Entrance Romance- Ryan McGinley

http://www.nowness.com

Acceptance, 2008, Bill Viola

The Lovers, 2005, Bill Viola

Bill Viola en Museo Picasso Málaga

Bill Viola Tres mujeres 2008 Vídeo en color en alta definición en plasma 155.5 x 92.5 x 12.7 cm Intérpretes: Anika, Cornelia, Helena Ballent Foto: Kira Perov

“El ser es un océano sin orilla. Mirándolo no encuentra principio ni fin, ni en este mundo ni en el siguiente”. Este escrito del místico andalusí Ibn Arabi (1165-1240) sirvió de inspiración a Bill Viola para crear la obra El océano sin orilla, que presentó en la Bienal de Venecia de 2007 y que fue el origen de la serie Transfiguraciones, a la que pertenecen las tres obras que serán expuestas en el Museo Picasso Málaga. Tal y como explica el propio artista, Transfiguraciones hace referencia al extraño proceso por el que la sustancia y la esencia de un ser cambian de forma, en una transformación que surge del interior a partir de una revelación o de una abrumadora sensación de claridad. El resultado es el cruce de lo físico a lo metafísico, una transición ligada a las experiencias humanas más profundas, en las que la vida parece oscurecerse, poniendo a prueba los límites de las personas y a menudo sobrepasándolos. The Arrangement (2007), Encarnación (2008) y Tres mujeres (2008) muestran una y otra vez a personas aproximándose desde la oscuridad, cruzando hacia la luz a través de una cortina de agua –agua y luz son dos elementos de gran carga simbólica— para volver luego a las sombras. Para la realización de estos vídeos de alta definición, Viola dio a los actores unas indicaciones mínimas y las reacciones al cruzar la cortina de agua fueron libres: para unos fue una batalla personal, para otras un exorcismo o un renacimiento o la pérdida de la inocencia o, simplemente, el deseo de volver atrás. En este sentido, el artista señala: “Todos nosotros, equipo e intérpretes por igual, fuimos transformados por la experiencia, o quizá debería decir ‘transfigurados’. Querría creer que para aquellos capaces de ver estas obras en la exposición la experiencia continúa”. Proyecto-instalación El proyecto-instalación Bill Viola: obras figurativas es la primera de una serie de exposiciones que mostrará cómo el Museo Picasso Málaga plantea diversos modos de relación entre el artista malagueño y creadores fundamentales que realizan su trabajo a partir de la segunda mitad del siglo XX. El simbolismo, la soledad de los personajes, la hondura psicológica la vida y la muerte son temas presentes en la obra de Pablo Picasso, especialmente en épocas como el llamado periodo azul, cuyo inicio coincide con la muerte de Carles Casagemas, íntimo amigo del pintor, y etapa en la que crea obras maestras como La vida (1903), pintura que dio origen a esta propuesta del MPM. Temas del arte de todos los tiempos, el artista andaluz recogió el testigo de la tradición para mostrarlos bajo su propia mirada, del mismo modo el que en la actualidad grandes creadores como Bill Viola los visitan bajo el signo de la contemporaneidad y las nuevas técnicas creativas. Bill Viola: obras figurativas es una exposición del artista norteamericano en el museo dedicado a Pablo Picasso. De este modo, el MPM propone al espectador reconocer las sutiles conexiones entre algunas de las obras de ambos creadores, identificando lo que de propio hay en cada uno de ellos y lo que de universal hay en su arte. La exposición se acompaña de un audiovisual producido por el MPM para esta ocasión en el que se ofrecen claves para entender ciertos paralelismos y algunos intereses comunes entre dos artistas pertenecientes a contextos y tiempos culturales aparentemente tan distintos. El audiovisual podrá visionarse en un espacio anterior a la exposición. Así, a lo largo de sus 13 minutos de duración, se ofrece a los visitantes la posibilidad de comprender la visión trascendente de dos artistas que contemplan la vida como un proceso en permanente evolución. Bill Viola Reconocido mundialmente como un precursor del uso de la imagen proyectada y posteriormente de un modo de representación pictórico-digital utilizando la pantalla de plasma, el artista norteamericano Bill Viola (Nueva York, 1951) expresa en el conjunto de su obra un compromiso personal adquirido desde hace casi cuatro décadas con experiencias humanas básicas: el nacimiento y la muerte o el miedo y el enfado, su conciencia de que la vida es un proceso en permanente evolución. En España, La Alhambra de Granada acogió en el año 2007 su última exposición individual Bill Viola: Las Horas Invisibles y, más recientemente, una de sus obras formó parte de la exposición Lágrimas de Eros del Museo Thyssen-Bornemisza. El proyecto, producido y organizado por el Museo Picasso Málaga cuenta con la colaboración del artista, Kira Perov y su estudio, así como de la Galería James Cohan de Nueva York. Actividades paralelas De forma paralela a la exposición, la Sala de Proyecciones del MPM emitirá de forma continua durante el horario de apertura del Museo la película Bill Viola: el ojo del corazón, dirigida en 2003 por Mark Kidel. Kidel se adentra en la creación de Viola a través de los acontecimientos más sobresalientes de su vida, sus ideas acerca del arte, la religión, sus influencias, inspiraciones o el proceso de creación. Del mismo modo, bajo el título Encuentros: Bill Viola y Pablo Picasso todos los martes a las 12.00 horas se celebrarán debates en las salas de exposición, una oportunidad única para explorar las relaciones entre estos dos artistas y hablar sobre los temas presentes en sus obras.

