Art Corporation

Navid Nuur at Matadero_Madrid

2012-01-31T20:35:00.001+01:00

Matadero Madrid presenta en la Nave 16 la primera exposición individual en España de Navid Nuur (Teherán, 1976), dentro de ARCO, que lleva por nombreHOCUS FOCUS. El artista, que vive y trabaja en La Haya (Holanda), y acaba de recibir el Real Premio de Pintura 2011 en Holanda, ocupa el espacio con una serie de obras que exploran las relaciones de los objetos con la luz y la oscuridad. Nuur trabaja con materiales de uso cotidiano investigando los límites de lo que puede ser considerado arte; opera desde la figura del artista-mago y artista-científico, creando un espectro de nuevas percepciones estéticas y semánticas. Así, frente al acercamiento racional y cartesiano al arte que predomina hoy en día, Nuur propone una nueva sensibilidad, una nueva manera de sentirnos afectados por lo que nos rodea, un nuevo modo de ver el mundo, de imaginarlo distinto.

http://www.mataderomadrid.org/

Doug Aitken at Helga de Alvear

2012-01-27T17:02:00.001+01:00

El artista californiano Doug Aitken (Redondo Beach, 1968) realiza en la Galería Helga de Alvear su primera exposición comercial en España. Su obra se caracteriza por el amplio uso de la tecnología y el lenguaje cinematográfico. Utiliza como soporte tanto la fotografía como las cajas de luz pero sin duda la parte más conocida de su trabajo son las instalaciones basadas en la imagen en movimiento.

Aitken ha expuesto su obra en la Serpentine Gallery de Londres, en el Centro Georges Pompidou de Paris y ha participado en la Bienal del Whitney en dos ocasiones. En 1999 ganó el Premio Internacional de la Bienal de Venecia. En 2007 presentó un mega proyecto en Nueva York, “Sleepwalkers”, en la que proyectaba sobre el edificio del Museum of Modern Art convirtiéndolo en pantalla, escultura e instalación al mismo tiempo.

En la instalación “Black Mirror” retrata a toda una generación nómada y dependiente de la información a través de una road movie en la que su protagonista viaja constantemente de un lugar a otro sin llegar a saberse nunca de dónde viene o a dónde pretende llegar ni por qué. Protagonizado por la actriz Chloë Sevigny, su omnipresente figura recorre escenarios anónimos pero cargados de connotaciones y referencias al viaje y al mundo anónimo actual.

Hoteles y carreteras se suceden al igual que las llamadas telefónicas y las referencias tecnológicas. En sus diálogos con un interlocutor desconocido la protagonista hace referencia a lo corto y banal de sus contactos en contraste con el aislamiento o las grandes distancias que deben recorrer. Es un retrato de los tiempos que corren, de la gente que apenas vemos en los pasillos de los hoteles o en los aeropuertos. Las imágenes que aparecen en los cinco monitores se reflejan en los espejos hasta el infinito creando el efecto de que el relato sucede innumerables veces, que el personaje puede ser cualquiera. Es cualquiera con un ideario resumido en tres palabras: “Exchange, connect and move on”: Intercambia, conecta y sigue adelante.

La exposición se complementa con la una serie de fotografías y cajas de luz de reciente factura. En ellas el artista sigue explorando la sociedad actual desde el punto de vista de la cultura popular y de masas. Son escenas o referencias que resultan familiares (un aeropuerto, una puesta de sol, un cartel publicitario) en especial al mundo californiano que va desde Hollywood hasta Ed Ruscha. Sin embargo, Aitken al proponer el punto de vista de lo sublime nos lleva a mirarlas como si fueran la imagen icónica en sí misma.

Cortesía > www.helgadealvear.com

Fernando Sánchez Castillo en Matadero Madrid

2012-01-24T12:51:00.000+01:00

Matadero Madrid inaugura, el último trabajo de uno de los artistas madrileños con mayor proyección internacional, Fernando Sánchez Castillo. Síndrome de Guernica es el título de esta pieza escultórica elaborada a partir del Azor, la embarcación de recreo que utilizó el que fuera Jefe del Estado español, Francisco Franco y que fue escenario de diversos hechos históricos como las “conversaciones del Azor” entre Don Juan de Borbón y el propio Franco. Ya en la etapa democrática, Felipe González utilizó el yate en unas polémicas vacaciones veraniegas, y en 1990 el Estado lo subastó especificando que su destino era el desguace. Sin embargo, su comprador quiso convertirlo, sin éxito, en un local de ocio.

A finales de 2011 Fernando Sánchez Castillo compra el Azor para transformarlo en una obra artística con forma de prisma. El prisma es una forma ensalzada en el minimalismo por su impersonalidad constructiva y su ausencia de referencias sentimentales o emotivas.Se trata de una intervención pensada especialmente para la antigua cámara frigorífica de Matadero Madrid dentro del programa Abierto x Obras, comisariado por Manuela Villa y por el que han pasado artistas como Daniel Canogar, Roman Signer, Iñigo Manglano Ovalle, Carlos Garaicoa o Jannis Kounellis.Fernando Sánchez Castillo, que ha desarrollado buena parte de su carrera en Holanda, aborda habitualmente en su trabajo los símbolos establecidos con un punto de ironía que cuestiona la relación entre arte, poder e historia. Su trabajo se aproxima a la historiografía, el periodismo o las ambiguas relaciones entre el poder y su propaganda. El artista madrileño ha participado en exposiciones colectivas en algunos de los museos y galerías más importantes del panorama internacional, como la Tate Modern de Londres, el MoMA de Nueva York o la 50 Biennale di Venezia.

Cortesía Matadero Madrid. http://www.mataderomadrid.org/ficha/1203/fernando-sanchez-castillo.html

Azzedine Alaïa Concept Hotel

2012-01-21T18:18:00.058+01:00

photo © Alexandre & Emilie, Persona production vía Yatzer

Nuestro admirado diseñador de origen tunecino Azzedine Alaïa, una vez mas, nos sorprende con sus nuevos proyectos. Con su buen gusto habitual, ahora ofrece una oportunidad a los visitantes de parís, su ciudad fetiche, con una aproximación al diseño y al modo de vida parisino, para ello ha transformado un loft de 300 metros, situado en un edifico del siglo XVII, en pleno barrio del Marais (rue de Moussy), en tres exclusivos apartamentos/suites. No se puede ser mas Hotel >Boutique que esto!.

El concepto de estos tres apartamentos de 100 m2 cada uno, es que tenga todo lo necesario para realizar una vida cotidiana, cada uno tiene su propia entrada privada y una vez dentro, cocina completa satisface todas las necesidades de los huéspedes, y así tener un verdadero sentimiento de hogar lejos del hogar. Es importante tener el lujo de un hotel, pero al mismo tiempo al abrir la puerta , sentir que estás en un lugar familiar y cercano.

Alaïa diseñó todo el interior, dándonos la oportunidad d e conocer su estilo personal de la vida. La estructura mantiene una paleta de color blanco, el color es introducido a través de los gabinetes de colores propios de los 60 en la cocina y mobiliario, con atención al detalle en todas partes. La iluminación y mobiliario es una selección de un amplia gama de sus diseñadores favoritos, Prouvé, Newson, Jacobsen o Perriand. Cada elemento tiene su propio espacio y ha sido seleccionado a conciencia para que pueda ser apreciado. La desnudez de las paredes tiene mucho que ver con la sensación de soltura y ligereza que se siente en su interior. No hay obras de arte (las echamos de menos) o exceso de objetos decorativos , solo diseño.

Gary Hume @ White Cube

2012-01-20T16:55:00.000+01:00

"I'm Not an Intellectual Artist, I'm Instinctive"

Gary Hume, artista de la afamada generación YBA , vuelve al soporte clásico del lienzo en su nueva exposición de pinturas y esculturas en la galería White Cube. En los últimos veinte años, Hume ha desarrollado un lenguaje visual distintivo de formas atrevidas y simplificado para crear pinturas que se dedican al espectador con su calidad gratamente irresoluble. La exposición, por primera vez en Londres en cuatro años, reúne a una gran variedad de nuevos trabajos que se presenta en los espacios de Mason's Yard y Hoxton Square.

http://whitecube.com/exhibitions/gary_hume_the_indifferent_owl/

André Butzer @ Guido Baudach, Berlin

2012-01-18T19:45:00.000+01:00

Sorprendente cambio de registro radical en la pintura del alemán André Butzer, en su línea de pintura alemana, pasamos del expresionismo extremo a la geometría cartesiana, mas delicada, donde lo arquitectura y la construcción pictórica se interrelaciona de manera sutil.

Las cuatro grandes pinturas expuestas aquí son de enorme fuerza elemental y complejidad visual. Ellas son parte de una serie desarrollada recientemente, el llamadas "N-pinturas", y se componen a través de formaciones de color negro, rodeado de un campo de color muy brillante. Los rasgos característicos de la obra anterior de Butzer se unen aquí con nuevos elementos pictóricos para producir algo totalmente nuevo.

La práctica pictórica de Butzer no es un procedimiento ilustrativo, sino un proceso creativo en el sentido original del término "creación". Espacio, luz y color aparecen como aspectos de la vida en estas imágenes, la relación entre la vida y la muerte, entendida y descrita como una unidad, está inscrita en cada obra individual.

http://www.guidowbaudach.com/

Full Show: Burberry Prorsum Menswear Autumn/Winter 2012

2012-01-18T19:26:00.002+01:00

Comienza Milan Fashion Week , para hacer boca, nada mejor que el homenaje de Burberry Prorsum a la sastrería inglesa, todo un acierto.

Günther Förg @ Max Hetzler

2012-01-17T17:36:00.004+01:00

Images courtesy of Galerie Max Hetzler, Berlin

Poco hay que decir a estas alturas del trabajo de Günther Förg, quizás destacar que esta exposición mezclan obras realizadas entre los años 1987 y 2011. Fotografía y pintura , dos vías que el artista desarrolla desde los años '70. Sabia decisión .

http://www.maxhetzler.com/

Demian Hirst Strong Gagosian !

2012-01-13T13:16:00.002+01:00

En lo que es seguro que será uno de los eventos de arte más grande de la temporada, las 11 galerías de todo el mundo Gagosian contará con más de 300 de las famosas "pinturas in situ", de Damien Hirst - ustedes saben, los que tienen puntos!. Más de dos años en su producción, y una selección de más de 150 coleccionistas-prestadores de 20 países, "Las pinturas completas 1986-2011", se incluyen todas, desde el primer punto de Hirst que se vió en 1986 a las más reciente que tiene la friolera de 25.781 puntos . La muestra incluye obras para la venta, pero Gagosian no ha dicho aún cuáles y por cuánto.

