistas que represetan.
La galería ofrece diferentes espacios expositivos, que pueden variar en proporción y ambiente. Uno con doble altura a pié de calle, una terraza de esculturas con vistas al parque, además de las galerías en los pisos intermedios de la cuarta y quinta planta, la sexta planta donde se ubican las oficinas, mientras que el sótano está reservado para almacén. La fachada de cristal molido aisla los diferentes espacios de temperatura extremas así como contaminazión acustíca del exterior.
Vía Foster + Partners / http://www.speronewestwater.com/

23 de septiembre de 2010

Franz West @ Gagosian Roma



Echolalia, 2010
Sculpture: paper maché, foam, gauze, cardboard, wood, steel, acrylic paint; Seating: steel, foam, linen, wood
Dimensions variable
Lukas Schaller/Courtesy Gagosian Gallery
http://www.gagosian.com

Biziak

Es un proyecto, bajo el prisma de una filosofía no lucrativa, dirigido por el artista Pepo Salazar que pretende abrir a colegas y profesionales del arte varios espacios de su estudio para activar un cierto grado de camaradería entre los productores. Los conceptos que determinan el proyecto comprenden, a grandes rasgos, una filosofía que difiere de los determinismos y presiones del intercambio comercial e institucional (económicos y simbólicos), un posicionamiento litigioso en cuanto al estatus del “lugar” artístico. Una dinámica del reciclaje de conocimientos y producciones varias que la situación mercantilista actual y la velocidad de los intercambios suprime.
Asimismo, Biziak se plantea como un lugar para la reunión y la charla que esta pensado para ser difundido por los propios interesados y actores, sin comunicados a la prensa, para no contribuir al elevado grado actual de saturación de las necesidades. Biziak, por otro lado pretende desclasificar el producto cultural y artístico como información privilegiada, canalizando y mostrando la información ya existente en las redes y otros canales.
Biziak está abierto al público en horario indeterminado y en función de las actividades en el espacio, por lo que se recomienda la visita con cita previa. biziak@biziak.com

EXHIBICION INAUGURAL “TEENAGE RIOT”

Olga Adelantado, Marc Bijl, Carlos Garcia Peláez, Jean Giraud, Juan Pérez Agirregoikoa, Raymond Pettibon, Wilfredo Prieto y Fernando Sánchez Castillo.

Vía >http://www.neo2.es/blog/2010/09/biziak/

29 Bienal de Sâo Paulo

Francis Alÿs (Tornado)
Milton Machado (Historia do Futuro)
UN Studio
Mateo López ( Palacio de Papel)

A Fundação Bienal de São Paulo é uma das mais importantes instituições internacionais de promoção da arte contemporânea, e seu impacto no desenvolvimento das artes visuais brasileiras é notadamente reconhecido. A Bienal de Artes, seu mais importante evento, não apenas apresenta aos diferentes públicos a produção de artistas brasileiros e estrangeiros, mas também atrai os olhares do mundo para a arte contemporânea de nosso país. Mais que isso, o evento atua como um periscópio, na medida em que quebra o isolamento de um país cujas condições socioculturais e dimensões dificultam o contato com essa ampla produção, e promove a insubstituível aproximação com as obras – cujas imagens digitais na tela do computador jamais provocarão o deslumbramento e a revelação do momento íntimo diante da arte.

Após a realização da 6ª Bienal de Artes, a Fundação foi criada (1962) para levar adiante a mostra, que até então era promovida, com muito sucesso, pelo Museu de Arte Moderna de São Paulo - MAM-SP. E o pavilhão que a instituição ocupa, até hoje sua casa, só veio a abrigar as exposições Bienais a partir da sua 4ª edição, em 1957. Desde 1951, foram produzidas 28 Bienais – este ano chegaremos à 29ª Bienal de São Paulo, com uma aura bem-vinda de recomeço.

A Bienal está prestes a celebrar sessenta anos. Neste momento em que olha ao mesmo tempo para seu passado, e inevitavelmente imagina e investiga seu futuro, a instituição está construindo um novo website, cuja função, esperamos, vá além de simplesmente contar uma história. A presença da Fundação Bienal no mundo digital agora apresenta-se como uma viagem exploratória: o que surgirá dessa missão ao desconhecido? Esteja atento, em breve você também fará parte disso.