Palacio de Buenavista c/ San Agustín, 8. 29015 Málaga, Información General: (34) 902 44 33 77 www.museopicassomalaga.org

Wolfgang Tillmans en The Sepertine Gallery

La Serpentine Gallery presenta la primera gran exposición de Wolfgang Tillmans en Londres desde el 2003. Concebida por el artista para la Serpentine Gallery, la exposición presenta el trabajo figurativo y abstracto de los últimos diez años.

En los últimos 20 años, Tillmans ha redefinido la fotografía y la forma en que se presenta. Conocido en la década de 1990 por sus imágenes aparentemente casuales del mundo que habitaba, su obra fotográfica ha reevaluado los convenios que reflejan la cultura y la política de la identidad del tiempo, la captura de la fragilidad de la vida humana, centrándose en los objetos cotidianos. Su trabajo siempre se ha comprometido con el retrato, paisaje y naturaleza muerta, pero más recientemente Tillmans ha convertido en una exploración más profunda de la abstracción, y ha sobrepasado los límites y las definiciones de la forma fotográfica.

Los temas de amplio alcance en las fotografías de Tillmans se repiensan con cada instalación site-specific. En esta nueva exposición, las exploraciones en la abstracción se mezclan junto a un renovado interés en la figuración, con un enfoque en las obras mas recientes, saturadas de color y los experimentos del proceso fotográfico. En cuanto a su enfoque de la instalación, Tillmans ha comentado que en la creación de estas constelaciones de imágenes, "trato de aproximar la forma en que veo el mundo, no en un orden lineal, sino como una multitud de experiencias paralelas. Múltiples singularidades, al mismo tiempo accesibles ya que comparten el mismo espacio o habitación".

Tillmans desafía continuamente la práctica de la fotográfica, jugando con los métodos de exposición, a menudo colocando con cinta adhesiva directamente su trabajo sobre a las paredes de la galería, diseño de mesas de estudio que se asemejan a las vitrinas museológicas, o la creación de nuevos trabajos teniendo como base los muros y sus obras seleccionadas en ellos. Cada exposición es una renegociación y reordenamiento del material, ideas y temas. Para cada instalación, investiga el proceso de exposición y creación de imágenes, de manera intuitiva que refleja la política de nuestra sociedad contemporánea compartida. imágenes de Tillmans donde capta la esencia de un momento, que el artista ha creado en las últimas dos décadas, mezcla alquímica de desprendimiento y compromiso.

La exposición en la Serpentine Gallery refleja sensibilidad aguda del artista con el mundo que le rodea, su fascinación continua con el color, y su compromiso conceptual con los procesos técnicos de la fotografía. Sus imágenes delicadas, captan el difícil equilibrio energético entre la belleza distintiva y la subversión que siempre ha abrazado Tillmans.

Tillmans nació en 1968 en Remscheid, Alemania. En 1995, su obra fue expuesta en la exposición de la Serpentine Gallery Take Me (I'm Yours), comisariada por Hans Ulrich Obrist, y en 2000 ganó el Premio Turner (ünico artista no Inglés en ganarlo). Sus exposiciones individuales más recientes incluyen la libertad de los conocidos en el PS1, Nueva York en 2006 (que recorrió América del Norte), y más ligeros en el Hamburger Bahnhof, Berlín en 2008. En 2009 fue incluido en Making Worlds en la 53 ª Bienal de Venecia. Tillmans vive y trabaja en Londres.

http://www.serpentinegallery.org

Courtesy the artist and Maureen Paley, London

http://www.tillmans.co.uk/

Yves Saint Laurent "No Way Back" by Ari Marcopoulos

El conocido fotógrafo y Filmmaker Ari Marcopoulos, estrena su nuevo documental sobre el artista del tatuaje Mark Mahoney con motivo de la nueva presentación de la colección de moda hombre de la casa francesa YSL.