Photographed by Prudence Cuming Associates"

http://www.papermag.com/2012/01/_damien_hirst_at_gagosian.php

Aldo Chaparro en Galería Casado Santapau

2012-01-12T12:11:00.001+01:00

Hip hoy mañaan how knows

Primera exposición individual del artista Peruano-Mejicano Aldo Chaparro en Galería CASADO SANTAPAU, con obras inéditas basadas en la interacción de medios como pintura y escultura con el diseño industrial, la música, la arquitectura y la publicidad. En ellas, el artista especula sobre la originalidad en el arte a través de la apropiación de frases e ideas desarrolladas por distintos actores de la cultura mediática reciente.

Siguiendo esta idea, en los últimos años Aldo Chaparro, ha trabajado piezas realizadas a partir de textos y frases en donde busca evadir una interpretación específica para hacer alusión al vacío de significados en la cultura contemporánea. Como en las expresiones Diet Coke & Cigarettes o Oh! Sweet Nuthin ´ (frase tomada de la canción de Velvet Underground. El significado -prácticamente inexistente- de fragmentos de texto, adquiere relevancia al ser reproducido a una escala monumental en materiales como acero y madera, adjudicándole una cualidad perdurable a una frase o un juego de palabras que comúnmente pasaría desapercibido, transformando a un tiempo la palabra escrita en objeto.

Otro eje temático que Chaparro aborda son las referencias directas a otros artistas contemporáneos como Robert Indiana, Sol LeWitt, Richard Prince y Mark di Suvero. Al ironizar y jugar con las ideas expresadas en la producción de éstos íconos del siglo XXI, transforma su imaginario visual en textos que activan nuestra memoria a través de la forma. Tal es el caso de la pieza “Richard Princes´ Brooke Shields”, una escultura que hace referencia, sin tenerla presente, a la controversial imagen de 1982 en donde la actriz de Hollywood aparece posando desnuda a los 10 años de edad. Así, el artista “cita” a quienes le preceden para dar lugar a un cuestionamiento radical, honesto y abierto sobre originalidad y apropiación en la práctica actual del arte contemporáneo.

Dentro del contexto de esta exposición se presentan piezas en las que el artista hace evidente la idea de gesto como resultado de una acción, donde deconstruye el significado de la obra al modificar su forma una y otra vez; transformando la letra de una canción en un poster, extruyendo la tipografía del poster en escultura, en pintura o en mural, cuestionando así el orden tradicional de la producción artística. Con la exposición HIP HOY MAÑANA HOW KNOWS, Chaparro, quien es también director de la revista Celeste, busca disolver los límites entre arte y cultura de masas para proponer, a través del lenguaje y la memoria, obras que resignifiquen nuestro imaginario colectivo.

www.casadosantapau.com

David Bowie 65 Birthday

2012-01-10T22:42:00.002+01:00

El duque Blanco, cumple 65 años, uno de los últimos iconos vivientes, sigue en la brecha
Féliz Cumpleaños !

El Prado por Francesco Jodice

2012-01-09T17:26:00.001+01:00

Arte contemporáneo en la mas fabulosa pinacoteca del mundo.

El Prado por Francesco Jodice forma parte del programa 'Otras miradas' del Museo, cuyo objetivo es compartir un cruce de miradas entre la creación contemporánea y sus colecciones. En esta ocasión, El Prado por Francesco Jodice constituye un retrato contemporáneo del propio museo con el que éste rinde homenaje a sus visitantes

www.museodelprado.es

Angela Bulloch at Micheline Szwajcer

2012-01-05T23:19:00.004+01:00

Imágenes , cortesía de Galerie Micheline Szwajcer, Antwerp

http://www.gms.be/

Rafael Cidoncha @ Unesco

2011-12-28T12:07:00.001+01:00

André Leon Talley lidera a 30 africanos anónimos en la Unesco, todos inmortalizados por el trabajo pictórico de Rafael Cidoncha en la exposición Out of Africa. No es que el André Leon Talley sea el afroamericano más importante y relevante de los Estados Unidos, ni tan siquiera tiene que servir de ejemplo modélico. Pero es cierto que tiene un enorme mérito que, superando las barreras raciales y de sobrepeso, llegara a convertirse en el subdirector del Vogue América. Razón más que de sobra para que su físico obispal sea objeto principal de esta exposición del artista Rafael Cidoncha en la sede parisina de la Unesco, donde la institución cierra el International Year for People of African Descent con esta muestra titulada Out of Africa. Su retrato, como comenta el crítico Román Padín Otero, recuerda al que Velázquez hizo en su día al Papa Inocencio X. “En la actual exposición, Cidoncha reinterpreta el retablo poniendo en su centro a un personaje axial de la religión hipermoderna, la moda, y a su alrededor hace figurar una pléyade de personajes, en retrato de efigie de busto, que son las estaciones figuradas de la vida del principal. La moda, nos impele a usar hábitos como iconos, dentro de los que colocamos nuestras caritas anónimas”, otros 30 afroamericanos retratados por Rafael Cidoncha, vigués de 60 años residiendo en París, referente presente y futuro de la pintura figurativa.

Out of Africa: del 14 al 20 de diciembre de 2011. Maison de l’Unesco, Sala Miró III. Place de Fontenoy (Paris)

cortesía http://www.neo2.es/blog/2011/12/rafael-cidoncha-en-la-unesco/

Yasumasa Morimura @ Juana de Aizpuru, Madrid

2011-12-23T18:51:00.004+01:00

Interesante la exposición con la galería madrileña Juana de Aizpuru, con la que despide el año. La galería, siempre en la brecha a pesar de las fechas tan desordenadas para el mundo del contemporáneo, como es diciembre.

El artista japonés Yasumasa Morimura (1951), muestra a través de sus muy afamadas apropiaciones de imágenes, fotografía y dos muy interesantws videos, la Historia , y la Historia del Arte del siglo XX, llenas de ingenio y humor, incluidas referencias familiares (tienda de té), un mundo personal que roza el su interés por el Kabuki, y su pasión por iconos reconocibles, como la imagen de Ghandy leyendo, en este caso, manga japonés. Morimura, inserta su propio rostro en las imágenes, manteniendo las propiedades básicas del mismo. La idea general trasmite un cuestionamiento de la idea de belleza, así como la exploración de diferentes géneros y las relaciones entre ellos.

Amante del Museo del Prado, visita Madrid con deleite, donde se inspira para nuevos trabajos en relación a grandes obras de la Historia del Arte español, que podremos ver en su próxima exposición.

www.juanadeaizpuru.es/

Tauba Auerbach at Bergen Kunsthall

2011-12-20T17:56:00.002+01:00

Todas las imágenes de arriba: Tauba Auerbach, vista de la instalación de Tetrachromat, Bergen Kunsthall, Noruega, 2011. Cortesía del artista, Paula Cooper Gallery, Nueva York y estándar (OSLO), Oslo. Fotógrafo: Vegard Kleven.

Taula Auerbach (1981), se ha revelado como una joven promesa con lenguaje propio, que va ganando terreno poco a poco, a pesar de su juventud, tiene un buen reconocimiento por su buen hacer y su buen ritmo de trabajo de calidad.

Interesada por la superficie y el soporte en la pintura, tema central en sus últimos trabajos, entreteje posiciones discordantes como el desorden , el orden de la legibilidad y la abstracción , la permeabilidad y la solidez en los fenómenos que son por lo general incompatibles en las superficies pictóricas.

El título de la exposición juega con la noción de la visión "tetrachromatic". Normalmente, las personas perciben el mundo que les rodea trichromatically (en tres colores). Los seres humanos tienen tres tipos de receptores para la percepción del color con sensibilidades diferentes: rojo, verde y azul. Una nueva teoría que existe de que puede haber un pequeño porcentaje de personas (sólo mujeres) que tienen un receptor cuarto color, lo que les hace "tetrachromatic. Para poder jugar en esas ideas de un cuarto componente que, si se pudiera probar, cambiaría radicalmente nuestra visión del mundo, Auerbach utiliza dos analogías en esta exposición, el espacio (la idea de una cuarta dimensión) y el espectro ( un espectro de colores cuarto).
Desde 2009, Auerbach ha creado un cuerpo de trabajo que ella llama "fold paintings".En la medida en que oscurecen los límites entre dos y tres-dimensionalidad, estas pinturas se puede entender como una analogía que plantea la posibilidad de un concepto de cuatro dimensiones. En estas pinturas se retuerce y se pliega el lienzo, el planchado es de tal manera que los pliegues están incrustadas en el material. A continuación, el lienzo pintado gira hacia fuera , mientras que todavía tiene sus tres dimensiones del contorno. El resultado, después de la pintura se haya secado y el lienzo ha sido extendido , es un registro casi perfecto de la anterior forma tridimensional de la superficie. La superficie adquiere un trompe l'oeil, como una reproducción convincente de la forma tridimensional sobre una superficie, así, no se diferencia de la pintura mimética tradicional , pero en este caso sobre la base de la inventiva en lugar de virtuosismo pictórico.

Auerbach trabaja a menudo en serie en la que utiliza metodologías de carácter artesanal, tanto digitales como sistemas más antiguos, como signos de la pintura o el tejido, no por nostalgia, sino para lanzar ideas en torno a "tecnologías" en relieve. Por lo tanto, es quizás también una consecuencia natural de que trata la pintura como una tecnología en igualdad de condiciones con otras formas visuales de comunicación, a partir de la escritura cuneiforme de la antigua Mesopotamia a la impresión digital.
Las pinturas a veces se relacionan directamente con esta forma de entender la pintura, como la tecnología, donde se las cualidades mecánicas que son específicas para el medio son explotados, sino también la fuerza de la pintura a comporta de maneras que no asociamos con otras tecnologías. Recordando el proceso fotográfico, la pintura es "desarrollada" en el transcurso del tiempo que se tarda el spray de pintura en fijarse a la superficie, en la misma forma que una imagen se desarrolla en el papel fotográfico en el baño químico en el cuarto oscuro, o en el cine en la cámara. Los contrastes y los contornos en los cuadros de Auerbach son igualmente intensificado por una mayor "exposición" de la pintura sobre lienzo.
Además, de desarrollar esta serie de pinturas , Auerbach ha producido toda una serie de obras para la exposición en Bergen Kunsthall. Donde explota diversas técnicas de tejido cortando la tela en tiras, sólo para ser tejidas juntas otra vez,formando una serie de patrones diferentes, diseñados por la propia artista. En lugar de presentar espacialidad por medio de los colores, que se acumula a través de la superficie de la pura estructura y forma. En estas obras se Auerbach su punto de partida es la figura de la esquina, que es precisamente una condición previa de la tridimensionalidad.
Tauba Auerbach ha trabajado mucho tiempo con diferentes tipos de producción de libros. Recientemente, estos se han convertido en piezas escultóricas independientes que continúan la investigación de Auerbach en la multidimensionalidad y la importancia del color en el espacio. Ella presenta varias esculturas, a modo de nuevos libros que conforman esta exposición, y en una forma en que estos funcionan como manuales para pensar en el proyecto constantemente en torno a la pregunta "¿Cómo podemos imaginar lo que es imposible de sentir?"
Aunque Auerbach basa gran parte de su inspiración de las matemáticas y la física, sus investigaciones visuales tratar por igual con los temas básicos de la historia del arte. Sus obras plantean cuestiones fundamentales de nuevas maneras, entre ellas la representación de la realidad tridimensional en una superficie de dos dimensiones, y la relación entre la abstracción y la representación.

http://www.kunsthall.no/

La persistencia de la geometría. CaixaForum Madrid

2011-12-19T01:08:00.004+01:00

Explendida exposición , bien organizada e impecable montaje, que facilita la compresión de la geometría a parte del público poco acostumbrado a pensar sobre ello. Artistas emblemáticos y piezas soberbias, dentro de la geometría, tema ya clásico pero que aún tiene mucho que decir. No os perdáis la pieza de james lee Byars o Donald Judd entre otros .