25 Sep / 12 Dic http://www.29bienal.org.br/


22 de septiembre de 2010

Hans-Peter Feldman @ Museo Reina Sofía


Hans-Peter Feldmann creció durante la postguerra alemana, un mundo desprovisto de imágenes. Para él las escasas imágenes que encontraba a su alrededor eran ventanas a otros mundos. Fascinado, empezó a coleccionarlas, recortarlas y pegarlas en álbumes, y ha seguido haciéndolo hasta hoy. Por eso no es extraño que cuando empezó su carrera como artista, a finales de los años 60, cubriera la parte de atrás de sus pinturas con collages de fotos, o que más tarde hiciera unos libritos modestos con tapas de cartón e imágenes en offset de un mismo tipo de objetos: aviones, camas deshechas, rodillas de mujer, etc. Los titulaba 2 imágenes (2 Bilder) o 7 imágenes (7 Bilder), según el número que contenían. También comenzó a recoger en las 36 imágenes de un carrete analógico, a la manera de fotos-fijas de cine; hechos triviales: un barco pasando por el río, la mujer de enfrente limpiando la ventana, dos chicas vistiéndose en la piscina. En estas secas y poéticas series que llamó Time series, no suele haber nada extraordinario, sólo el flujo invisible del tiempo detenido para examinarlo. Años más tarde expandió su reflexión en un libro y una serie de 101 retratos fotográficos que llamó 100 Years(100 años), en cada foto mostraba una persona, de entre ocho meses y un siglo. Las personas retratadas eran familia o amigos del artista. Para él fue una manera de mediar con el paso del tiempo; para nosotros, la serie hace de bisagra entre la memoria personal y la colectiva, nos recuerda que el tiempo pasa para todos y cuando la recorremos, inevitablemente comparándonos con las personas retratadas de nuestra edad, repasamos 100 años, toda una vida.

Aunque para el libro 100 Years hiciese una serie de cuidadas fotografías en blanco y negro que entroncan con la mejor tradición del retrato fotográfico y haya realizado series de fotos de gran formato, el trabajo de Feldmann se nutre de instantáneas, fotos de aficionado y toda clase de imágenes corrientes. No le atrae la foto individual sino la serie, o más bien lo que aparece cuando juntamos varias imágenes. Suele repetir que “una foto es un trozo de papel, un objeto; si la miramos nos produce sentimientos o estados de ánimo. La foto de un muerto puede hacernos sentir pena, y si es la de un niño, ternura, pero no es la foto la que lo produce, es nuestra mente. Además esto sucede con todo tipo de fotos buenas, malas, colectivas o privadas”. Y eso es lo que le interesa, el espacio que se abre entre lo que son las cosas y lo que significan para nosotros. Le gusta indagar cómo llenamos de sentido imágenes y objetos en nuestro día a día. Cuando no utiliza fotografías, lo que quiere es que se nos abra una imagen en la cabeza. Por ejemplo, la habitación con la cama deshecha, la ropa desordenada y una foto de mujer en la mesilla es el primer fotograma de una historia que cada persona debe completar.

El universo de Hans-Peter Feldmann es la vida ordinaria. De ahí extrae sus temas y los materiales que emplea. La cotidianidad donde inscribe su trabajo se define por oposición a otros niveles de la actividad humana, es el reverso de la moneda del espacio social capitalista tapizado de imágenes superlativas y retocadas que nos animan al consumo. En cambio, Feldmann parece querer neutralizar sus imágenes, presentándolas materialmente pobres y estéticamente indefinidas, como si quisiera forzar el límite de sus cualidades expresivas. Además, se mantiene emocionalmente a distancia, se limita a informarnos o mostrarnos algo que ha encontrado, esperando que nosotros lo carguemos de sentido. Así su serie All the clothes of a woman (Todas las ropas de una mujer) muestra lo que el título describe: 70 piezas de ropa femenina, una a una. Las ropas son modestas. Sin embargo, este archivo de fetiches humildes conjura a través de la ausencia una historia (¿de amor?). También las fotos de su serie de radios de coche son anodinas y seguramente en otro contexto no les prestaríamos atención, pero al leerlas a la luz de su título Car radio when good music is playing (Radios de coche mientras suena buena música) las hacemos nuestras. ¿Quién no recuerda un momento así?