Silvie Fleury @ Galerie Almine Rech

Nacida en 1961 en Ginebra, donde vive y trabaja, Sylvie Fleury surgió en los años noventa como una figura clave de la escena artística. Destacando en sus exposiciones desde el principios, con la instalación "bolsa de la compra" sentó las bases para un cuerpo de trabajo que se basaría en los elementos del arte del siglo XX y de la sociedad de consumo. Con la explotación de las paradojas y de la ambigüedad de aparente futilidad, Fleury desarrollará, una serie obras, que están abiertas a diferentes lecturas, prendas de vestir y accesorios de lujo, el mundo de la Fórmula 1, renovando iconos del arte moderno y contemporáneo (de Piet Mondrian a Andy Warhol o John McCracken), portadas de revistas y objetos de gran magnitud, desarrolla un lenguaje formal que es más complejo y desconcertante de lo que uno podría pensar.

La confusión subversiva de los códigos, la contaminación recurrente en los géneros establecidos (el mundo masculino por lo femenino, la moda por el arte o la publicidad, a menos que sea al revés) van mucho más allá del ámbito exclusivo de arte. Más ofensiva y política que su aparente atractivo podría llevar a pensar, el trabajo de Sylvie Fleury refleja y anticipa su época al igual que participa en ella. Fleury es, un actor por derecho propio en lo que se refiere a su trabajo. Mientras asegura haber leído a Marx y Engels en la adolescencia, y aunque su carrera no convencional la llevó a Nueva York en los años ochenta, donde aprendió fotografía, desarrolló su interés por el cine y la experiencia de la vida nocturna, se convertiría en figura clave de la escena artística underground en Ginebra en los últimos años ochenta. Pero sobre todo va a "confrontar" sus reflexiones con las de John Armleder y Olivier Mosset, quienes tuvieron una influencia clave en su trabajo. Probablemente es debido a este diálogo enriquecedor el trabajo de Sylvie Fleury tiene más en común con el pensamiento post-conceptual que con un entorno que uno podría a primera vista se alinean con el legado del pop art.

Para su primera exposición individual en la Galería Almine Rech de Bruselas (también con sede en París), Sylvie Fleury ha optado por crear una especie de "retrospectiva", con obras que abarcan el período comprendido entre mediados de los noventa hasta la actualidad. Las veinte piezas que ha seleccionado, incluyendo las obras creadas especialmente para la exposición, todas ellas doradas.

Al igual que la gran retrospectiva dedicada a su trabajo en MAMCO en Ginebra en 2009, esta exposición pone de relieve la riqueza y diversidad de las declaraciones del artista. También destaca la singularidad de una reflexión que afecta tanto en el campo del arte como a la sociedad contemporánea.

Tal R at CFA Berlin

Este nuevo grupo de obras supone una ruptura radical con la técnica anterior,Tal R (1967) sin duda uno de los pintores del momento, cambia de registro y se refugia en temas de genero próximos a los orientalismos, con una técnica mas depurada y menos salvaje y rotunda. Mientras que antes, a menudo aplicado sus pinturas al óleo de una manera pastosa, ahora mezcla cola animal y pigmentos , aplicando esta mezcla directamente sobre un lienzo sin imprimación. Esto crea el efecto de una superficie ligera, que recuerda a una pintura al fresco. En algunas obras, el artista dibuja con lápices de colores luego de cera sobre la superficie ya pintada.

Según el artista, su pintura es como una olla caliente en el que lanza 'todo tipo de material. Sus pinturas por lo que refleja las influencias subculturales, así como imágenes que nos rodean, tales como películas, música,graffiti, o, por ejemplo, un fresco de un bar de Berlín de la década de 1920. La narración de las pinturas se presenta como si estuviera en una especie de escenario. Este efecto se acentúa por que recuerda la composición espacial de un teatro, como en Cita a ciegas, o la escenografía de circo en elefante detrás de payaso a través de ojo de la cerradura. El espectador y el artista asumen el papel de la audiencia, que les permite hacerse una idea de un mundo diferente, ya sea el punto de vista de una etapa, a través de una ventana con un parapeto, o un ojo de la cerradura.