La persistencia de la geometría muestra conjuntamente obras de las colecciones de arte contemporáneo de la Fundación "la Caixa" y del Museu d'Art Contemporani de Barcelona (MACBA). La exposición, fruto del acuerdo de colaboración suscrito entre ambas instituciones, propone un recorrido por sendas colecciones a partir del uso que de la geometría se ha hecho en la escultura y en la instalación desde los años sesenta hasta nuestros días.
La geometría siempre ha estado presente en el arte, aunque no ha sido hasta el siglo XX cuando se ha teorizado más a fondo sobre su uso. En las primeras décadas estuvo íntimamente ligada a los conceptos de abstracción y modernidad. Su empleo facilitó el alejamiento de la representación de la realidad y alentó la aspiración de crear un nuevo lenguaje visual que encarnara las ideas de pureza y perfección. A mediados de siglo, la geometría halló un nuevo desarrollo con las formas elementales y simples que impuso la escultura, en particular la originada por el minimalismo norteamericano. Sus artífices purgaron el arte abstracto de contenidos simbólicos y lo bajaron del pedestal idealista para situarlo al mismo nivel que las cosas del mundo.
En la década de los años sesenta, las formas geométricas de la escultura se extendieron a otras prácticas ―que abarcan instalaciones, películas, vídeos y fotografías― con las que se exploraron distintos aspectos de la construcción de la obra de arte: su naturaleza performativa, el proceso, las propiedades de la luz y el carácter temporal de la percepción, entre otros. Desde entonces, la forma geométrica se ha utilizado con una nueva actitud que apela tanto a lo sensorial como a una reflexión de índole cultural, social o política. Muchos artistas contemporáneos han reutilizado el vocabulario geométrico como estilo y modelo de representación, y lo han convertido en recipiente de nuevos contenidos. Es así como la geometría abandona el concepto de abstracción y se reviste de contenido figurativo o de una intención referencial.
www.obrasocial.lacaixa.es

Azzedine Alaïa at Groninger Museum

2011-12-15T20:17:00.002+01:00

El Museo de la ciudad holandesa de Groninger, presenta toda la fantasía del creador francés de origen argelino Azzedine Alaïa, creaciones de unos de los couturiers en activo, mas interesantes sin duda del momento, todas ellas realizadas en el sigo XXI.

groningermuseum.nl

Defining Contemporary Art / Phaidon

2011-12-13T18:41:00.003+01:00

Defining Contemporary Art: 25 Years in 200 Pivotal Artworks

http://es.phaidon.com/agenda/

Tobias Rehberger at Museum Dhondt-Dhaenens

2011-12-13T17:36:00.003+01:00

Tobias Rehberger (Esslingen, 1966, vive y trabaja en Frankfurt) es sin duda uno de los artistas alemanes más influyentes y exitosos de su generación. Desde hace veinte años, ha estado trabajando en un conjunto coherente de trabajo en el que socava los ideales artísticos como el genio y la autenticidad. El uso de estrategias desde el ámbito del diseño, donde examina el significado del arte y cuáles son las posibilidades futuras de producción de arte. Los objetos que crea son versátiles y pueden ser varias veces adaptada al contexto en el que están diseñados para funcionar. De esta manera, la obra de Rehberger evoluciona en un torbellino impredecible y juguetón de formas y colores deslumbrantes.

Para su proyecto en el Museo Dhondt-Dhaenens, Rehberger desarrolla una serie de grandes esculturas abstractas y coloridas, donde la sombra de las esculturas en las paredes circundantes son al menos tan importante como los propios objetos. Efectos especiales de iluminación y la lenta rotación de las esculturas hacen que,en determinados momentos del día, las sombras amorfas en las paredes forman un mensaje oculto.

Images courtesy of Museum Dhondt-Dhaenens, Deurle. Photos by Virginie Schreyen.

http://www.museumdd.be/

Marilyn Minter at Salon 96 Bowery

2011-12-12T00:28:00.003+01:00

Art Basel Miami Beach / Arte+ Diseño+ Moda

2011-12-07T16:35:00.011+01:00

Sin duda Art Basel Miami, es mucho mas que una feria de arte contemporáneo, durante esa semana, la ciudad da mucho de sí, Arte , Diseño y Moda se unen en multitud de eventos pararelos, interrelacionando esa tres disciplinas que a veces parecen ir de la mano.
El Arte marca tendencia y la sociedad de consumo se nutre de ella , solo hay que ver estos ejemplos.

El artista británico Liam Gillick, realiza su primera colección para la firma Pringle of Scotland, firma de lujo que aprovecha la estela de la feria para desplegar sus nuevos lanzamientos en el ya muy conocido design district de la ciudad. Así el nuevo matrimonio entre la maison francesa Dior y el artista Anselm Reyle, con su camión-café de camuflaje lleno de color para la ocasión, su "nails bar", y el que seguro será un éxito de ventas Reyle Dior bag . Sin olvidar el espacio temporal, muy del momento, de la joyería Cartier y sus trabajos móviles de reminiscencias caleidoscópicas, al alimón con la brasileña Beatriz Milhazes, así como el suizo Olaf Breuning, realiza una colección en objetos de piel, para la tambien suiza firma Bally. Colecciones todas ellas muy próximas a ser objetos de arte, según las describen sus autores.

Dior; Dimitrios Kambouris/Getty Images for Dior

Photographs by Cartier

Martin Boyce ganador Turner Price 2011

2011-12-05T23:57:00.004+01:00

El artista, Martin Boyce ganó hoy el premio Turner 2011 de arte contemporáneo, uno de los más importantes del mundo, con un homenaje escultórico a la arquitectura.
Boyce se impuso a los otros tres nominados, el pintor George Shaw, la videoartista Hilary Lloyd y la creadora de instalaciones Karla Black

El escocés, de 43 años, a través de objetos cotidianos inspirados en los diseñadores modernistas, como una papelera, una mesa de trabajo o una ventanilla de ventilación, consigue crear una instalación atmosférica basada en la escultura.
Según los críticos, el gran acierto de Boyce es saber moverse entre la rudeza de los elementos urbanos y la poesía, consiguiendo crear un lenguaje propio que ha convencido a los miembros del jurado.

Art Basel Miami Beach 2011

2011-12-01T23:52:00.003+01:00

En los últimos años , el Arte (Contemporáneo), se ha convertido en uno de los poco refugios económicos recomendables, así lo demuestra la buena marcha de la presente edición de Art Basel Miami Beach.

La feria de arte contemporáneo mas importante de Norteamérica, no solo por su facturaración, sino por el eje geoecómico donde se desarolla, sin lugar a dudas, punto efervescente con respecto a la creación artistica del momento; Colombia, Brasil, Perú, así como México, son los nuevos centros de producción del otro lado del Atlántico, una nueva generación de artístas y coleccionistas que avanzan con fuerza, no hay que perderlos de vista.

http://www.artbaselmiamibeach.com/

Design Miami 2011

2011-11-30T23:49:00.003+01:00

Una nueva ocasión, para ver lo mejor del último diseño, en la nueva edición de Desing Miami, calidad y originalidad en su máxima expresión, en la edición americana mas interesante del momento.
http://www.designmiami.com/

Folkert de Jong @ Fons Welters

2011-11-25T19:49:00.003+01:00

photography by Gert Jan van Rooij

Nuevas esculturas del holandés Folkert de Jong , en la galería Fons Welters. Esculturas a modo de tableau vivant, con personajes petrificados, acertijo teatral que el espectador, tiene que resolver.

Imágenes icónicas del artista, como el arlequín, ya convertido en su alter ego, así como clichés de Los Paises Bajos y su historía , figuras que han perdido la inocencia y parecen sacadas de un cuadro de Bruegel , de los que simula hacer un juicio moral, utilizando símbolos culturales y de poder.

Esculturas en espuma de poliuretano aireado en una construcción sólida, que muestra los restos de materiales del proceso de producción . De Jong presenta el arte como la transformación final.

http://www.fonswelters.nl

AAron Curry + Richard Hawkins at David kordansky

2011-11-24T19:09:00.002+01:00

La galería de Los Angeles, David Kordansky presenta, Cornfabulation, una exposición en colaboración de Aaron Curry y Richard Hawkins. Aunque ambos artistas son originarios de Texas, y Curry fue estudiante de Hawkins en el Art Center College of Design de la década de 2000, la exposición va más allá de las nociones de la camaradería o la influencia compartida. Trabajos realizados por cada artista por separado, así como por los dos juntos, se instalarán en un entorno inmersivo que sintetiza sus preocupaciones por lo visual y lo material. Collages, esculturas, pinturas y dibujos sobre papel,además de trabajos híbridos que incorporan diversos medios, se yuxtaponen en contra y, a menudo a partir de los elementos que los rodean. En consecuencia, relaciones tradicionales jerárquicas entre las esculturas y las bases, las composiciones y los marcos, y las formas culturales de alta y baja, se convierte en un tema recurrente en la obra. La instalación consta de tres salas cubiertas de cartón 'wallpaper,' en el que se establece un bosque de dibujos animados, donde encuentran su camino en muchas de las obras en sí mismas, ya sea como un recurso de enlace, elemento de composición, o ambas cosas.

Cortesia David Kordansky gallery > http://www.davidkordanskygallery.com/

2011-11-18T17:50:00.007+01:00

Sara Barker
Thea Djordjadze
Karla Black
Isa Genzken
Tatiana Trouvé

Carol BoveSara Barker, Karla Black, Carol Bove, Thea Djordjadze, Isa Genzken, Kitty Kraus, Tatiana Trouvé

Curated by Stefanie Kreuzer.