Feldmann pertenece a la generación que llegó a la mayoría de edad en los años 60, una generación reconocida por cuestionar la autoridad en todas sus formas y buscar nuevos modos de vida que dieran sentido a la vida cotidiana. El arte de ese momento abandona la solemnidad y el autismo de la abstracción buscando una nueva relación con la vida. El interés se desplaza del objeto a los procesos, mientras se cuestionan los sistemas de producción y consumo del arte. Los valores de autoría, singularidad formal y rareza en los que se basa el mercado son rechazados. En los años 70, un editor perseguía a Feldmann para que hiciera un tipo de libro para producir en serie, quería un objeto artístico seriado para vender. Feldmann le daba largas, pero el editor no cejaba, y al final le hizo una propuesta: un billete de 20 marcos de curso legal, de edición ilimitada sin firmar y al precio de 20 marcos. El editor, que no debía carecer de humor, aceptó. Hasta hoy, Feldmann ha seguido sin firmar su trabajo y produciendo el número de copias que desea sin numerarlas. Esta actitud, reflejo de una posición vital y moral frente al mundo, lo ha convertido, en los últimos años, en un referente para los artistas más jóvenes.

Cuando aborda experiencias colectivas suele utilizar los medios de comunicación. Su libro Die Toten(Los muertos), 1967-1993, es un archivo exhaustivo, elaborado con fotos extraídas de la prensa, de todas las personas que murieron en el enfrentamiento entre terroristas y fuerzas del Estado en Alemania en dicho período. En cada hoja hay una foto y debajo el nombre y la fecha de defunción. Al final del libro hay un índice con el nombre de la persona, el lugar y la causa de su muerte. No hay comentarios. El libro recoge la herida social de esos años con respeto a ambos lados del conflicto, aun así el libro ha sido objeto de polémica en Alemania.

Las imágenes del 11 de septiembre de 2001 fueron mostradas de forma unánime por todos los medios de comunicación. La instalación “9/12” recoge a través de 150 periódicos de diversas partes del mundo la reacción frente a lo impensable: todos los periódicos tenían la misma noticia en portada. Es interesante comparar cómo se cubre la noticia -el titular, el espacio, etc.- según el periódico que la lleva. Desde sus inicios como artista, los medios de comunicación han sido un campo de interés para Feldmann, que ha publicado diversas revistas de imágenes sin texto, como Ohio o Cahier d’images, o bien ha intentado, con mejor o peor fortuna, infiltrarse en ellos subvirtiendo su lógica. A finales de los años 90 consiguió que Profil, el semanario de opinión vienés, publicara un número exactamente igual, pero sin texto alguno, sólo con las fotografías. Su Profil es un mundo de imágenes que hemos de mirar sin un texto que nos diga cómo debemos leerlas.

Quizás la obra que mejor ejemplifique el espíritu de Feldmann sea su última instalación Shadow Play. Al entrar en el espacio, vemos la pared del fondo cubierta, de lado a lado, por imponentes sombras que se acercan y se alejan. En el centro, entre la pared y el espectador, encontramos unas mesas giratorias llenas de muñecos y objetos baratos que, iluminados por detrás, crean las sombras. En las mesas hay bastante desorden y se ven restos del montaje. El truco está a la vista, pero la magia no desaparece. Según el artista, “en realidad es un montón de baratijas y desperdicios cuya acumulación crea en nuestros cerebros algo completamente nuevo durante un determinado tiempo: una sombra chinesca”. Estas sombras nos transportan a la infancia donde cualquier imagen podía ser una ventana a otro mundo, porque el arte, como Feldmann dice, “es un evento, una impresión, una sensación, y más. Nunca es el objeto en sí”.

Helena Tatay
Vía Museo Reina Sofía > http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/actuales/hans-peter-feldmann.html

21 de septiembre de 2010

Mario Testino @ El Museo Thyssen-Bornemisza




El Museo Thyssen-Bornemisza presenta, por primera vez en España, la obra del fotógrafo peruano Mario Testino. La exposición consta de 54 obras que muestran tanto su faceta como fotógrafo de moda -con imágenes realizadas para revistas como Vogue, Vanity Fair, V Magazine, Allure o The Face-, como fotografías más personales e impresiones realizadas para esta muestra. Combinando la fotografía analógica con los últimos avances en tecnología digital, el artista muestra el proceso y todas las implicaciones que supone la acción de desnudarse. Desde el glamour de las top model y celebrities vestidas con trajes de alta costura, hasta mostrar su belleza sin ropa. Son las diferentes caras del mundo de la moda que reflejan a la perfección la relación del fotógrafo con sus modelos y su icono de mujer, la “mujer Testino”, una mujer fuerte e independiente que se mueve en extremos completamente opuestos, Todo o nada, y que el fotógrafo ha definido y redefinido a lo largo de toda su carrera.
http://www.museothyssen.org