Esta es la séptima exposición individual de las obras de Tal R, en la galería berlinesa que representan exclusiva. Tal R vive y trabaja en Copenhague.

Cortesía Contemporary fine arts galerie http://www.cfa-berlin.com/

Ernesto Neto: The Edges of Time - Hayward Gallery Sculpture Courts Timel...

La inmersión, instalaciones sensoriales de Ernesto Neto transforman los espacios superiores de la galería Hayward, tanto dentro como por fuera.

James Casabere @ Helga de Alvear

James Casebere (1953) inicia su carrera en los años 80 con obras que desde el primer momento le hacen acreedor de un lugar propio dentro del mundo de la fotografía: son imágenes ambiguas, evocativas y misteriosas de interiores que, sin embargo, resultan familiares al espectador. Casebere construye maquetas, siempre vinculadas a la arquitectura, que posteriormente fotografía y en las que la iluminación juega un papel esencial. Su trabajo parte del cuestionamiento de la fotografía como formato documental clásico. Si bien la realidad era la característica fundamental que distingue tradicionalmente a la fotografía del resto de manifestaciones artísticas Casebere pretende socavar este principio al tiempo que lo utiliza como mecanismo de lectura del espectador. Son fotografías, en efecto, y por lo tanto deben ser leídas como testimonio de la realidad y sin embargo lo que vemos no es real sino una recreación.

El artista reproduce una imagen más que un suceso: no es el hecho real lo que más le interesa sino la capacidad evocadora de una imagen que puede llegar a ser mucho más potente y provocadora, mas rica. El aspecto teatral de las mismas está relacionado con su pertenencia a una generación que ha crecido bajo la plena influencia de la imagen en movimiento, del cine y también de la televisión. La iluminación, el encuadre, el punto de vista son herederos de toda esta tradición y se suman a los distintos niveles de lectura de la obra.

El hecho de fotografiar la arquitectura es la forma de centrar el trabajo sobre el hombre aunque este no aparezca jamás. Los edificios son testimonios de una época o de un lugar (los interiores americanos o los edificios hispano árabes respectivamente), se relacionan con estados de ánimo o incluso con sensaciones (como en el caso de los asilos) e incluso pueden funcionar como posicionamiento político (por ejemplo en las celdas de la prisión de Guantánamo). En cualquier caso las lecturas no son nunca univocas sino que se sobreponen unas a otras. En una parte importante de su obra, los espacios interiores aparecen, además, inundados por grandes masas de agua con lo que las lecturas de la obra se ven enriquecidas por un elemento más.

En su nueva exposición en la Galería Helga de Alvear ,James Casebere presenta dos nuevas series: los Tunnels parten de su estancia en la ciudad italiana de Bolonia, atravesada por gran cantidad de túneles de diferentes épocas. Con referencias a Piranesi pero también a lo orgánico y a la pesadilla tecnológica, son imágenes espacialmente inquietante. La otra serie, Landscape with Houses, reproducen paisajes del Dutchess County, cerca de Nueva York. Este sería el enclave perfecto e ideal del sueño americano: casas individuales de tejados a dos aguas, jardines de césped y colores pastel. Pero algo resulta inquietante y rompe la visión aparentemente idílica. Estos trabajos se presentaron en la última Bienal del Whitney atrayendo inmediatamente toda la atención de la crítica que ha querido ver en ellos la imagen del colapso del mercado inmobiliario en Estados Unidos. Pero como siempre en Casebere hay mas capas y mas lecturas y el espectador llega a plantearse si lo que reflejan son el colapso del mismo american dream.

Cortesía Galería Helga de Alvear, Madrid.

Design Miami Basel 2010

Art 41 Basel 2010

ART|41|BASEL / Unlimited

ART|41|BASEL

Jack Pierson

Dan Flavin (Art Unlimited)

Michelangelo Pistoletto (Art Unlimited)

Hauser & Wirth gallery

Ugo Rondinone en Barbara Gladstone Gallery (Art Unlimited)

Ai WeiWei,(white Cube Gallery)

www.artbasel.com

Comienza Art Basel, poco hay que decir al respecto , la feria de arte mas importante del mundo y barómetro absoluto sobre donde está el mercado en cada momento, imprescindible.

New Director of Tate Modern Appointed

Chris Dercon, Director of Tate Modern Photo: Marion Vogel, 2009

La Tate Modern , ya tiene nuevo director, según relata en su propio blog

Tate announced today that Chris Dercon, Director of the Haus der Kunst, Munich, has been appointed the new Director of Tate Modern, and will take up the appointment in spring 2011.