Museum Morsbroich, Leverkusen >>>>>>>>>>> http://www.museum-morsbroich.de

La exposición presenta obras de siete escultoras conceptuales, cuyo trabajo persiguen diferentes enfoques de la escultura y la instalación, con muchos puntos en común. Además de los trabajos muestran la situación procesual, las obras presentadas, se caracterizan por una investigación de materiales utilizados, objetos encontrados, materiales de uso cotidiano, y por lo general implican " lo femenino", como crema para la piel en polvo o lápiz labial.

La exposición, ocupa varias salas del museo Morsbroich, castillo barroco ,rodeado de agua. Algunos de los trabajos han sido creado específicamente para los espacios, otros se adaptan a la exposición. La puesta en escena, la contextualización y la descontextualización del espacio son temas importantes, en la lectura de las obras. Así como lo específicamente femenino y sus "auto-registros". La sala expositiva, en este caso es un lugar histórico, la habitación de la Dama, se coloca en contrapunto a la habitación del Señor . Esto es en lo que respecta a la tematización de los roles de género en el contexto espacial.

La exposición así se convierte en una reunión de escultoras de primera línea, algunas de ellas casi desconocidas que empiezan a despuntar, configurando , lo que sería un espectro escultórico de nuestros días, tanto el el concepto como en lo formal.

Richard Serra @ Gagosian N.Y.

2011-11-17T19:04:00.003+01:00

RICHARD SERRA: Junction / Cycle . Photo by Rob McKeever .

Dos nuevas esculturas del gran escultor norteamericano, de origen español, Richard Serra, se presenta en una de las sedes neoyorquinas de la galería Gagosian. Junction (2011) y Cycle (2010), Serra ha llevado a la sintaxis dos únicas esculturas, reinterpretando trabajos de los últimos quince años , para así , llegar a formas totalmente nuevas , mas complejas y difíciles.

http://www.gagosian.com

Jeff Wall @ CGAC

2011-11-16T12:16:00.002+01:00

Jeff Wall es, sin duda, uno de los artistas más influyentes del arte de los últimos decenios. Desde finales de los años setenta, el artista canadiense —con sus fotografías de gran formato colocadas en cajas de luz— se propuso redefinir los paradigmas de la fotografía. Desde los inicios de su carrera, sus imágenes —con sus alusiones a la historia del arte y, más concretamente, a pintura clásica— reflejan su convicción de que es posible mantener una cierta continuidad incluso dentro de los cánones del modernismo y su postulado de que es posible pintar la vida moderna.

La exposición El sendero sinuoso examina el contexto que propició el desarrollo da obra de Jeff Wall e, a través de una amplia selección tanto de sus obras como de las de otros artistas, aspira a recorrer la trayectoria de las preocupaciones estéticas del fotógrafo. El proyecto explora las íntimas interconexiones entre el proceso creativo del artista y las influencias e indagaciones que marcaron dicho proceso.

Estas influencias fueron pictóricas, fotográficas, cinemáticas, literarias y documentales, y se sumaron a las posiciones teóricas adoptadas por el propio Wall. La exposición quiere mostrar tanto la lógica interna de su trabajo como las experiencias estéticas que guiaron sus decisiones y el conjunto de su obra. En la exposición se aborda una gran diversidad de temas que resultan esenciales en la obra de Wall: el minimalismo y la relación con la escala, la fotografía histórica, la fotografía conceptual y posconceptual, la literatura, la fotografía documental, etc. Veinticinco obras de Jeff Wall, que van desde los años sesenta hasta la actualidad y que constituyen el núcleo de la exposición, ilustran estos temas junto con una selección de obras de otros autores realizada por el comisario de la muestra, Joël Benzakin, y por el propio artista. La exposición no sólo constituye una oportunidad única de conocer en profundidad la obra de un autor referencial de la fotografía contemporánea, sino que permite reinscribir su trabajo en el contexto cultural en el cual este se desarrolló. Cincuenta y nueve artistas, de Eugène Atget a Luc Tuymans, han sido curiosamente escogidos para establecer un provechoso diálogo con una trayectoria creativa enraizada en la fotografía que acabaría por tener repercusión en todo el universo del arte contemporáneo.

El sendero sinuoso: "Es un caminito hecho por sus usuarios, sin plan preestablecido, para hacer algo que la administración habitual no pudo o no quiso hacer, de modo que hay un indicio de desobediencia o de independencia: la gente puede hacer cosas que no podemos prever". Jeff Wall.

www.cgac.org

Cortesía Centro Galego de Arte Contemporáneo

Tel Aviv museum of Art

2011-11-15T16:57:00.008+01:00

Photographs © Amit Geron, courtesy of Preston Scott Cohen architects

El edificio Herta y Pablo Emir del Museo de Arte de Tel Aviv, diseñado por los arquitectos del Reino Unido Preston Scott Cohen, se abrió al público el 2 de noviembre de 2011.

Situado en el centro del centro cultural Golda Meir , el complejo incluye también la Opera de Israel y el Teatro Cameri.

La construcción supuso un reto arquitectónico delicado desde el primer momento, había que resolver la tensión entre el lugar estrecho y triangular y las necesidades del museo, con idiosincrasia propia, donde bebía primar una serie de galerías de gran tamaño, rectangulares y neutras. La elegante solución era crear sutil giro de superficies geométricas (parábolashiperbólicas) que conectan a los ángulos dispares entre las galerías y el contexto, mientras que la luz natural, reflejaraa en las profundidades de las salas de la galería a medio enterrar.

Las Galerías individuales, rectangulares se organiza en torno a la "Cascada de Luz", un atrio de 87 metros de altura en espiral, y el edificio en sí, está compuesto de acuerdo a varios ejes que se desvían de piso a piso. En esencia, el nuevo edificio es una serie de planes independientes y sistemas estructurales de acero apilados uno encima del otro, conectados por episodios geométrica de la circulación vertical.

El proyecto de 18.500 m2 con un presupuesto estimado de 45 millones de dólares, incluye galerías de arte israelí, arquitectura y diseño, dibujos y grabados, exposiciones temporales, un estudio de fotografía y centro de archivos, un auditorio multidisciplinar, seminarios y salas de conferencias, una biblioteca de arte, un restaurante, oficinas administrativas y de carga, desembalaje y áreas de almacenamiento.

El Tel Aviv Museum of Art es el museo principal de arte moderno y contemporáneo de Israel , y el lugar de una de las mayores colecciones del mundo del arte israelí. Desde su fundación en 1932, el museo se ha convertido en uno de los principales centros culturales de Tel Aviv, que muestra una mezcla de las colecciones permanentes y exposiciones temporales. Cada año, se da la bienvenida a más de 500.000 visitantes, ofrece más de 20 exposiciones de arte israelí e internacional. Además, el museo acoge actuaciones de música y danza, cine y series de conferencias sobre la filosofía y el arte.

La biblioteca del museo de arte y su Centro de Documentación de Arte en Israel sirven a más de 15.000 estudiantes, académicos y curadores de cada año y es considerado el centro de referencia más completa en el Medio Oriente.

The Rock ‘n’ Roll birds of Céleste Boursier-Mougenot

2011-11-11T18:22:00.004+01:00

photo © Costas Voyatzis for Yatzer.com

http://www.hangarbicocca.it

Músico y compositor francés, Céleste Boursier-Mougenot, crea obras sonoras basadas en los sonidos de la vida cotidiana, con el fin de producir una música completamente inesperada. Boursier-Mougenot no es un artista común, él es un devoto de la música que cree en el potencial visual de la música, sus instalaciones sonoras son un estudio sobre cómo percibimos e interactuamos con ella. Por otra parte, su obra es una exploración de la música de forma (y el sonido en general) definiendo el espacio donde se muestra. Su último trabajo, ''De aquí al oído (versión 15)'', se muestra en la galería Cubo HangarBicocca en Milán (6 octubre a 4 diciembre 2011), una continuación espectacular de su aclamada exposición en el Centro Barbican Art durante la primavera de 2010. Inspirado por su uso previo de las guitarras eléctricas y los pinzones cebra, Celeste presenta una nueva serie, esta vez añadiendo la percusión, donde las aves son los únicos protagonistas. Como una tribu de músicos experimentales, y sin siquiera ser conscientes de ello, las aves crean algunas piezas de audio maravilloso, simplemente volando y comiendo las semillas que se colocan en los instrumentos.

Andreas Slominski at Sadie Coles

2011-11-11T17:01:00.005+01:00

Images courtesy of Sadie Coles, London

Flores fragmentarias en forja de hierro, sirven como metáfora a los recortes financieros e inestabilidad económica en Europa, Así lo ve Andreas Slominski, en su nueva exposición londinense , titulada "Broken". Su trabajo, en principio básico; parece ser una inversión del creo minimalista , "menos es mas ". Este trabajo, muy elocuente, refleja una combinación de artificio Kitsch y una manufactura altamente exigente, dualidad que reside en muchas de su obras, un Corpus de trabajo ecléctico e interrelacionado, sutílmente que en ocasiones desafía el reconocimiento de objetos cotidianos y experiencias personales, que oscilan entre el objeto encontrado y la artesanía, del que hace un estilo de vida.

http://www.sadiecoles.com/

Duran Duran - Girl Panic!

2011-11-10T11:28:00.002+01:00

Nuevo disco y nuevo sencillo, de la mítica banda inglesa Duran Duran , mas de 100 millones de discos vendidos en su carrera avalan este esperado trabajo. El video, aderezado con las bellezas, ya clásicas de las súper-modelos, incombustibles.

Virgin Galactic + Foster & Partners

2011-11-08T18:26:00.004+01:00

Photography is by Nigel Young, apart from where otherwise stated.

Foster + Partners han completado la primera terminal turística del mundo, para viajar al espacio exterior, en Nuevo México.

Los operadores de Virgin Galactic están ejecutando actualmente un programa de vuelos de prueba.

El proyecto fue diseñado en colaboración con los arquitectos SMPC Nuevo México y URS Corporation, como director del proyecto.

http://www.virgingalactic.com/

Artissima 18, l'Internazionale di arte contemporanea

2011-11-08T17:39:00.002+01:00

Maurizio Cattelan en Guggenheim NY

2011-11-02T20:12:00.006+01:00

Matteo Nuti

Photo: David Heald © The Solomon R. Guggenheim Foundation

El carismático artista italiano Maurizio Cattelan presentará su última muestra en el muy conocido museo Guggenheim de Nueva York, 130 obras provenientes de colecciones públicas y privadas, realizadas durante los últimos 20 años, que no dejarán indiferente al visitante. Cattelan que ha creado algunas de las imágenes mas inolvidables del Arte Contemporáneo, compondrá una instalación en el núcleo de la espectacular rotonda del museo, diseñada para encapsular su producción completa hasta la fecha, de una manera narrativa y coherente, En esta última exposición personal,(quizás la penúltima, ya que quiere retirarse pronto) demostrará porque es uno de los artistas vivos con precios mas elevados del mercado.