Rafael Cidoncha @ Marlborough NY



Con una veintena de nuevos trabajos, Rafael Cidoncha, se estrena en la galería neoyorquina Marlbourgh UpTown, habitualmente lo hace en su sede madrileña, donde podremos contemplar sus impecables juegos de realismo y abstracción, muy de nuestra cultura contemporánea, donde sus habituales códigos de audaces trabajo nos muestran su pasión por la arquitectura interior, la arqueología o sus conocidos temas vegetales que tantas emociones nos han dado.
* Además podemos ver sus pinturas en la magnífica ubicación de la sala de exposiciones Torreón de Lozoya de Segovia, con texto incluido del reputado filósofo francés Berand-Henry Levy una excursión que sin duda merece la pena.
http://www.galeriamarlborough.com/

20 de septiembre de 2010

Lara Almarcegui @ Secession, Viena




La artista Lara Almarcegui, afincada en Rotterdam, es una de las pocas artistas españolas con transcendencia internacional. Para su trabajo, Almarcegui, recopila datos históricos, geográficos, politicos y sociologicos sobre zonas vacantes en espacios urbanos que están en proceso de cambio, documentando su pasado, presente y futuro de estos entornos y estudiando sus caracteristicas, que generalmente no son foco de atención. Tierras abandonadas, materiales de construción y elementos invisibles, que conforman su códigos de creación.
Así ha realizado varios proyectos internacionales similares y que ahora le lleva al Secession en Viena . En su primera , obra en Austria, ha creado tres nuevas obras que la enlazan directamente con la ciudad y la sala de exposiciones histórica, reubicando materiales de la principal estación de ferrocarril, abandonada tras la segunda guerra mundial y demolida en la década de los sesenta del pasado siglo, huyendo de cualquier tipo de romanticismo sentimetal del pasado.

http://www.secesion.at / foto: Wolfgang Thaler

17 de septiembre de 2010

John McCracken @ David Zwirner

http://www.davidzwirner.com/

En 1966 John McCracken (1934) genera su firma escultórica, un pieza pieza de formato estrecho monocromático, un tablero rectangular que se inclina en ángulo contra la pared (en el lugar de una pintura) mientras que al mismo tiempo entra en el reino de las tres dimensiones y el espacio físico del espectador, de manera solemne y elegante. Esta nueva exposición en la galería neoyorquina Zwirner, se componen de tres "tablas" de bronce , primera vez que utiliza el metal para este formato, y cuatro columnas de acero inoxidable, objetos luminosos en la linde con la invisibilidad, ya que reflejan su entorno, con dimensión inmaterial, y por extensión entre lo físico y lo meta-físico. McCracken suele crear estas columnas para la instalación al aire libre, capaces de soportar condiciones ambientales extremas , que cambian de apareiencia de hora en hora, dependiendo del clima, ocupando una situación única en el contexto del arte minimalista.

13 de septiembre de 2010

12 de septiembre de 2010

Murakami & Château de Versailles





Icono para los Japoneses (incluido Murakami) como símbolo occidental de lujo y riqueza, el Castillo de Versalles se combierte en la sala de expociones perfecta para el artista Japonés.
Un ambiente de elegancia y sofisticación envolvente, ideal para sus piezas borroco-futuristas, de influencia onírica, donde mezcla iconos de oriente y occidente. El nuevo Samurai del arte nos lleva a su mundo de las maravillas.

7 de septiembre de 2010

Santiago Sierra @ Team Gallery N.Y.




Santiago Sierra, Uno de los artistas españoles mas cotizados, aparece en Nueva York , en la galería Team Gallery donde mostrará su trabajo "Los penetrados" que anteriormente pudimos ver en la galería madrileña Helga de Alvear.