Nicholas Serota, Director, Tate said:

“Chris Dercon has made some outstanding exhibitions in Munich and has demonstrated a commitment to showing art from across the world. We are delighted that he has agreed to lead the team that is taking Tate Modern into its second decade.”

Chris Dercon has been Director of the Haus der Kunst in Munich since 2003, and before that he had a leading role in the development and direction of other major international cultural institutions: P.S.1 in New York, Witte de With Centre of Contemporary Art in Rotterdam and the Museum Boijmans Van Beuningen in Rotterdam.

At the Haus der Kunst, he developed a highly-acclaimed programme of exhibitions by leading international artists alongside the wider visual field of architecture, design, fashion, photography and film. He integrated the Haus der Kunst collections of conceptual art, media and performance art into the programme, and invited contemporary artists to respond to the architecture of the gallery – last year Chinese artist, Ai Weiwei created the site-specific work Remembering 2009 for the façade of the building. He renovated and expanded the Boijmans Van Beuningen building, and has been consulting on the renovation of the Haus der Kunst.

He says:

“I am delighted to join the team at Tate Modern. Transforming Tate Modern is an incredibly inspiring challenge allowing us the chance to create a new kind of art institution, fit for the 21st Century, for London’s many different audiences. Thanks to its exceptional staff, Tate Modern is constantly evolving, almost like an art movement in itself. Indeed Tate Modern is many things for many people and I am thrilled that I will be part of it.”

Cortesía Tate Modern http://blog.tate.org.uk/?p=701

http://designmiamibaselblog.com/

The global forum for Design

Nuevo Blog recomendado, Basel no sólo es Arte...

Reporting live from the show floor, the Design Miami/ Basel Blog will provide the latest news and happenings from Design Miami/ Basel 2010. We will providing you with direct source material - quotes from key players, photos, facts and news as it happens. Even if you cannot be in Basel, we can provide you with a piece of the experience.

http://designmiamibaselblog.com/

Davis Rhodes @ Office Baroque Gallery

http://www.officebaroque.com/

Antwerpen/Amberes

Kapoor @ Tesside

Anish Kapoor y su habitual colaborador, el ingeniero de estructuras Cecil Balmond, son internacionalmente conocidos por sus realizaciones a caballo entre la escultura y la arquitectura, Ahora nos ofrecen un ambicioso proyecto cultural en el que llevan tiempo trabajando cinco pequeños municipios de Tessside (norte de Inglaterra), una enorme pero delicada escultura realizada por Anish Kapoor, la primera de cinco entregas que completarán la que se espera que sea la mayor obra de arte público del mundo. La obra, titulada Temenos, representa una gigantesca red de mariposas suavemente retorcida al viento, con una longitud de 110 metros y una altura de 55, que junto con otras cuatro instalaciones que el mismo Kapoor realizará durante la próxima década, compondrán el futuro Tees Valley Giants.

Cortesía > http://www.hoyesarte.com

Sigmar POLKE in memoriam

SIGMAR POLKE

1941-2010

R·I·P

‘ June 11 (Bloomberg) — Sigmar Polke, one of Germany’s best-known artists, died last night from cancer at the age of 69, his dealer Erhard Klein said in a phone interview.’Polke is the first painter on this list who died, yet also his presence on the 2010 list remains.

Matthew Barney's Performances on View at Schaulager

Schaulager, es sin duda la otra referencia cultural en la ciudad suiza de Basilea junto a la fundación Beyeler, un container-museo bajo la fundación Hoffmann, construida por el estudio de arquitectos tambien de Basilea, Herzog & deMeuron.

De impecable programación , su única exposición anual se convierte en un punto fuerte durante la magnífica feria ART BASEL.

Este año Schaulager presenta Matthew Barney, un proyecto basado en el dibujo . "Drawing Restraint" es una serie de actuaciones, que suman dieciséis hasta la fecha, en la que Barney intenta hacer marcas gráficas a pesar de los obstáculos físicos y psicológicos autoimpuestos en el espacio, tiempo y en su persona. En la exposición, las obras derivadas de exposiciones de Barney, tales como esculturas, vitrinas, dibujos y videos, se yuxtaponen con obras de arte del Renacimiento.

la Fundación Laurenz, ha adquirido el archivo de Matthew Barney de la serie de presentaciones junto con el MoMA (Museo de Arte Moderno, Nueva York). Gracias a esta adquisición conjunta, el archivo de Drawing Restraint ahora pueden ser mostrado al público en su totalidad por primera vez.

http://www.schaulager.org/