Video Preview: Maurizio #Cattelan retrospective suspended fro... on Twitpic (Click Video)

http://www.guggenheim.org/new-york/exhibitions/upcoming/maurizio-cattelan-all

Carsten Höller at New Museum Vol. III

2011-10-26T20:32:00.001+02:00

Carstern Höller at New Museum Vol. II

2011-10-26T20:31:00.001+02:00

Carstern Höller at New Museum Vol. I

2011-10-26T20:29:00.001+02:00

maison champs elysées by maison martin margiela

2011-10-26T13:31:00.005+02:00

Entre la Avenida Montaigne y el Grand Palais, La Maison Champs Elysées le abre las puertas de un universo nuevo, poético, lujoso y a la vez relajado, cuyo minimalismo de las formas se ve favorecido por un increíble sentido del detalle. Es uno de esos lugares que cuentan historias, este palacete único hace gala de decoraciones orquestadas como las puestas en escena de una obra teatral lúdica y provocadora.

Decorada por Martin Margiela, La Maison Champs Elysées ha sabido jugar armoniosamente con el clasicismo y la vanguardia para crear espacios refinados y relajantes. Un ambiente atípico, la redefinición de los códigos de la decoración, el servicio que encarna el pacer de recibir hacen de esta casa un lugar mágico a cuyo seno sentirá deseos de regresar.

http://www.lamaisonchampselysees.com/es/

Ernesto Neto at Faena Art Center

2011-10-25T19:23:00.002+02:00

Cortesía > http://www.faenaartscenter.org

Nacido en Río de Janeiro en 1964, donde vive y trabaja, Ernesto Neto constituye una de las figuras más importantes del escenario artístico brasileño actual. Es heredero del movimiento artístico brasileño denominado Neo-Concreto que por primera vez coloca al espectador en el centro de la acción creativa así la interacción física se convierte en un aspecto clave de su trabajo. El espectador es invitado a tocar, oler e ingresar al espacio creado. Las formas orgánicas de sus trabajos están relacionadas con la observación del cuerpo como una representación de su paisaje interno y dan impresión de fragilidad y sensualidad.

Su producción se sitúa entre la escultura y la instalación. Trabaja con instalaciones abstractas que muchas veces ocupan todo el espacio expositivo creando laberintos espaciales donde finas membranas -estiradas al máximo y fijadas en distintos puntos- quedan suspendidas conteniendo cada tanto en forma de gotas enormes especies de variados colores y aromas (azafrán, clavo de olor) En sus obras los elementos y materiales principales son la elasticidad de los tejidos, la fuerza de gravedad, las especias y la espuma de polietileno.

FIAC PARIS 2011.mov

2011-10-24T23:24:00.001+02:00

FIAC 2011 : Antony Gormley, «Another Time» au Jardin des Tuileries

2011-10-19T17:16:00.002+02:00

Con el otoño , empieza el maratón de ferias de Arte en Europa, Tras Frieze en Londres, le llega el turno a FIAC en París, que trata de reinventarse año tras año y que parece dar resultado.

Jorge Pardo at Neugerriemschneider

2011-10-18T18:14:00.002+02:00

Images courtesy of neugerriemschneider, Berlin. Photos by Jens Ziehe.

Una plataforma circular de seis metros de diámetro, domina la parte central de la galería berlinesa Neugerriemschneider, equipada con los muebles característicos de las instalaciones de Jorge Pardo, todo ello rodeado de lienzos uniformemente espaciados a lo largo de las cuatro paredes de la galería. Directamente sobre la plataforma central cuelga una instalación de esculturas de luz. En su séptima exposición en la galería, Pardo es mas pardo que nunca, máximo representante de la relación entre el Arte y Diseño, demuestra una vez mas cuan interesante es su trabajo. Imitado por una legión de seguidores, sigue demostrando su frescura, dominio del espacio y color.

También hay que recordar la finalización de una de sus obras fundamentales, Tecoh, una hacienda en el norte de Yucatán en México , donde reconstruye una vieja hacienda, con mas de veinte estructuras arquitectónicas, reestructurando, ampliando y amueblando cada espacio. Para celebrar este trabajo se ha editado un libro siguiendo el desarrollo del proyecto, que incluye interesante entrevistas con el artista.

Christian Jankowski Sells Yacht at Frieze Art Fair 2011

2011-10-18T00:43:00.001+02:00

Frieze Art Fair 2011

2011-10-13T13:06:00.002+02:00

Frieze Art Fair, ha conseguido en menos de una década posicionarse como feria de referencia mundial, el buen hacer de sus directores, y la ciudad emplazamiento, sin duda tiene mucho que ver. Apostaron por una carpa en medio de un parque, cosa que sorprendió a propios y extraños, pero una buen ubicación es primordial en una feria de arte, como lo es para un buen hotel, que facilita sus visitas sin grandes desplazamientos, cosa importante en una ciudad con el tamaño de la capital británica.

Frieze que tiene como origen, la revista de arte homónima, crecerá en un futuro muy próximo, no sólo tendrá una sección dedicada a las piezas maestras de artistas muertos, novedad absoluta en este encuentro, sino que se expanden organizando en la próxima primavera, una nueva feria en Nueva York, que seguro rivalizará con la ya establecida The Armory Show. No hay que perdersela....

www.friezeartfair.com

COS supports Frame at Frieze Art Fair 2011

2011-10-12T23:46:00.002+02:00

Desde 2009, la firma sueca COS (hermana menor de H&M) soporta FRAME, la sección mas joven de Frieze Art Fair, sección que se interesa unicamente por mostrar un solo artista, con una vida laboral menor a seis años, sección que está consiguiendo adeptos poco a poco y buenos resultados, sección de riesgo dentro de una feria comercial, pero consolidada en tan solo tres ediciones, y referencia para comisarios de todo el mundo.

En esta ocasión el corto, no falto de humor, está realizado por el director francés Simon Elephant, donde Arte y Diseño refleja la imagen de la marca, siempre elegante y próxima al minimalismo, la película actua como una pieza de arte creativo, que interesa tanto a los amantes del arte, como a los clientes de la firma, promovimiendo la relación entre COS y el arte contemporáneo.

www.cosstore.com

The Unilever Series: Tacita Dean (Under Construction)

2011-10-11T17:40:00.004+02:00

Londres capital Europea del Arte Contemporáneo, se prepara para una nueva edición de Frieze Art Fair, posiblemente la segunda feria de arte contemporáneo mas importante del mundo.

Coincidiendo con la apertura de la nueva temporada y de la feria de arte, toda la ciudad de viste de largo y pone la carne en el asador, la Tate Modern, templo del mejor contemporáneo, comienza con una programación con sustancia, en Turbine Hall, inmensa sala donde las haya, podremos ver la nueva instalación "The Unilever series", de Tacita Dean, que seguero no nos dejará indiferentes, imprescindible.

http://www.tate.org.uk/modern/exhibitions/unilever2011/default.shtm

Pipilotti Rist at Hayward Gallery, London

2011-10-11T17:27:00.002+02:00

Primera exposición en reino unido, de Pipilotti Rist, artista suiza reconocida por sus innovadoras instalaciones de video. En esta exposición, presenta vídeos monocanal, esculturas, fotografías, fondos de pantalla y video instalaciones que abarcan su carrera desde la década de 1980, hasta la actualidad. La práctica de Rist, fusiona los grandes logros técnicos con el empleo de colores deslumbrantes, todo ello rodeado de imágenes sensuales, música y texto, que tienen como resultado instalaciones fascinantes. Rist crea una experiencia sensorial total de su público, mostrando sus obras en instalaciones arquitectónicas concebidas especialmente para espacios particulares.

www.southbankcentre.co.uk

Günther Förg @ Barbel Graesslin

2011-10-05T19:30:00.003+02:00

«Förg toma sus fotografías con una cámara sin trípode, como si estuviese pintando libremente con un pincel. Escoge vistas en apariencia bastante intrascendentes. Al captar las imágenes de los edificios, no vemos el volumen arquitectónico sino el movimiento arquitectónico; con sus fotografías, el pintor nos conduce a través de pasillos y puertas, subiendo y bajando», señala Rudi Fuchs.

http://www.galerie-graesslin.de/

Yves Saint Laurent - Fundación Mapfre.

2011-10-04T18:50:00.004+02:00

La retrospectiva del artista y diseñador Yves Saint Laurent propone una visión completa de 40 años de creación que resumen 150 modelos de alta costura y prèt-a-porter, además de 80 dibujos, fotografías y películas.

La Fundación Mapfre presenta esta exposición en colaboración con Fondation Pierre Bergè-Yves Saint Laurent. La muestra presenta cronológicamente la evolución del diseñador desde sus comienzos en Dior con la famosa colección Trapèze hasta el esplendor de sus trajes de noche con un apoteosis de colores y de creaciones que ubican su obra en el presente.

Los fundamentos del estilo de Yves Saint Laurent están presentes en la exposición. Fue el primer diseñador en querer vestir a la gente de la calle, pero también a la mujer de sus sueños. Su particular proceso creativo puede contemplarse en esta exposición a través de bocetos realizados a mano por el artista antes de abordar todos los pasos que permiten la ejecución final de cada modelo.

http://www.exposicionesmapfrearte.com/ysl/#/la-ambicion-de-la-alta-costura

Nuevas galerías en Madrid

2011-09-30T16:51:00.004+02:00

El relevo en las galerías, no está por llegar , ya está aquí, según podemos leer en el reportaje de Isabel Lafont, en el diario El País. El periódico de mayor tirada nacional, estrena su nuevo cuadernillo dentro de la sección Madrid, dedicandoselo a las galerías de Arte Contemporáneo.

Histórica portada en relación con el mundo de las galerías, no se recuerda nada similar. La nueva generación de galerías se presenta con mucho futuro, preparación y profesionalidad, todo un reto en los tiempos que corren. De especial interés nos parecen Casado Santapau, Maisterra Valbuena, Travesía Cuatro o Parra y Romero, todas ellas bicéfalas con lo que a sus directores se refiere, la unión hace la fuerza y la suma de esfuerzos traerán buenos momentos en el Arte Contemporáneo.

Mercaderes de arte versión siglo XXI (Click)

Cortesía El País .