“Los penetrados” parte de una propuesta : de la combinación de 110 elementos de dos colores y de dos géneros, tomados en parejas. En este caso, sin embargo, en lugar de ser cuerpos geométricos sólidos son cuerpos humanos. Esto es: hombres negros, hombres blancos, mujeres negras y mujeres blancas combinados entre si de dos en dos teniendo en cuenta si penetran o son penetrados. Las caras han sido borradas digitalmente para acentuar el carácter puramente modular de los intérpretes.

La acción se divide en ocho Actos; tantos como combinaciones se establecen entre los cuerpos activos y pasivos de negros y blancos: blanco-blanca, blanco-blanco, blanco-negra, blanco-negro, negro-negra, negro-negro, negro-blanca, negro-blanco.

El punto de partida teórico son grupos de 10 parejas sobre las que hay que aplicar la disponibilidad de la realidad actual en España. La geometría estructural teórica de la acción queda reflejada en una trama formada por las 10 mantas sobre las que se van a colocar las sucesivas parejas. Frente a esto, la realidad de la propuesta se manifiesta cuando alguna de las mantas queda vacía en aquellos Actos en los que las circunstancias no han podido proporcionar los elementos/intérpretes necesarios para llevarla a cabo. De esta forma en el Acto 3 sólo hay 3 parejas, ya que la presión policial hizo que la mayoría de las mujeres convocadas no se presentaran. Los condicionantes sociales y culturales, por su parte, dificultaron el encontrar varones pasivos de raza negra.

Las mantas grises construyen por lo tanto la trama perfecta sobre la que, con posterioridad, se aplicarán los condicionantes de la realidad. Los vacíos son una representación visual de la composición de la sociedad española actual. La propuesta de Sierra en números exactos y perfectos tiene que ajustar cuentas con la realidad como en anteriores ocasiones.

De espaldas a los ejecutantes un espejo en ángulo multiplica las parejas y los puntos de vista. El espejo como lugar de representación pero también como recurso para hacer extensivo al espectador lo que está ocurriendo en la pantalla: en el espejo uno se puede ver reflejado al tiempo que, al duplicar a los ejecutantes, parece abarcar a la sociedad al completo.

El elemento final de la acción es la penetración. Si habitualmente se identifica penetración con posesión (incluso en el diccionario y en el lenguaje literario llegan a ser sinónimos) la penetración anal tiene siempre una connotación negativa. Incluso en los momentos álgidos de la revolución sexual la reivindicación del sexo anal ha sido la más difícil y en casi todas las lenguas existe una expresión que identifica la penetración anal con el desprecio hacia el que es penetrado. Este trabajo se llama “Los penetrados”, así que es en ellos, en su pasividad y sumisión, en quienes recae el protagonismo.

Hay otra serie de trabajos de Sierra en los que pone en evidencia el funcionamiento de la sociedad capitalista y de mercado al remunerar a los participantes de sus acciones. En algunas de ellas se mezclan elementos como la remuneración y la variación de cuerpos geométricos (“Elevación de seis bancas, Munich, 2001”) o la remuneración y el sexo (“Diez personas remuneradas para masturbarse, La Habana, 2000”). “Los penetrados” no es una de ellos.

Aunque los actores hayan sido remunerados por su participación en la obra, esta no sólo se refiere a las relaciones establecidas entre el sexo y el intercambio económico, sino que utiliza el sexo como metáfora de las relaciones sociales que se establecen entre individuos de ambos sexos de raza blanca y negra.

Cortesía > http://www.teamgal.com & http://www.helgadealvear.com

6 de septiembre de 2010

Gert & Uwe Tobias +Thomas Kiesewetter @ CFA berlin

Gert & Uwe Tobias


Thomas Kiesewetter


Imprescindibles exposiciones individuales (en espacios diferentes), en la magnífica galería berlinesa CFA (Contemporary Fine Arts), de los hermanos rumanos Tobias, que siguen en línea ascendente con un trabajo audaz, e incorporación de pequeños pero interesantes trabajos de volumen, sin duda aún tienen mucho que decir.
Por otro lado, encontramos los interesantes trabajos escultóricos de Thomas Kiesewetter , que da un salto en su carrera, posicionandose en una galería de primera línea, coloridas esculturas de metal, con cuidados soportes que forman parte de la pieza, de nuevo la "esculturas en la campo expandido" y una revisión de lo post-industrial, sin duda hay que seguirle de cerca.

http://www.cfa-berlin.com