White Cube , Nuevo Espacio en Londres

2011-09-28T18:13:00.003+02:00

La galería White Cube, inaugurará su nuevo espacio en Londres, que tendrá un tamaño aún mayor que sus dos sedes ya existentes en los distritos de Hoxton y Mayfair, ubicado en el sur de Londres (Bermondsey), el nuevo centro cool de la ciudad, junto al Tower Bridge.

Originalmente destinado como almacén para la galería, pronto descubrieron el potencial que tenía como espacio expositivo. La supervisión de nuevo espacio está a cargo del arquitecto Casper Mueller Kneer, que convertirá el antiguo almacén de 1970 en tres espacios expositivos diferentes, salas privadas de visionado de vídeos, un auditorio y una librería.

La exposición individual, "Estructura & ausencia", será una muestra colectiva, que utilizará piedras chinas, como dispositivo conductor de la exposición, que dará una nueva mirada a la abstracción contemporánea. Incluirá obras de Gursky, Wade, Hirst, jensen, Marden , Orozco , Sterling o Wall, este nuevo lanzamiento coincidirá con la apertura de Frieze Art Fair en Regent Park.

"Estoy inmensamente emocionado por las oportunidades que se nos dan para ampliar el alcance y la ambición de todos los aspectos de nuestro programa, la oportunidad de hacer aún más la calidad de las exposiciones con artistas de talla mundial."

"La apertura de la White Cube Bermondsey es una afirmación de la actual fortaleza de Londres como centro creativo y será el próximo capítulo en la historia de White Cube", dice el galerista Jay Jopling.

GUCCI Museo

2011-09-27T13:54:00.002+02:00

Gucci culminará un año de actos de celebración de su 90 aniversario con la inauguración oficial del MUSEO GUCCI, situado dentro del histórico Palazzo della Mercanzia, en la Piazza Signoria de Florencia.

Se exhibirá una exposición permanente de importancia cultural con elementos extraídos del archivo histórico de Gucci, que se ha conservado y ampliado a lo largo de los años, junto con instalaciones de arte contemporáneo financiadas por la Fundación François Pinault. El museo lo completan el Icon Store de la marca, la librería, la cafetería y la tienda de regalos, convirtiéndolo en un lugar de destino para los visitantes.

El MUSEO GUCCI tiene tres plantas y está dividido en distintas salas temáticas inspiradas en los símbolos y motivos representativos de la casa.

En la planta baja se encuentra Gucci Caffè, que no solo da la bienvenida a los visitantes sino que sirve de lugar de encuentro nuevo y atractivo para florentinos y turistas por igual.

En el contexto actual de la era de las tecnologías, los visitantes podrán disfrutar de un área social en la que tomarse un café o conectarse a Internet a través de la red wifi del museo.

En el espacio contiguo hay una librería administrada junto al grupo editorial Rizzoli, que añade Florencia a su lista de históricas ubicaciones, entre las que se incluyen Nueva York, Londres y Milán. Gracias a esta asociación, el MUSEO GUCCI ofrecerá publicaciones para los amantes del arte, la moda, la fotografía y la arquitectura a través de una excelente selección de obras clásicas y contemporáneas.

Justo al lado está el Icon Store, que ofrece la posibilidad de adquirir artículos de ediciones únicas de la exclusiva Icon Collection, entre los que destacan bolsos como el New Jackie, el New Bamboo, así como los mocasines horsebit o el pañuelo Flora, todos con colores y detalles exclusivos, especialmente diseñados por Giannini para el MUSEO GUCCI.

El espacio de la exposición permanente empieza en la planta baja, donde la temática “Viaje” llena una sala con baules, maletas, complementos y artículos creados para la jet-set internacional, cuya clientela contribuyó al éxito internacional de Gucci durante los años cincuenta, sesenta y setenta. De hecho, las primeras colecciones de Guccio Gucci, inspiradas en la clientela que llegaba cargada de equipaje al Hotel Savoy de Londres, en el que había trabajado como portero años atrás, fueron “Valigeria e Articoli da Viaggio” (Maletas y complementos de viaje).

Cortesía http://www.gucci.com/

Beatriz Milhazes en Max Hetzler

2011-09-24T13:35:00.005+02:00

Sin duda estamos en el mejor momento para el arte que viene de Brasil, potencia latinoamericana donde las hayas. Uno de sus máximos exponentes es la artista Beatriz Milhaces (1960), cuyos astronómicos precios siguen en ascenso.

La muestra que en estos momentos realiza en la berlinesa Max Hetzler, es buena muestra de ello, reuniendo todas las cualidades necesarias, subrayadas por un lenguaje propio, fundamental a la hora de destacar , y hacerse un hueco de importancia entre la gran variedad de lo Contemporáneo.

Collages, pinturas de grandes de dimensiones y en esta ocasión un móvil a modo de pintura en tres dimensiones, dominan el grandioso espacio de la galería berlinesa, todas ellas relativas a las cuatro estaciones , composiciones estilizadas y ornamentales , con motivos geométricos y florales, habituales en el universo de la brasileña, influencias de "lo tropical", el clima y la vegetación de Brasil, construidos con ritmos y exuberantes colores, que nos retrotraen a los papeles de caramelos , con los que compone sus collages. Milhazes juega al tradicional cliché tropical Kitsch, siempre dominado bajo un buen gusto, donde racionalismo y caos se enfrentan, creando tensiones propias de la teoría de la abstracción. Todo ello aderezado con toques de Matisse, barroco portugués o Társila do Amaral.

Vía > http://www.maxhetzler.com

LOUIS VUITTON: THE ART OF FASHION

2011-09-23T12:12:00.002+02:00

La mítica casa francesa de marroquinería, metida a casa de modas, Louis Vuitton, rinde homenaje al savoir faire, y creatidad de su director artístico Marc Jacobs, -quizás antes de dejar la maison, para incorporarse como director creartivo de DIOR- con una exposición comisariada por Katie Grand , titulada el Arte de la Moda, que se podrá ver hasta el 9 de octubre en Triennale Design Museum de Milán.

La muestra , tiene un punto de vista exclusivo sobre el universo de la moda con o arte y la fusión de ambos, en el contexto actual. Grand estrecha colaboradora de Jacobs desde 2003, ha abierto el propio archivo histórico de la casa , dede 19988 a la actualidad. El resultado, 30 looks emblemáticos, de diferentes significación y diferentes colecciones, todos ellos mezclados con lenguaje propio del diseñador americano. Jacobs es el primero en unir estas materias, invitando a artistas de la talla de Murakami o Richard Prince, a "tunear" sus afamadas piezas de marroquinería, convirtiéndolas en éxito de ventas de manera inmediata.

http://www.triennale.org

Tomas Saraceno: Cloud Cities. Hamburger Bahnhof

2011-09-21T20:21:00.001+02:00

12th Istanbul Biennial 2011/imágenes

2011-09-20T20:14:00.001+02:00

Gerhard Richter. Cage Paintings

2011-09-20T19:51:00.002+02:00

La Tate Modern , templo del arte contemporáneo donde los hayas, prepara una magnifica exposición, -no podría ser de otra forma-, del artista alemán Gerhard Richter, coincidiendo con su ochenta cumpleaños.

Cinco décadas de trabajos comisariados por Mark Godfrey y el mismísimo Nicholas Serota, director de la institución londinense. Incluirá pinturas históricas , trabajos realistas basados en la fotografía, pinturas abstractas , así como una selección de paisajes, donde Richter , refleja su admiración por la pintura romántica alemana.

Gerhard Richter: Panorama, Tate Modern, opens on 6 October 2011 and runs until 8 January 2012.

http://www.tate.org.uk/

Miroslav Balka + Tania Bruguera @ Galería Juana de Aizpuru

2011-09-16T16:15:00.002+02:00

La Galería Juana de Aizpuru, continua con su programa de exposiciones dobles , en la actual, primera de la temporada se desmarca con las esculturas del polaco Miroslav Balka y dos fotografías de la cubana Tania Bruguera, mas conocida por sus performances.

Cortesía Galería Juana de Aizpuru, Madrid. http://www.juanadeaizpuru.es/

Alexandre Arrechea @ Galería Casado Santapau

2011-09-16T16:03:00.002+02:00

Alexandre Arrechea (Cuba 1970) fundador del colectivo cubano "Los Carpinteros", toma su carrera independiente en el año 2005, coincidiendo con su traslado a la ciudad de Madrid, donde reside desde entonces.Simultaneando su trabajo en la 54 Bienal de Venecia y Dublin Contemporary, mostrará en su cuarta exposición individual en la galería Casado Santapau, nuevos trabajos, inéditos hasta el momento, basado en dibujos de gran formato de grafito sobre papel, abriendo un nuevo camino en su peculiar iconografía, sin abandonar sus afamados trabajo en acuarela que le han llevado a formar parte de las colecciones de mas de treinta museos internacionales de reconocido prestigio.

Con “El Objeto Sacrificado”, nos propone, objetos, fraccionados, - aunque sin llegar a lo abstracto-, fuera de contexto que se fusionan a modo de "readymade" de influencia Duchampiana. El evento que nos permitió darnos cuenta de que era posible "hablar otro idioma" y, pese a ello, seguir creando un arte con sentido fue el primer readymade puro de Marcel Duchamp, recogiendo esta máxima, Arrechea, ensambla objetos cotidianos, todos ellos pertenecientes a su propia iconografía, y los lleva a un nuevo plano plástico y conceptual. transportandolos a su terreno, en el lenguaje y en su excepcional mano en lo pictórico, reedescubriendo una nueva manera de ver los objetos. Con tan solo una gama de grises ilimitados, consigue una aproximación casi fotográfica del objeto, tocados con tintes Pop, ensamblajes, humor y Surrealismo

El resultado de esta nueva iconografía, son trabajos finales, nunca bocetos o esbozos, conservando la fuerza de sus anteriores trabajos, dotándolos de una frescura y eficacia inusual en el dibujo. Iconos que nos retrotraen a diferentes etapas personales del artista, donde la memoria toma capital importancia.

Además, la muestra consta con varias esculturas en acero inoxidable, donde una vez mas, el hilo conductor es el ensamblaje de objetos, en esta ocasión, elementos arquitectónicos -uno de sus temas mas frecuentes en su trabajo- se fusionan con la anatomía humana, creando unas sugerentes imágenes, poéticas y silenciosas, donde la ausencia/presencia, aparece de una manera inquietante, en plena comunión con lo emocional. Las acuarelas, también hacen acto presencia en la exposición como nexo conductor entre las grafitos y las piezas de volumen, proyectos imposibles, que parecen posibles, dada la eficacia técnica de Arrechea.

Arrechea pertenece a colecciones de mas de cincuenta museos y fundaciones de primera línea, destacamos MoMA NY, MAM Miami, LACMA Los Angeles, MoCA Los Angeles, Brooklyn Museum NY, Daros Collection Zurich, Cisneros-Fontanals Miami, San Diego Art Museum, Thyssen-Bornemisza Contemporary, Vienna, o Margulies Fundación Caja Burgos, Margullies Foundation, Miami, Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana, y otros mas recientes como el Mudam en Luxemburgo o Bronx Museum NY.

Http://www.casadosantapau.com

12 Istambul Bienal

2011-09-16T12:47:00.003+02:00

Comisarios de la Bienal

El 17 de septiembre comienza duodécima Bienal de Estambul. Comisariada por Jens Hoffmann y Adriano Pedrosa, se desarrollará en torno a la obra del desaparecido artista cubano Félix González-Torres, en un único espacio.

Sin Embargo, todavía se desconocen los nombres de los artistas participantes, algo inusual en este tipo de acontecimientos, manteniéndolos en secreto, para evitar caer en la obsesión de los listados de artistas, todo un acierto que carga de pequeñas emociones las futuras visitas a la Bienal. A pesar de todo se ha escapado algunos nombres como los artistas turcos Kutlug Ataman o Aydan Murtezaoglu.

http://bienal.iksv.org/en

Blinky Palermo at CCS Bard

2011-09-14T18:02:00.002+02:00

Restrospectiva del gran Blinky Palermo ( 1964-1977) coorganizada por el Dia Foundation and CCS Bard, primera restropectiva norteamericana, comisariada por Lynne Cooke (teorica subdirectora del Museo Reina Sofía de Madrid), donde se examina la evolución del artista.

http://www.bard.edu/ccs/

ABC Art Berlin Contemporary 2011: About Painting

2011-09-11T23:14:00.002+02:00

Berlín, sigue en su proposito de convertirse en la capital europea del arte contemporáneo, frente a su gran oponente Londres. Ahora, del 6 al 11 de septiembre, se desmarca con una nueva edición de ABC (Art Berlin Contemporary), en esta ocasión dedicada en exclusiva a la Pintura, su método e influencia en la actualidad y su presente en las prácticas contemporáneas. Presentando no solo obras en lienzo, sino en papel, escultura, fotografía,video, que tengan que ver con este metodo clásico del arte.
http://www.artcontemporaryberlin.com

Apertura ArteMadrid 2011

2011-09-07T23:45:00.009+02:00

esMADRID.com - Apertura ArteMadrid (Clickar)

APERTURA 2011

Cerca de cincuenta galerías de arte madrileñas celebran de forma simultánea el inicio oficial de la
temporada artística

En los días 15, 16 y 17 del próximo mes de septiembre Madrid se convertirá en un punto de ebullición del arte
contemporáneo.
Con la celebración de APERTURA 2011, cerca de cincuenta inauguraciones simultáneas y un amplio programa de
actividades en museos y centros de arte potenciarán nacional e internacionalmente la creación plástica y
las industrias culturales españolas.
La segunda edición de APERTURA, organizada por ArteMadrid, está en la línea de los eventos que se celebran
en otros grandes núcleos del panorama internacional como el Gallery Weekend de Berlín o de Nueva York.
Para este evento, las galerías de arte que componen ArteMadrid escogen lo mejor de su plantel de artistas
tanto españoles como internacionales, consagrados y emergentes. La cita atraerá a coleccionistas,
expertos y comisarios de todo el mundo.
Al mismo tiempo, el público general podrá acercarse aún más al arte contemporáneo gracias a los horarios
de apertura ampliados de las salas participantes, las visitas a colecciones privadas, las charlas y,
especialmente el sábado por la mañana,los desayunos que ofrecerán las galerías de arte.

Galerías participantes

Álvaro Alcázar Arnés & Röpke Astarte Bat - Alberto Cornejo Benveniste Contemporary Blanca Berlín Blanca Soto Arte
Casado Santapau Cayón Distrito Cu4tro Egam Elba Benítez Elvira González Espacio Mínimo Estampa Evelyn Botella Fernando Pradilla Formato Cómodo Fúcares Guillermo de Osma Heinrich Ehrhardt Helga de Alvear Javier López Mario Sequeira Joan Gaspar
José Robles Juana de Aizpuru La Caja Negra La Fábrica Galería Leandro Navarro Magda Belloti Marlborough Marta Cervera
Max Estrella Metta Michel Soskine Moriarty MS Galería Nieves Fernández Oliva Arauna Parra & Romero Pilar Serra
Rafael Pérez Hernando Raquel Ponce Soledad Lorenzo Travesía Cuatro Utopía Parkway

http://www.artemadrid.com/

DCTV: What is Dublin Contemporary?

2011-09-04T23:12:00.002+02:00

Dublin Contemporary, es la bienal de un país pobre que se celebrará cada cinco años, en lugar de dos, pero con formato de bienal.Primer evento cultural de calidad en esta ciudad, reunirá a mas de noventa artistas comisariados por Christian Viveros-Fauné y Jota Castro, en diferentes centros de arte y galerías de la ciudad , así como un gran número de arte público.
En esta ocasión hay un intento de recupar a artistas poveras y neopoveras que utilizan materiales baratos, como muestra de arte global, evitando los grandes costes de producción, propios de otras bienales.
D C, tiene una particularidad, es la primera comisariada por latinoamericanos en Europa, en 2012, La manifesta (Limburg) será comisariada por el mexicano, Cuauhtémoth Medina.

http://www.dublincontemporary.com

Ai Weiwei - FotoMuseum Winterthur

2011-09-01T00:10:00.003+02:00

http://www.fotomuseum.ch/

Katharina Fritsch Figurengruppe Group of Figures 2006--08 2010--11 Sculp...

2011-08-19T00:24:00.002+02:00

http://www.moma.org/

Olafur Eliasson @ ARoS Museum

2011-08-14T17:39:00.003+02:00

Your Rainbow Panorama, la mas recientes de las obras del artísta Olafur Eliasson, corona la azotea del museo de Arhus (ARoS), la segunda ciudad danesa, un anillo a modo de pasillo, permite deambular por esta construcción de cristal con todos los colores del espectro solar.

Los visitantes pueden caminar por la colorida estructura, envueltos en una atmósfera sensorial, habitual en la obra de Eliasson, mientras puede contemplar una vistas de 360º de la ciudad.

Una vez mas, la arquitecura y las artes plásticas se funden en uno solo, un nuevo concepto de pintura de género paisajista en tres dimensiones, donde las perspectiva humana cambia a cada paso, en comunión entre cielo y tierra.

http://www.aros.dk

Barbara Kruger @ Moderna Museet

2011-08-13T00:19:00.004+02:00

Trabajo permanente en el Hall de entrada al Moderna Museet de la artista americana Bárbara Kruger, una de las artistas conceptuales mas interesantes del momento actual.

http://www.modernamuseet.se

Atelier van Lieshout & Tannhäuser

2011-07-28T12:58:00.004+02:00

En 2007, el colecticvo artistíco holandés Atelier Van Lieshout, fue invitado por el director alemán Sebastian Baumgarten ( enfant terrible de la ópera alemana), para diseñar el escenario para la producción de Tannhäuser, que se estrenó en el 25 de julio 2011 en el prestigioso festival, Festpiele Bayreuther en Bayreuth. El festival fundado por Wagner en 1876, con la ayuda de Luis II de Baviera, se celebra cada verano, con una nueva producción que se representará durante cinco años consecutivos.

Photographs: Bayreuther Festspiele / Enrico Nawrath

Tannhäuser Opera, Bayreuther Festspiele, Bayreuth Germany
stage design Summer 2011

Conductor: Thomas Hengelbrock

Director: Sebastian Baumgarten

Stage Design: Joep van Lieshout

www.ateliervanlieshout.com

Helmut Lang @ The fireplace Project

2011-07-22T19:03:00.002+02:00

The Fireplace project, galería de arte contemporáneo en East Hampton (N.Y.), presenta "Make it Hard" , una exposición individual del diseñador de moda Helmut Lang , ahora recovertido en artista plástico, para ello el diseñador destruyó 6.000 piezas de su archivo de diseños, para crear esculturas. Columnas minimalistas, se elevan del piso al techo, esculpidas con tejido, a modo de delgadas columnas, pero de aspecto serio, semejantes en concepto a sus diseños de moda.

Con admiradores dentro del mundo de la industria de la moda, el austriaco sigue siendo muy respetado a pesar de poner punto y final en 2005. Lang donó generosamente una gran parte de su archivo a los museos de todo el mundo.

http://www.thefireplaceproject.com/

Lucian Freud in Memoriam

2011-07-22T00:44:00.001+02:00

Lucian Freud in Memoriam

1922-2011

R.I.P.

Lygia Pape @ Reina Sofia , Madrid

2011-07-22T00:39:00.002+02:00

La obra de Lygia Pape (1927-2004) surge en uno de los entornos más renovadores del arte de la segunda mitad del siglo XX, como es el contexto brasileño, donde las tensiones inherentes al asentamiento de la modernidad conviven con su extremo opuesto: procesos dictatoriales, falsos milagros económicos o movimientos culturales ligados a lo local y abocados a vivir en el exilio. Vinculada al concretismo del Grupo Frente, pronto se relaciona con la deriva neoconcreta junto a otros artistas, como Lygia Clark o Hélio Oiticica, y poetas, como Ferreira Gullar. A pesar de la comparación de Pape con estos, su obra ha carecido hasta ahora de un reconocimiento crítico paralelo al de sus compañeros.

La trayectoria de Lygia Pape responde a esa necesidad de ampliación de lo sensible, dominante en el contexto brasileño de finales de los cincuenta, pero en cuyo caso experimenta una coherencia en una amplia diversidad de medios. Ya a finales de esta década, heredera del ultra-racionalismo concretista brasileño, desarrolla una serie de grabados -Tecelares-, que entendía no como prehistoria de la reproductibilidad, sino como un proceso de desbastamiento material del que surgía la luz: la copia única era reflejo de la densidad conceptual con la que se entendía el proceso. En los 70 participa en varias producciones cinematográficas del Cinema Novo, donde diseña títulos de crédito y demás representaciones visuales; trabajo que compaginó con actividades en el Museo de Arte Moderna de Sao Paulo, verdadero ejemplo de producción experimental de público activo. Ya en los ochenta desempeñó un influyente papel como docente en la Universidad de Santa Úrsula, desplegando una pedagogía del habitar con la que los alumnos aprendían a valorar las construcciones vernáculas ajenas al dogma académico. Con posterioridad supo combinar su producción visual, de impronta geométrica, con una querencia por lo tribal, rememorando las cualidades híbridas del movimiento antropofágico de la primera mitad del siglo.

Mención especial merecen sus libros, en los que imagina un mundo a partir de una práctica y experimentación material que marginan a la figura del autor en favor de un lector capaz de generar una obra ajena al lenguaje escrito. Sus películas para objetos geométricos en danza (Ballet neoconcreto, 1958) o su inclasificable performance Divisor (1968), una obra textil que debía ser portada colectivamente (reactivada en esta exposición), avanzan algunas ideas fundamentales en el planteamiento de un espacio que atrae lo público y sus afectos como un objeto imantado.

Exposición organizada por el Museo Reina Sofía en colaboración con el Projeto Lygia Pape.

Cortesía > http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/actuales/pape.html

Tracey Emin @ Hayward Gallery London

2011-07-20T19:30:00.003+02:00

http://www.loveiswhatyouwant.com/

Marcel van Eeden @ Sprüth & Magers London

2011-07-20T19:05:00.003+02:00

Primera incursión londinense del artista holandés, Marcel van Edeen, una nueva serie de dibujos de pequeñas dimensiones , donde explora el concepto de narración con carácter de semificción. Todos los trabajos como es característico en él, desde 1993, año en que se graduó en la la Royal Academy of Art de La Haya , caracterizados casi exclusivamente en grafito, donde articula una serie de eventos que forman parte de una narración continua , aunque en contaste cambio. Las imágenes resultantes tienen un estilo predominante monocromática que recuerdan al "cine negro", y el texto que acompaña a los dibujos son un cruce en el territorio de la novela gráfica.

Van Edden trabaja sus series con auto reglas impuestas, el papel que él trabaja ha sido cortado a mano, con dimensiones especificas, trabajando sin descanso al ritmo de al menos un dibujo al día desde 1993, utilizando solo imágenes anteriores a la fecha de su nacimiento en 1965. Van eeden está fascinado por esta idea de ausencia y el " no ser", como el que defiende "Schopenhauer", para el artista , el tiempo antes de su nacimiento es equivalente al tiempo después de su muerte.

Por cortesía de http://www.spruethmagers.com

Anthology of a decade Hedi Slimane

2011-07-14T18:35:00.002+02:00

Nueva antología fotográfica del ex-diseñador Hedi Slimane, hecha a su medida, fotografías que atraviesan la escena musical de Nueva York, sus artistas plásticos , la moda de la calle y la Alta Costura, todas ellas tomadas en la última década, 175 instantáneas seleccionadas para un sugerente coffee table.

Whitney museum of the Future:

2011-07-14T00:28:00.002+02:00

Futuro edificio del Museo Whitney, que realizará el arquitecto genovés Renzo Piano, cuya inauguración se preeve para el 2015, en el Meatpacking Distric neoyorquino.

http://www.whitbey.org

Takashi Murakami at Gagosian London

2011-07-07T13:57:00.006+02:00

3m Girl (Original rendering by Seiji Matsuyama, modeling by BOME and Genpachi Tokaimura, full scale sculpture by Lucky-Wide Co., Ltd.), 2011

Fiberglass reinforced plastic and steel

106 5/16 x 38 3/16 x 47 3/16 inches (270 x 97 x 120 cm) Ed. of 3

http://www.gagosian.com/

Cy Twombly in Memorian

2011-07-06T00:40:00.003+02:00

Cy Twombly in Memoriam

1928-2011

His passing is the end of an era

Luc Tuymans / CAC Málaga

2011-07-02T23:41:00.004+02:00

El Centro de Arte Contemporáneo de Málaga presenta Retratos y vegetación, primera exposición en España de Luc Tuymans, gran referente de la pintura contemporánea y uno de los artistas europeos más influyentes y admirados. Un recorrido por su obra pictórica a través de 16 óleos de diferentes formatos, en los que se acredita la técnica que le ha hecho ser pieza fundamental de una nueva generación de artistas figurativos para quienes la pintura es el mejor medio de expresión, aun en contra de aquellos que la consideran conservadora y opuesta a la naturaleza heterogénea de la tendencia contemporánea.

Tras la aparente simplicidad de la narrativa de su obra, el halo sombrío, la pincelada acuosa y el silencio engañoso que la caracterizan no son más que una apariencia ilusoria para producir en el espectador tensión y un cierto desgarro ante el que no puede permanecer impasible. Retratos y vegetación es un buen ejemplo de ello y a través de las 16 pinturas que la componen se evidencia la contundencia y la rotundidad de su trabajo, así como la ausencia de afectaciones y extravagancias. Falsa serenidad para llamar la atención sobre el anhelo de nuestra sociedad por olvidar ciertos acontecimientos que han marcado la memoria colectiva, como el Holocausto, los dramáticos sucesos del 11S o la política del Congo Belga.Retratos y Vegetación está organizada con la colaboración de la Delegación de Flandes.

Cortesía CAC Málaga / http://cacmalaga.org/

Sigmar Polke en Leo Koening N.Y.

2011-07-01T17:31:00.003+02:00

Leo Koenig Inc., en colaboración con Winckler Fine Arts de Berlín, se complace en anunciar la apertura de "Sigmar Polke: Photoworks 1964-2000".Ampliamente reconocido como uno de las fuerzas creativas más importantes que surgieron de post Segunda Guerra Mundial Europa, Sigmar Polke era un artista de imprevisibilidad increíble. Desde el principio, ya lo largo de su carrera, Polke resistido a la idea de una identificación de "firma". En su práctica, el artista incorpora técnicas tomadas de marketing masivo y ámbitos comerciales en un proscenio de las imágenes que se superponen y resuenan en el tiempo. Inescrutable, misterioso iconoclasta, son palabras que en un momento u otro se han utilizado para describir tanto el artista y su obra. Nunca se podría describir su trabajo como incoherente. Un puntal de ingenio mordaz, belleza indeleble, y una sensibilidad poética moderan su imagen y comunican una seducción accidental.

A lo largo de su vida, Polke ha hecho miles de fotografías, la selección de obras para esta exposición destaca agudamente el papel integral que la fotografía había jugado en las grandes obras del artista. Que van en el tenor de la encantadora torpeza a lo conmovedor y melancólico, las obras expuestas, se han seleccionado a partir de una variedad de fuentes y colecciones, tanto públicas como privadas. Muchos de ellas han sido raramente vistas en los Estados Unidos. Uno de los aspectos más destacados de la exposición incluyen obras que fueron exhibidas con anterioridad en la Documenta 6 en 1977, y la Kunsthalle de Mannheim en 2004. Una serie de 20 fotografías son variantes únicas de la misma serie, "When Pictures Vanish" que se mostraron en el MOCA de Los Angeles en 1995. También se incluye una selección extraña de fotografías tomadas en las catacumbas capuchinas de Palermo, y una serie de fotogramas en los que experimentó, entre otras técnicas no probadas, los efectos de los materiales radiactivos en el proceso fotográfico.

Sigmar Polke constantemente experimentó con el medio,destaca su gama de fotografías de objetos cotidianos con humor, realizó disparos a la gente que tomó durante un viaje a través de lugares como el Bowery de Nueva York, las calles de París, y pequeñas aldeas en Afganistán. Mientras que las imágenes contienen la evidencia de sus propietarios, destaca el proceso de desarrollo y la capacidad de crear relatos alucinantes, que se asemejan a un episodio de un sueño. Por encima de todo, las fotografías revelan una actitud general hacia las imágenes que ocultan o cambian el foco central, haciendo hincapié en lo involuntario, infundiendo un lenguaje pictórico con una fuerza incandescente.

Por cortesía de http://www.leokoenig.com

Dennis Oppenheim / Musée D'art Moderne Saint-Étienne Métropole

2011-07-01T16:55:00.005+02:00

Esta exposición de de Dennis Oppenheim ofrece la ocasión inédita en Francia de releer los treinta últimos años de creación de este fabuloso constructor de formas y de mecanismos a través de seis instalaciones particularmente emblemáticas.

Por cortesía de http://www.mam-st-etienne.fr/

Serpentine Gallery Pavillion 2011

2011-06-30T18:36:00.002+02:00

Con la llegada del verano la Serpentine Gallery londinesa, revela sus planes para su Pabellón 2001 , en este caso realizado por el afamado arquitecto de Basilea Peter Zumthor.

Este nuevo pabellón efímero , número 11 en la serie anual de la galería, convierte al programa , como uno de los mas ambiciosos relacionados con la arquitectura, primero del este arquitecto finalizado en Inglaterra, y cuewnta con un jardín creado especialmente por el influyente diseñador holandés Piet Oudolf.

El concepto para el pabellón de este año es un hortus conclusus, una sala de contemplación y un jardín en el jardín. Uno entra en el edificio por el jardín y comienza la transición hacia el jardín central, un lugar aislado del mundo del ruido, el tráfico y los olores de Londres, un espacio interior en el que sentarse, caminar , observar las flores.

Con este pabellón, al igual que las estructuras anteriores, como los famosos baños termales de Vals en Suiza, o la capilla Bruder Klaus en Mechernich, Alemania, Zumthor ha hecho hincapié en los aspectos sensoriales y espirituales de la experiencia arquitectónica, a partir de la composición precisa y sencilla y la presencia de los materiales , para el manejo de la escala y el efecto de la luz. En el Corazón de la práctica de Peter Zumthor es una refinada selección de los materiales utilizados para crear espacios contemplativos que evocan la dimensión espiritual de nuestro entorno físico. Como siempre, el objetivo estético es personal el edificio, precisamente, su objetivo como un cuerpo físico y un objeto de la experiencia emocional.

"Un jardín es el conjunto del paisaje más íntimo que conozco. Está cerca de nosotros. Hay que cultivar las plantas que necesitan. Un jardín requiere de cuidado y protección. Y por lo que lo rodean, lo defendemos y valerse por sí mismo. Le damos refugio. El jardín se convierte en un lugar.

Los Jardines cerrados me fascinan. Un precursor de esta fascinación es mi amor por la huerta cercada en las granjas en los Alpes, donde las esposas de los agricultores con frecuencia plantan flores. Me encanta la imagen de estos pequeños rectángulos recortados de gran praderas alpinas, la valla de mantiene a los animales alejados. Hay otra cosa que me llama la atención en esta imagen de un jardín vallado dentro del paisaje general alrededor de él: algo pequeño ha encontrado refugio en algo grande.

El hortus conclusus que sueño es cerrado por todas partes y abierto al cielo. Cada vez que me imagino un jardín en un marco arquitectónico, se convierte en un lugar mágico. Creo que de los jardines que he visto, que yo creo que he visto, que me largo a ver, rodeado de paredes simples, columnas, arcos o las fachadas de los edificios - lugares protegidos de gran intimidad donde me quiero quedar por mucho tiempo ".

http://www.serpentinegallery.org/